Los fundamentos del arte moderno. Aproximación a los textos de Ortega y Gasset

6/5/2016

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  Marcas y Arquitectura »

Los fundamentos del arte moderno Aproximación a los textos de Ortega y Gasset (1). Por José Javier Alayón González.

Tres umbrales. Paul Klee, 1929

Orígenes de los principios estéticos vanguardistas La acumulación ininterrumpida de producción artística hasta finales del s.XIX llegó a aplastar la inspiración artística, conduciendo a la drástica ruptura que supusieron las vanguardias  de  principio  de  siglo.  La  negación  tomó  el  mando  y  todo  lo  nuevo  debió  concebirse  como  una  oposición  al  arte  viejo,  el  hilo  histórico  debía  romperse.  Para Ortega fue el momento en que se produjo una contundente deshumanización del arte. Como repulsa al arte viejo, según el filósofo, el arte nuevo parte de un “asco a las formas vivas”, en escalas diferentes, pero declarado a todas las musas que alimentaron la disciplina a partir del Renacimiento con toda su voluptuosidad y vitalidad. La intensidad  de  la  deshumanización  en  la  obra  artística  era  distinta  y  proporcional  a  las  tres  categorías  de  elementos  que  componen  nuestro  mundo:  personas,  resto  de seres vivos y las cosas inorgánicas. Para Ortega, mientras más vital, más desterrado estará del escenario artístico de vanguardia. Los  nuevos  principios  estéticos  pasarán  por  un  proceso  de  desmontaje  de  lo  humano,  donde  el  modo  de  expresarse  debe  ser  fiel  representación  de  la  empresa  recién fundada. Por tanto, partir de cero requería crear un lenguaje nuevo como principal herramienta. La nulidad es el estado vacío del espacio y para intervenir en éste el artista se aferra a la geometría como medio de expresión, por su carácter de ciencia antinatural y rabiosamente abstracta. Abstracción que le otorga una ingravidez cultural, una liberación  de  peso  social  que  Ortega  define  como  intrascendencia  del  arte,  liberándole  de  cargos  y  obligaciones  que  compartía  con  la  ciencia  o  la  política  dentro  de  las preocupaciones e intereses humanos. Decía  el  ensayista  madrileño  que:  “La  aspiración  al  arte  puro  no  es,  como  suele  creerse  una  soberbia,  sino,  por  el  contrario,  gran  modestia.  Al  vaciarse  el  arte  de patetismo  humano,  queda  sin  trascendencia  alguna  —como  solo  arte,  sin  más  pretensión—.”  Sin  embargo,  pasado  un  siglo,  el  arte  moderno  y  las  otras  artes  que  se nutrieron de él —principalmente la arquitectura, por ser la más social de ellas—, siguen siendo inaccesibles para las masas. Ortega cita a Wilhem Worringer en uno de sus ensayos, titulado “Arte de este Mundo y del Otro”, para explicar que la historia del arte ha dado definitivamente un giro y se fundan  así  las  bases  de  un  nuevo  querer  artístico,  una  distinta  voluntad  estética,  opuesta  al  poder  artístico,  fundamento  basado  en  la  habilidad  de  recrear  un  arte naturalista. Para ello, la abstracción es la herramienta de la nueva voluntad estética. 

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Komposition 8. Vassily Kandinsky, 1923

La idea de forma en la concepción de objetos El objeto dentro del arte del siglo XIX, realista por excelencia, más que ser concebido era emulado. El artista estaba en la obligación de recrear situaciones capaces de hacer partícipe al espectador, facilitándole la aprehensión dela obra. Larealidad expresada por uno es compartida por el otro. Desde el momento en que el objeto de la obra deja de estar basado en una realidad —en un fragmento de ella para ser más precisos— que es una idea, y es sustituida por un medio, deja imposibilitado al espectador común a acceder a la totalidad de la realidad a la que nos remitía ese fragmento. Así, el objeto es una irrealidad, creada por el artista, con una legalidad propia y por tanto intransferible, que hace que sea difícil convivir con él. Al carecer de parecidos con la realidad del espectador, solo le produce sentimientos  estrictamente  estéticos  y  no  sentimientos  de  similitud,  quedando  fuera  de  su  entendimiento,  el  espectador  es  expulsado  del  ámbito  de  comprensión  del objeto. Por tanto, éste únicamente es abordable desde el intelecto visual, los sentidos son solo vehículos para la acción libre de la imaginación, funcionamiento de la razón estética para producir el deleite estético, tal como lo define Kant. Si la forma es el modo de existencia de la cosa, expresando el nexo interno y el modo de organización del objeto y está condicionada por el contenido de éste, es evidente que la forma del arte nuevo deja de ser un reflejo de la realidad, de tales o cuales peculiaridades de un pueblo o una cultura. El origen del objeto artístico deja de ser de procedencia externa (pública), para ser de génesis interna (privada). Aunque  la  forma  de  un  objeto,  en  este  caso  el  del  arte,  nunca  permanece  invariable,  puede  llegar  a  poseer  una  independencia  relativa  en  proporción  a  la  historia  quela avala. Suestabilidad es un factor que garantiza el desarrollo progresivo del contenido, pero esa misma estabilidad, que en las primeras etapas estimula el desarrollo, se transforma  con  el  tiempo  en  fuente  de  conservadurismo.  Este  encasillamiento  de  la  forma  artística,  inmediatamente  la  relega  en  relación  a  los  nuevos  contenidos, generando una contradicción que la obliga a dar un cambio en consonancia con las transformaciones acaecidas. En el proceso de constante renovación y progreso de las sociedades es difícil citar un hecho de “superación” (de la forma), tan radical como al que nos referimos.

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Broadway Boogie Woogie. Piet Mondriaan, 1921 

Relaciones entre arte y realidad Al hablar de realidad en el pensamiento orteguiano, hemos de referirnos a su concepto de la realidad radical, definida como la interpretación de nuestra vida a partir de la coexistencia del yo con el mundo. Y más exactamente como dice el autor: “Yo  en  cuanto  subjetividad  y  pensamiento  me  encuentro  como  parte  de  un  hecho  dual  cuya  otra  parte  es  el  mundo.  Por  tanto,  el  dato  radical  e  insofisticable  no  es  mi existencia no es yo existo, —sino que es mi coexistencia con el mundo”. Y en consecuencia: “No existe, por tanto esa supuesta realidad inmutable y única, hay tantas realidades como puntos de vista. El punto de vista crea el panorama”. De todos estos puntos de vistas diferentes devendrán perspectivas diferentes, lo que filosóficamente se define como perspectivismo. Entonces, todo el conocimiento que se deriva de esta doctrina, depende del punto de vista (realidad) que se tiene y éste a su vez, de la distancia espiritual que lo separa del hecho. Para explicar entonces la relación entre arte y realidad que existe en la filosofía orteguiana hemos de afirmar que el arte nuevo es irreal, que por primera vez, en relación al arte antiguo, se eliminan los elementos reales y los de orden estético toman el poder de la obra artística: inevitable consecuencia de la deshumanización del arte. El artista frente a la obra deja de lado cualquier punto de vista real, o sea, humanamente vivida, para tomar un punto de vista interno, irreal. De emular las cosas ha pasado a pintar las ideas, es decir, la irrealidad. Ortega  especifica:  “es  el  arte  doblemente  irreal:  primero  porque  no  es  real,  porque  es  otra  cosa  distinta  de  lo  real;  segundo  porque  esa  cosa  distinta  y  nueva  que  es  el objeto estético lleva dentro de sí como uno de sus elementos la trituración de la realidad”. De  esta  experiencia  se  obtiene  el  goce  del  objeto  artístico  y  no  el  goce  de  sí  mismo,  producto  de  verse  vinculado  con  las  realidades  expuestas  en  la  obra  de  arte.  La contemplación sustituye a la identificación del espectador frente al objeto artístico. Para finalizar atendamos a la que quizá sea la característica principal del arte de vanguardia para Ortega y Gasset: su impopularidad. Toda “superación” dentro de algún sistema implica cierto rechazo de entrada. Pero la situación que se presenta en este nuevo panorama artístico es un problema de índole sociológico, pues el público queda estratificado por un proceso de selección intelectual. La clasificación es muy sencilla: los que lo comprenden y asimilan y los que no lo comprenden y rechazan. Al mismo tiempo esta segregación es drástica, pues los porcentajes son marcadamente dispares a favor de los que se sienten humillados por el nuevo arte. Como afirma Ortega, el nuevo arte es un “arte artístico”, es decir, producido y accesible solo por artistas, denominados así tanto los propiamente llamados, como los que poseen el nivel cultural suficiente para entrar en la elite capaz de hacer inteligible el objeto artístico, incluyendo la arquitectura moderna que fundará sus cimientos, entre otras cosas, en estos principios estéticos. (1) Todas las citas han sido extraídas de: ORTEGA Y GASSET, La deshumanización del arte y otros ensayos de estética, Editorial Alianza, 1998.

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Publicado por Federico García Barba | marzo 9, 2013 | Temas: Alayón, Ortega y Gasset | Categoría: ARTE

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