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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL ESTADO DE MÉXICO
FACULTAD DE
ARTES



LA VIDA SOBRE LA VIDA: EL LENGUAJE DEL
CUERPO, LA KINESIA EN LA ESCULTURA


TRABAJO FINAL QUE PARA OBTENER EL TÍTULO DE LICENCIADO EN ARTES PLÁSTICAS

PRESENTA:

ERICK MATA DÍAZ


EN MODALIDAD DE ENSAYO


DIRECTOR:
M. en D.E. CALEB MARIO LÓPEZ MOTA


ASESOR: M. en A.V. José Edgar Miranda Ortiz
ASESOR: L. en A.V. Armando Gómez Martínez



Toluca México, Junio de 2013.




ÍNDICE. 1
INTRODUCCIÓN 2
PARTE I
LA ESCULTURA PROCESUAL COMO EL CAOS 15
1.1- LA NATURALEZA DEL CAOS Y LA ORGANIZACIÓN 20
1.2 -EL ERROR, INEXACTITUD Y DESORGANIZACIÓN.
EL SOUVENIR ORGANIZATIVO 25
1.3- LO COTIDIANO SE VUELVE EFIMERO 29
1.3.1- PASAJERO 32
PARTE 2
DESORGANIZACION Y REORDENAMIENTO 34
2.1- LA MUTACIÓN Y LA METAMORFOSIS COMO ATRIBUTOS DE LA PHYSIS 38
2.2- LOS OBJETOS ARTISTICOS SE HACEN POLVO, POIESIS Y TÁNATOS
42
2.3- LA VIDA COBRA SU TERRENO 45
2.3.1- El otro
48
2.3.2- Todo vuelve a otro origen
51
PARTE 3.
ANALISIS DE PROCESOS DE LA OBRA PERSONAL
3.1- EL DIPSOMANO
53
3.1.1- Proyecciones, aciertos y actos fallidos
61
3.2- PESCANDO PESCADOS 62
3.2. 1- Descripciones técnicas y conceptuales
66
3.3- MUJER EMBARAZADA 67
3.3.1 -Importancia del acabado 69
CONCLUSIONES 71
GLOSARIO 74
BIBLIOGRAFÍA 75
ANEXOS 77


INTRODUCCIÓN

El cuerpo es un lenguaje, pensándolo desde la cinestesia, la escultura de
los cuerpos humanos son lenguajes (personalizados) de un lenguaje (el del
cuerpo humano), o sea que crea un lenguaje escultórico a partir de la
percepción de los demás cuerpos; el lenguaje del cuerpo en la escultura es
una infinidad de lenguajes y lecturas diferentemente entendidas y
entendibles. Al obtener un estilo realista[1] pero no tan naturalista[2],
conceptos históricos de las corrientes artísticas[3], se entiende de muchas
maneras la obra, que también depende del gusto o conocimiento que el
espectador tenga de las piezas que se mostraren.
El enfoque principal (sensación primaria) parte de la figura humana, como
forma de expresión directa a la sensibilidad humana reconocible, tanto para
novatos como para veteranos en la alimentación visual, ya que esta forma
anticipa la del imaginario en creación, tanto como de figuras zoomorfas[4]
ó de las divinidades teológicas de las diferentes culturas.
El cuerpo es por sí mismo una boca llena de palabras que decir, el lenguaje
kinestesico es algo inicial, originario y original, que nos permite
identificarnos en las otras personas ó en este caso en esculturas de figura
humana en donde la forma anatómica; no solo de las manos, los pies o los
gestos faciales, sino también la incómoda tensión corporal, son
particularidades del lenguaje del cuerpo que en consecuencia me llevaron a
evocar figuras de aspecto rígido como una mujer colgada del labio (ver
anexos); tal un pescado, con los brazos hacia abajo pero tensos hacia
atrás, o el tipo que está colgado en dos puntos de la espalda (ver
anexos), con los brazos en cuarenta y cinco grados hacia el frente. Estos
gestos de incomodidad me interesa representar en la escultura, quizá
hablando de mí o de los demás humanos, en palabras de Jorge Marín:
"Considero que una obra plástica semeja un espejo donde cada observador
encuentra una imagen diferente pues, el mismo, se proyecta en cuanto
corresponde a sus deseos, inquietudes o frustraciones.".
(ARTEAGA, Agustín. Jorge Marín, Bronces. México, Consultoría de
Comunicación Empresarial. 2004, pág.7)

Creo que el arte pudiendo o no hablar de uno mismo, siempre habla de lo
demás, lo que nos rodea, lo que convivimos a diario; es así como rememoro
imágenes en donde encuentro la relación corporal con el sentir o malestar
de una persona, cada imagen, cada posición que veo en ellas me habla de la
persona, nos habla a todos aunque la interpretemos de maneras distintas; ya
sea por la inclinación de nuestros afectos a ciertas ciencias o nuestro
reflejo directo.
Básicamente siempre hay gestos que reconocemos como naturales, no solo
sociales o culturales, sino de una naturaleza nata, como la disposición al
dolor; aunque para algunos puede no existir físicamente, siempre hay una
tensión entre controlar la mente y el cuerpo como para poder disimular
fácilmente, es difícil para la gente común, ejemplo: beber quince
caballitos tequileros en una hora y no vomitar siendo un quinceañero; o no
poder ver la belleza de las flores amando la vida, es a lo que refiere la
kinestesia, de la lengua griega: kinesis "movimiento" que estará grabado en
la pieza y aisthesis ("sensación") (percepción sensorial)también del
griego, esto será el efecto que provoque en el espectador. En otras
palabras, conceptualiza la repercusión que tiene en nosotros el movimiento
(cambio de posición en el espacio determinada en función del tiempo).

Asimismo, cada gesto que podemos sentir o realizar como una forma natural
de vivir es una forma de comportamiento social, educada y arraigada, que se
puede identificar y en mi caso desarrollar a través de la escultura; con el
sentido de formar una identificación, quizá no propia, si no simplemente
del gesto que se ha visto y se tiene discernido en el lenguaje del cuerpo,
no mostrándome en la obra; solo en mi estilo o el que estoy formando, ese
es el interés en la producción del proyecto, en la rama más vieja del arte
y más olvidada contemporáneamente en América a consecuencia de tanto arte
actual y los nuevos medios.

Al mismo tiempo de pensar en la gestación de la escultura de forma humana y
su significante de representación corpórea, se pensara en su devenir, en
tener una obra procesual, que en algún momento tenga que "morir"; por
decirlo de alguna manera por el implemento de vida que se le da, ya sea de
musgo, liquen o pequeñas raíces, la pieza dejara de ser la escultura que
fue en algún tiempo; la vida volverá a ella y ella a la vida, al mismo
tiempo es darle vida a la pieza metafóricamente hablando y darle muerte o
simple cambio a través de la naturaleza de la naturaleza (porque es su
devenir el desgaste y desaparición), que es apropiarse todo lo que nunca
fue de uno y hacer nuevas mezclas.
En estas piezas se habla simbólicamente de la muerte, a través del
deterioro de la pieza por la apropiación de la materia con vida que
agregase, pero como en la vida misma todo vuelve a su origen, solo lo
trabajare como transformación de los materiales; en tanto al usarlos, como
al hacer que regresen a su ciclo, atacándolos con una destrucción
transformadora o destrucción organizadora[5] y permitir el paso de la
naturaleza sobre ella, es por eso que uso materiales como cemento; yeso,
entre otros que puedan ser no muy tardados en volver a la tierra, la misma
estructura hecha de metal es oxidable, por lo tanto biodegradable y con un
nuevo un comienzo para ser utilizado o visto de otra forma por el
espectador a través del tiempo; creándose y destruyéndose, no siendo solo
una pieza sino una continua transformación escultórica hecha por la natura,
en palabras de E. Morín[6]
"Lo que es el caos, es la desintegración organizadora, Es la unidad
antagonista de la explosión, la dispersión, el desmigajamiento del cosmos y
sus nucleaciones, sus organizaciones, y sus ordenamientos."
(MORIN E. Op. cit. pág.76)

Es entonces cuando puedo hablar de arte procesual[7], la cosa no es solo
cosa en sí, si no es el todos los restos por separado que forman sus
partes, claro no he tomado registro de la forma de producir la pieza de
este escrito, ya que el registro empezara cuando esta esté acabada o nacida
(destruida como escultura) y no desde el vientre o desde mi forma de
producción. Con el proceso del tiempo la obra se transformará, dispersará y
desgajara o se desprenderá, se empieza a observar con la perdida de las
partes y a la vez su nueva organización con los materiales de la natura o
con los aspectos cambiantes de la forma en su aspecto desintegrante o de
destrucción de la pieza por el tiempo.

Hablando de una pieza en especifico, "el dipsómano", fue planteada
básicamente para construir una figura humana que me ayude como conocimiento
escultórico a posteriori del quehacer y a la vez que tenga los perfiles
del lenguaje corporal o kinestesia , por eso planteo en esquema y bocetos
la solución de una obra que interpreta una figura humana con gestos de un
dipsómano (borracho) a punto de vomitar; sintácticamente[8] hablando, una
interpretación de un gesto muy forzado, el beber tanto es un esfuerzo como
lo es el resentimiento en el cuerpo, de lo que escribía anteriormente ; si
entre productores plásticos me criticarían, no pretendo mostrarme en mis
piezas ya que el reflejo que trato de causar es el social, claro en un
campo semántico[9] de desacuerdo , en donde la gente carece de virtudes por
los vicios sociales; tanto físicos como intelectuales, así mismo
espirituales.

Registro de la una pieza en cuestión.
















Pues en cuanto a las partes del proyecto argumento que aunque todas las
fracciones son una en si misma, todas las partes por separado son
múltiples experiencias, como llevar todo el método de construcción acabo,
desde bosquejar; modelar el esqueleto en metal, soldar y recubrirlo del
material final, que en este caso es piedra falsa o sea cero fino, polvo de
mármol y cemento blanco; quizá con el tiempo manejare materiales de
descomposición más rápida como basura orgánica o agua congelada, pues en un
principio use piedras ya con liquen y solo las talle por donde no había
este /moho/, ahora, apenas manejo el musgo.

La elección de piedra falsa es intencional, desde el punto de vista que
ayuda a una transformación del material siempre mucho más rápida que en una
piedra, aunque la velocidad de descomposición no me interesa tanto, puede
que algunas piezas que haga duren años o simples segundos como el caso del
agua congelada; sin embargo en este proyecto del gesto de desagrado del
bebedor , quiero que no sea tan rápido y lo pueda bañar de musgo, esperando
conseguir un liquen con el hongo de la humedad que reciben los minerales,
como los del cemento blanco de la pieza en cuestión; para así dar efecto a
esa destrucción trasformadora de la que habla Morín y convertir la pieza en
registro de una escultura procesual.

"En una pieza procesual el objeto de arte, no es el centro de
atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al
proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación,
recopilación, asociación y estampado. El arte procesual está
preocupado con el hacer real; el arte como un rito, ritual y
performance. También a menudo acarrea una motivación inherente,
racional e intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje
creativo o proceso, más que como el producto acabado."
[octubre 2012]



Todo este ensayo para dar a conocer mi punto de vista acerca de el sentido
de la vida, la eterna transformación energética y matérica, ya que las
fuerzas impresas en la obra cambiaran y parecerán desaparecer con el
tiempo, igual que el material que a la vez formara nuevos elementos que
podrán tener algún otro uso; aunque sea solo el formar parte de la tierra y
no uso humano.

En otras palabras, mi campo afectivo se desarrolla en la experiencia con el
material, hay parte ahí en mi proceso semántico para saber cuándo abandonar
una pieza y tomarla como acabada y perfecta.

Recordemos que todo lo anterior está referido a integrar y desintegrar una
escultura de figura humana a través de lo procesual, siendo un semidiós que
crea pero totalmente mortal si no hace trascendencia con sus piezas, un
humano con gracia divina, como se tomaba en el renacimiento la escultura; y
el gran dios tal el eterno creador, la naturaleza, que transforma esta
figura humana.

"La figura humana es quizá la gran constante en la ecuación de la historia
del arte, a veces aparece como solo un factor, otras se repite y su suma
revela el resultado, hoy en día pareciera, que es más bien la incógnita
que tenemos que descifrar"

(ARTEAGA, Agustín. Óp. cit., pág.11)

En realidad, hablando de las piezas no son de carácter formalmente
conceptual, a excepción de los aditamentos para que se transformen, no
obstante eso pasaría naturalmente en un lapso de tiempo más prolongado; es
por esto que son procesuales.

Es sabido que si una obra llega a lograrse como tal, esta habla por sí
misma y que mejor concepto que uno entendido directamente, la argumentación
del cuerpo como analogía a través de su lenguaje kinestesico, emanando las
sensaciones corpóreas necesarias para ser entendido por otro cuerpo, por
necesidades de relación o relaciones , o mejor dicho, por el amplio
lenguaje del cuerpo, no solo como en mi proyecto hablando de tensión
corporal, sino cualquier significado que nos indiquen los movimientos del
cuerpo obvio incluyendo los factores claves, manos, píes y rostro.

Básicamente la idea que origina el proyecto parte de la historia del arte
de la representación humana y de la estética de la misma, su
representamen[10], según Charles Peirce, el significado es la
interpretación del signo o representamen; sin embargo la semiosis o forma
de reconocer los signos, humanos en las piezas, están ligadas a la tragedia
humana, hacia los males y dolores que se viven en la vida misma. Esto para
desarrollar mi sensibilidad y mis capacidades intelectuales a través de la
practica y /o la experiencia de la producción artística, intuyendo a través
de reflexión, la postura teórica o sensible (esto de acuerdo al tipo de
espectador y a sus experiencias con artes plásticas) de un cuerpo humano y
traspasarlo a una escultura.

Incluye el campo teórico, que no es de lenguaje directo o mejor dicho con
un solo significado, si no de los valores que adquiere a través de su
contexto, como lo es mi ciudad; país y lugares en donde la obra pueda
moverse de acuerdo a los valores citados, claro también especulando el
destino de las obras en su acabado ultimo.




La figura humana no solamente tiene una realidad física con su presencia
anatómica y sus movimientos, sino también moral, haciendo una analogía no
es objetiva o universal, sino relativa a las tradiciones; convicciones,
creencias o prácticas de una comunidad humana. Vinculándolo a mi ética
laboral como escultor, necesito saber de la figura tanto de su significado
como su significante, Saussure[11] considera que el significado es el
contenido del significante, es aquello a lo que apunta o refiere el
significante.

El ser humano es comunicativo y se expresa con palabras y actitudes, lo
subraya Leonardo Da Vinci cuando dice que: no hay nada tan importante para
el artista como la adecuación del movimiento a las circunstancias mentales,
como el deseo; la cólera, el dolor. Los movimientos y las actitudes tienen
que estar en correspondencia con los acontecimientos del alma. Como Señala
Da Vinci:

"El carácter tiene que apreciarse en sus actitudes, gestos, la mímica. Una
escultura que quiera representar la tristeza resultará tan noble como otra
en que se exalta la alegría, ya que no es el sentimiento lo que le confiere
valor, sino el modo de expresarlo, la adecuación de las formas al
contenido."

[mayo 2013]

Esto se logra solo a través del proceso de aprendizaje de nuevos materiales
y por consiguiente de nuevas experiencias, al lograr esto, la experiencia
del espectador ante la obra crece, ya que identifica natamente la figura y
el gesto; o socialmente ya que los rasgos culturales pueden ser solo de
sectores, y al mismo tiempo hay experiencias habituales o mejor dicho
globales.

"Cada edad, cada sexo, cada personaje del cuerpo social tiene que acreditar
su circunstancia. No solamente su presencia física, sino también una
revelación de una condición espiritual."

[mayo 2013]

En la parte referencial de mi proyecto se ven envueltas infinidad de
referencias plásticas, podemos empezar desde la era de piedra alrededor del
40 000 A. C., Venus esteatopigias hechas por desconocidos en nombre o
historia, hasta las obras más conceptuales y escultóricas como "masa que
cede" de Gabriel Orozco en 2010; sin embargó mi inclinación parte de la
figura humana y la interpretación no solo propia, sino del espectador al
momento de convivir con una pieza escultórica y en el momento en que
reconoce una figura a través de sus significantes, o también puede solo ver
el significado más inmediato, por su paradigma de interpretación hacia la
obra.

Acerca de la figura humana en la escultura.

Como la historia lo cuenta las primeras esculturas fueron femeninas y con
causas de adoración a la fertilidad:

"Hace unos 27.000 y 32.000 años aparecen representadas unas exuberantes
figuras humanas femeninas de piedra, en una exaltación artística de la
fertilidad; son las «venus paleolíticas», como la Venus de Willendorf y la
Venus de Lespugue."

[mayo 2013]

Estas esculturas tienen como principal valor la representación anatómica de
la figura femenina, de ahí la exaltación de las caderas y de los pechos,
fuera de la fertilidad, el gesto que representa es la atracción sexual; la
cual crea estética a través de sus formas y de las épocas.

Posteriormente la escultura se volvió intencionada hacia el realismo e
interpretaciones fantásticas de las deidades. Del arte púnico y greco
púnico se conservan muchas estatuas, en general femeninas, y bustos de
barro cocido. A pesar de esto la escultura aun estaba envuelta en la
arquitectura.

"En la época de 1400 - la escultura prácticamente quedó desligada de la
arquitectura y los personajes representados mostraban expresiones llenas de
dramatismo, se puede observar en esculturas de Miguel Ángel como, por
ejemplo, el David. Pierre Puget era considerado como el Bernini Francés".

[junio 2011]

Estos dos personajes son notables en trabajos por encargo pero también
hicieron obra de carácter formalmente escultórico, sin pensar en el espacio
que ocuparían en algún recinto arquitectónico.

Así, las piezas escultóricas pueden plantearse desde una posición analítica
de tiempo y espacio y convertir sus significantes en un significado,
siendo un espacio en un tiempo analógico a las partes en un todo, todo
tiempo y todo espacio, hasta quizás en los innatos; son un ser en su
totalidad, como la escultura en un espacio adecuado, pero por otro lado
siempre tendremos al espectador imposible que siendo cualquiera que no sea
el productor, este vera la obra de una manera personal; vera el todo en
partes, que juzgará y hará un constructo de un único apropiado
prácticamente, no dependiendo de su conocimiento de la realidad o del arte,
si no de sus convicciones en encontrar un significado a partir de los
significantes de su obra (ya que deja de ser del espectador); o sea un todo
a partir de las partes escribiendo un texto redondeado.

Es por lo anteriormente dicho que se puede creer que los productores
visuales no pueden hablar de su obra totalmente, ya que se debe pensar en
los públicos a los que queremos llegar y dejar las pistas, ecuaciones o
simples iconos, para que se logren comprensiones diferentes de una misma
pieza o de un mismo estilo de producción; como en este caso en mi interés
de las figuras forzadas por tensión y maltratadas después de ser un
modelado ultimo, cuando eran modelados fueron dañadas y a la vez les seguí
maltratando como piezas, como lo veremos con la chica pescado (ver anexos).


Mario Perniola[12] Defiende que "el significado del arte se encuentra en
la sombra que proyecta, y que escapa a las instituciones artísticas, a la
comunicación de masas, al mercado, a los media..."
[mayo 2013].



Aun pareciendo que es fácil o agotado el tema o recurso de la figura
humana, que puede notarse con el contraste de la producción plástica
contemporánea, es la última frontera para el arte actual, o sea que no
importa mucho saber figuración en la actualidad; es el arte realmente
infinito o de menos demasiado extenso para la comprensión de una sola mente
humana, o aun así la historia de esta, por eso creo que vale la pena aun
este tipo de producción plástica, la escultura y la interpretación de la
figura humana; pienso que entre más realista sea, más causara un
reconocimiento o un reflejo en los espectadores, en palabras de Marín:

"Al tensar o destensar la formas, los volúmenes y los tendones pretendo que
mis piezas triunfen en esa lucha del dialogo y hablen por sí mismas, y al
coordinar los cuerpos parte con parte, trato de que adquieran una voz
propia que comunique algo distinto a cada espectador."



(ARTEAGA, Agustín. Op. cit. pág.7)

La intención de adicionar sustancias como el musgo o cualquier adquisición
de vida (microorganismos y hongos) por medio de la humedad está en proceso,
o hasta el mismo apropiamiento por otros tipos de vida como arañas o un
campo de pulgas u hormigas viviendo dentro de la pieza, ya que son parte de
ella.

La investigación del lenguaje del cuerpo se basa prácticamente en la
creación escultórica de maestros de la figura humana, ya que es la
apreciación de otros escultores la que me entendería y yo entendiera como
correcta, para la sensibilidad escultórica, sin opacar a la interpretación
de la figura humana en cualquier otro medio como la medicina; o ciencias
exactas, enfocarlo directamente a el arte, sabiendo que el cuerpo habla por
sí mismo. No queriendo sonar pretencioso me justifico en palabras de Marcel
Paquet cuando habla del escultor Francisco Zúñiga:

"su mirada se dirige de lo construido, de lo fabricado, a lo vivo, a lo
orgánico- una serpiente provocada por niños o mujeres en cuclillas-, sin
hacer diferencia, sin mostrar por uno u otro registro una simpatía o
antipatía particular. La mirada de Zúñiga se sitúa más allá o más acá de la
diferencia orgánico - inorgánico: va hacia el origen de lo humano- y en ese
sentido, lo humano es privilegiado-, pero el origen de humano no tiene nada
de humano y, en ese sentido lo humano es escuchado, puesto entre paréntesis
o, si se prefiere, atravesado por una dimensión que lo supera, que lo
trasciende."

(PAQUET, Marcel. –Zúñiga, La abstracción sensible México: EL EQUILIBRISTA,
1989)

Como lo haría Zúñiga presentando un grupo escultórico de mujeres indígenas
en un barrio de Nueva York, todo un desafío.

"Dos maravillas, una el asombroso sistema del cuerpo humano, otra, el
imponente edificio de sus significaciones". (VELÁZQUEZ, Héctor. La
escultura contemporánea. México, F.C. E. 2000.)






PARTE I

LA ESCULTURA PROCESUAL COMO EL CAOS
Como se menciona en la introducción, la escultura de la figura humana es un
lenguaje que se desenvuelve en el entendimiento o desconcertamiento del
espectador, creando así un metalenguaje[13] en donde todas las lecturas son
correctas, fuera de la del productor. Es por eso que se planeo la labor de
acelerar la vida de las piezas (esculturas de figuras humanas) ó de señalar
su proceso de adquisición de vida (musgo, liquen, pequeñas plantas) que
desgastaran el material, como son: el hormigón y la piedra volcánica. Todo
lo dicho es también con el fin de acentuar y conjugar la sinestesia[14] de
las piezas (que son de posturas tensas), con la metáfora de vida y muerte
sobre la figura humana y así mismo de la escultura como una obra que deba
perdurar, convirtiéndola en efímera[15] no desde su producción, sino del
aspecto no pulcro, en el sentido de conservación de la obra. En piedra
volcánica tipo xaltocan la cual fue cubierta con musgo, que se está
regando, en un lugar sombreado y húmedo, ya que es una investigación
compartida con la botánica; como proceso de deconstrucción del caos, que
realmente es reconstrucción o recobro hacía las vidas ajenas, el musgo
sobre la no vida, que es la materia roca; es entonces que causa un desgaste
volviendo a su origen ésta pieza como escribe el periódico EL CULTURAL
acerca de Simon Starling ,Galería Casey Kaplan, Nueva York (EE.UU.). Del 29
de octubre al 19 de diciembre.

"Es una barca que avanza con un sistema de vapor. El artista va alimentando
la caldera de vapor con la madera de la propia barca hasta que esta se
agota y acaba por hundirse. Sus destartalados restos yacen hoy en el fondo
del lago. De un lago a otro, la barca es devuelta a la vida para más tarde
ser de, con el eterno caos existencial de la escultura. Vuelve devuelta a
la muerte."

[Noviembre
2012]



La obra se pierde en el tiempo, es a lo que nos referimos con el arte
procesual.

¿Es la escultura procesual un caos? - ¡Claro! como espectador, pero el
productor no se salva de esto.

En el instante en que el espectador mira un objeto de contemplación, ya sea
este una simple roca, un gran modelado vaciado en bronce, ó una arcilla con
una buena forma; este siente intriga acerca de su forma y encuentra o busca
errores o aciertos en la pieza, para así asegurarse de su reconocimiento
hacía el objeto. El caos se genera en la contemplación de entendimiento, en
la contemplación de desasosiego de la figura, o en el simple desconcierto
hacia la obra como trabajo terminado o no, desde este punto de vista el
trabajo artístico nunca se acaba para el espectador, menos si se está
instruido artísticamente; es por eso que solo el productor da por hecho la
finalidad y terminación de la obra. En este documento se propone dar
finalidad a la obra en cuanto a la kinestesia de la figura humana y al
musgo que la pieza adopte, pero no se dará proposición de terminación en
cuanto a lo efímero de la pieza, ya que esto lo determinaran los procesos
de "simbiosis parasitaria" a los que serán sometidas mis faenas.

En primer lugar hemos dado una capa de un licuado, para causar musgo en una
obra de cemento y otra de piedra, devenientes de obras en piedra en donde
se aprovecho el liquen como decoración y concepto de la pieza.

"Los líquenes son organismos excepcionalmente resistentes a las condiciones
ambientales adversas y capaces, por tanto, de colonizar muy diversos
ecosistemas. La protección frente a la desecación y la radiación solar que
aporta el hongo y la capacidad de fotosíntesis del alga confieren al
simbionte, características únicas dentro de los seres vivos."

[Octubre 2012]

Es por lo anteriormente dicho, por lo que se empieza por adquirir el musgo
y conferir por causalidad a través de humedad y alimentación al hongo, para
resultar en simbiosis. Digo casualidad ya que no soy botánico ni tengo los
medios totalmente adecuados para el experimento total, empero haremos la
mejor situación posible.

Hemos llegado al caos, la vida sobre la vida, teniendo como vida al trabajo
escultórico de figura humana, impresionista escultórica, que en palabras de
Sebastián Manuel Navarro Betancor:

"Así nombrare a los escultores modernos, que a partir de ahora voy a llamar
"impresionistas" pues tienen en común con los pintores además del
paralelismo temporal, la capacidad y la intención de expresar no forzando
los cuerpos, sino observando y "congelando" un instante que quedaba en la
memoria del escultor y en torno al cual buscaban la máxima expresión."

(NAVARRO B. Sebastián Manuel. EL RETRATO ESCULTÓRICO. Trabajo de
Investigación adscrito al programa de doctorado "Escenarios abiertos: Lo
multicultural en el arte y la arquitectura." Departamento de Arte Ciudad y
Territorio de la U.L.P.G.C. Curso 2006-2007.

[15/05/13]

… Así es como considero la escultura expresionista, y sobre de ella el
producto de "ingeniería minimalista[16] de jardinería" (proponiendo el
concepto) que se le está adecuando, ¿funcionara esto o no?, llegando a ver
piezas de otras personas concluyo que será posible o quizás no. En buena
frecuencia escribo este ensayo para determinar un proceso de investigación,
diere o no resultado este intento de trascender la obra (no en la obra)
dándole más visiones o puntos de vista, con la adecuación al cambio
estético deveniente de el proceso sugerido para cada pieza, ya que hay
trabajo con alambre y varilla, el cual denota oxido; también de madera en
el cual se avista putrefacción, dando tanto aspecto cambiante a la obra
escultórica como reliquia, ya fuese exterior o interior, sin dar a esta un
aspecto coloreado; dependiendo el hongo o tipo de sustrato administrado a
la pieza , sin mencionar las casualidades a las que se exponga a través de
sus causalidades. El parecer de estas piezas asemejara al de obras de
iglesia o de cementerio, ya que es donde hay obras exteriores para
contemplación y desgaste.

Esta fluctuación de vida es la que interesa en el proyecto, ya que de no
dar resultado, tendría que transportarlas a lugares inhóspitos en donde se
lleve a cabo la vida aludida, o enterrarlas para que se note desgaste como
la parte procesual[17]. De nuevo al caos, ya que el proceso debe de ser
exitoso.

Detonando el todo, debemos saber que formamos parte de este mundo y del
infinito o impertinente universo, el choque de nuestras ideas con nuestra
conciencia se hace simple y simplificamos la de los demás, asimismo a las
obras de arte tanto fuera como dentro del museo, de menos en teoría;
prefiero las piezas expuestas fuera con esta destrucción que le da una
finitud a la pieza, en palabras de Morin:

"La física occidental no solo ha desencadenado el universo, sino que lo ha
desolado. Ya no hay genios ni espíritus, ni almas, ni alma, ni dioses; hay
un Dios, en rigor, pero en otra parte, ya no hay seres, ni existencias,
exceptuando los seres vivos que habitan en ciertamente en el universo
físico, pero que proceden de otra esfera"

(MORIN E. Op. cit. págs. 411, 412)

La cita me remite a las esculturas que al pertenecer al campo físico,
interactúan en la sociedad y en la vida que interactuamos de una manera
breve al igual que las piezas, aunque su material las haga perdurar más.

Mencionemos que hay una idea arbitraria en mi producción, tomando este
comentario como una crítica al arte, el arte debe estar en la calle, no
tiene nada de erudito; ni la música, de menos no tiene más ni menos que el
arte político o militar, ni de los quehaceres de cualquier persona que viva
pensando en la realidad y así trabaje, tampoco se habla de land art[18] ni
de street art o arte callejero; sin embargo en este caso el hecho es
trabajar con la naturaleza y los rasgos que deja, no buscando sus secretos,
si no los rastros que deje sobre la pieza como acto ornamental, aclaro no
pensando a la escultura como algo decorativo[19]; sino solo detonando el
material natura sobre la pieza que evoca otras cuestiones de la analogía y
metáfora entre vida y muerte. Citando otra de las piezas, " la chica
pescado" tiene cualidades de ser menos objetiva al mundo físico, ya que es
muy notable el error en el proceso, que fue vaciarla con material echado a
perder como es el cemento al humedecerse, así mismo tiene una mezcla de
yeso por lo que solo se nota el torso, mitad de una pierna y de un brazo,
es una pieza con un alma putrefacta, no cree en la vida haciéndole una
metáfora y acentuándola en el error del proceso de la pieza; lo que hace
dejarme caer al mundo procesual y saber que nada se acaba realmente, así lo
interpreto en la escultura, vivir y morir es parte la physis y no se debe
de entender ni en la vida ni en la escultura como un fin total, si no solo
una nueva masa acomplejada con la que uno tenga que trabajar; como si un
niño gigante jugara con plastilina quizá.


1.1. LA NATURALEZA DEL CAOS Y LA ORGANIZACIÓN

El caos[20] es un proceso de la vida, por lo tanto lo llamamos natural, el
cual hace parecer todo un desorden, sin embargo todo este desorden es
metafórico; ya que es una forma integrada pero no entendida como organismo
y organización, ya que son organismos más pequeños, así como
microorganismos, que siempre están funcionando y no dejan de lado un fin
metabólico, y a la vez un sustrato de vida. Cuando hablamos de vida,
hablamos de una vida mayor, un organismo reconocible como una planta o
zonas de hongos microscópicos, el cual integrado a una pieza escultórica
sea considerablemente notable.

Debemos tener en cuenta que el caos visto desde la obra es la adaptación de
la vida, o su muerte por inadaptación climática, dependiendo el lugar en
donde se ubicase la pieza, en este sentido el caos se está creando o
provocando; pero la organización es cuestión del azaroso y consecutivo
génesis de la vida. El principio de la vida orgánica lo situaremos como
algo exponencial, con un orden ascendente, ya que hayamos recursos lógicos
en donde la vida se apropia de los espacios, o cosas creadas; dicho de otro
modo, la tierra se apropia del mundo y no al revés, visto como un proceso
de pequeña o gran escala, así como en una piedra o una escultura, en un
gran puente o un gran edificio, la naturaleza se apropia del espacio, bueno
esto lo veremos en el subcapítulo final.

Pongamos en el caos referido la escultura de los prehispánicos, de los
griegos y de todas las culturas más antiguas, ya que todas han mutado, al
igual que mencionamos de las pinturas al oxidar su color, así los templos
mayas y sus esculturas al igual que los demás sitios mesoamericanos se
contaminan; digámoslo así, de naturaleza, ya que se tiene pensado una
perseverancia del material, como que la pintura no se opaque y los colores
siempre reluzcan; pero al ser materiales provenientes de la naturaleza
estos desisten y vuelven a su origen.

Aclaremos que la escultura es una rama muy vieja de las bellas artes, se
configuro para hacer reproducciones y no tener sentimientos o reacciones
humanas como lo es en las ciencias de nuestros tiempos, hasta que se le
denomino arte. Los científicos, que no seden ante nuestra humanidad ni
ante la fractalidad[21] de la vida en general, creen crear o sea inventar,
cuando todo es un devenir reproductivo al cual no se puede desobedecer por
que así a tocado ser; ya sea en persona o en cosa u otro objeto inanimado
para la ciencia, no solo hablando de un perro o una planta, si no de un
objeto roca manipulado por un humano, refirámosle escultor; el cual señala
su idiosincrasia para con la vida y las ganas de crear, no como un
principio robótico, si no como un registro que la naturaleza hace de lo que
pretende organizar. Dándole elocuencia con la vida desde aspectos micro
orgánicos, repitamos musgo, ya que es una especie totalmente adaptable;
aunque este siempre en caos ya que es considerado en occidente, a
diferencia de oriente, como una plaga en cuestión de jardinería,
refiriéndonos a la jardinería minimal que ya mencionamos; el muscínea se
puede adaptar a estas piezas en consecuencia de la naturaleza de su caos
,moss grafiti, disculpando el anglosajónismo, y de su fertilidad como un
micro ecosistema en donde es factible su vida en; consecuencia de la
humedad que se presenta en cualquier jardín, o espacio boscoso en donde las
pieza florezca como algo natural.

Nombraremos otra pieza de la cual no partí, sin embargo pretendo llegar a
este fin que realizo el artista Simon Starling en el Jardín Botánico
Culiacán, que consistió en reinterpretar a "Mujer acostada (Reclining
Woman, 1930)" de Henry Moore, escultura inspirada por el contacto que Moore
tuvo con la cultura prehispánica -principalmente Maya y Tolteca- a finales
de los años veinte durante su estancia en París. La pieza de Starling, 
Mossed Moore 2009-11 es una talla en piedra originaria de Xaltocan,
Tlaxcala, que está completamente cubierta por musgo crecido en este jardín.


"Este gesto aparentemente natural invierte la apropiación modernista de
Moore devolviendo a la "mujer acostada" a sus raíces culturales. La obra
evoca la inminente marcha de la naturaleza sobre las construcciones
precolombinas que se encuentran abandonadas en distintos lugares de
Mesoamérica, a la vez que la vincula de forma directa al paisaje del
jardín."
[Noviembre 2012]



Volviendo a la naturaleza del caos ahora me enfocare en el concepto de
organización, del cual podemos devenir en reorganización y retro venir en
creación, retrovenir del presente al pasado. La organización es un
conocimiento que parte de la creación, se unifican varios organismos a
través de un concepto, o en el caso de la vida de un sujeto.

La organización no tiene principio ni fin, ya que es una constante
progresiva de desunificación y de reorganización constante, o sea que toda
organización realmente es una re-organización, ya que deviene de nuevas
organizaciones putrefactas de vida; listas para ser moldeadas por la
naturaleza, listas para ser reorganizadas u organizadas para otro fin
elocuente en los principios de la vida, los cuales desconocemos al igual
que sus fines.

Es probable que el artista mencionado, Starling, conozca este consecuente
de la vida en la obra, o que simplemente lo evoque en sus piezas y en su
producción informándonos de más de lo que este efectúa; no solo en su
reminiscencia hacia lo prehispánico actual, si no a la apreciación estética
de la escultura en este estado, ya que permite otro lenguaje en donde
intervendrían ciencias como la biología, la física y la sociología, etc.;
ya que todas aplauden el arte en mayor o menor constancia.

Como este proyecto de tesis habla de un concepto, haremos zoom a la "vida
sobre la vida", a lo que refleja la organización de vida sobre la pieza,
haciendo analogía con la vida procesual de la pieza; en palabras de creador
plástico, y la vida re-organanizativa , a la vez provocadora de nuevo del
caos en la pieza, ya que no queremos mostrar una pieza que se tenga que
pintar y repintar, que barnizar y barnizar; sino simplemente que se tenga
que regar por la época natural de verano, así coqueteara en el lugar. Al
mismo tiempo causar tetricidad quizás en época de invierno.

La vida en general es por su naturaleza caos, un desesperante ámbito de
pensamiento de ciclos en donde no se adquiere más que jergas jerárquicas de
ser materia o energía, con cierto potencial de algún material causa más
estatus o menos, como es el cemento en comparación al oro en una escultura
de vaciado; sin embargo este desecho material no nos da acceso al plano de
experiencias de la vida real, no es de ser un sueño o una escultura, si no
un ser vivo que con su imaginación crea objetos de contemplación, como
siempre lo ha hecho prudentemente la escultura; yo lo hago en un plano mas
especifico, ensalzando el medio de destrucción de ésta, como icono estético
de un consumo especifico de jardinería, en donde la obra se degrada o
simplemente adquiere otros significantes de acuerdo al proceso de
desintegración que se le dé; como encontrar una pieza escultórica enterrada
y llena de capa vegetal. El mantenimiento de jardinería no tendría más
costo que el de no podar, por lo que resultaría practico como parte del
caos, darle una niñera, por así decirlo, al cuidado de la pieza en
cuestión, la cual solo requiere humedecerla; como en cualquier lugar del
jardín que no se le ponga atención y ahí estar la obra, lo mismo si se
dejan las actividades a merced de la intemperie del clima, esta actuara a
favor de adoptar la pieza como pate de la natura del paisaje, como una roca
mas.

Para organizar estas piezas hemos tomado en cuenta que son de origen
mineral, como el cemento o la piedra volcánica, ya que estos compuestos son
como la base de nuestro planeta en donde surge la vida, la organización
escultura la hemos tomado solo como índice o huella de donde tendremos que
poner los "licuados de vida", ya sabiendo que efecto queremos, como el
efecto de musgo o de hongo a través de harina de trigo o de maíz. Siguiendo
con la analogía de la tierra el licuado de harinas o en el caso del musgo
deveniente de humedad, sirve a la tierra, como sirve en su estado
masificado. La constante que se debe adquirir en este caso, es el agua, ser
quien riega, como si fuese una maseta escultura o escultura-maseta; ya que
su disfraz es orgánico y por lo tanto esta organizado, necesita agua y
cierto clima.

Esta organización adecua elementos básicos como es la tierra, el agua, la
luz y el bióxido de carbono que mantiene a la especie botánica, la
organización se adquiere con el concepto de regeneración de vida; en la
acción trasformadora, "Es un universo reanimado, en movimiento, en acción,
en trasformación, en devenir." (Morin, Edgar. Op. cit. pág. 414.)

Todo es una eterna conclusión de desorganización, caos, y reorganización,
vida, elocuencia, un aspecto fructífero de la escultura; una pieza que no
habla solo de su creación, sino de la consecuente creación en su deterioro,
en el simulacro[22] de muerte ya que es un sujeto, empero; la figuración
del productor plástico le da un aire de deleite y de gozo que no se puede
dejar de percibir, es por esto que nos refugiamos en este escrito en la
forma gestual de la escultura, claro no tan pulcra como la de un
hiperrealista, sino solo dejando la imagen a cuestión de tensión corporal
básica, como los ejemples mencionados de cinestesia; así la escultura
hablara de su parte física y de su parte espiritual que es el comienzo de
regreso a su estado natural.

En primera instancia es el encuentro con la piedras para labrar en su medio
ambiente, en donde solo se les puede ver como entes y no como objetos, como
cosas, ya que en su forma natural y fractal evocan al mismo tiempo vida;
como narra Miguel Ángel el renacentista al decir que "la figura esta dentro
de la materia, del materia, del mármol"[23], lo único que uno debe de hacer
como intérprete de estos índices de vida es develar, descubrir las partes
no descubiertas, lo oculto en la interpretación del material; de donde
regularmente parte la idea , en este caso de donde se realiza la analogía
de la vida de la pieza como creación humana y su vida como organismo
mineral, no concebido como tal en la ciencias actuales.

Toda la organización de la que se habla también es finita, no hay
consecuencia, después de estar instando a la obra para que esta sea del
modo que se le requiere, ya que al no ser de esta manera se le despojara de
un lugar de mantenimiento hacia la naturaleza del planeta, que le acogerá
creando en el vida que se puede interpretar como un signo de evolución en
el sentido de mejoramiento estético de la pieza; del requerido con musgo,
aclarando.

Hablando de lo dotado del universo, la masa de caos en cuestión de vida,
que nos deja aportar como vidas mínimas y partes de él, es solo
destrucción; degradación hacia las piezas escultóricas y hacia cualquier
realidad que se considere como realidad, ya que no lo es por la cualidad
interpretativa del finito del universo, en donde se tiene que pensar en
crear al mismo tiempo de destruir, en donde la fuerza mayor ya sea dios u
otro ente de vida es finita también; es por eso que muta para tener
propiedad para seguir existiendo, reorganizándose hacia nuevos conceptos de
entendimiento sobre lo que acontece durante su estancia, ya sea como vida u
objeto de arte, con cierto significado y miles de interpretaciones a causa
de su historial de muerte o de vida en algunos casos.



1.2. EL ERROR, INEXACTITUD Y DESORGANIZACIÓN. EL SOUVENIR ORGANIZATIVO

El error del que se habla en este ensayo está enfocado en la creación de la
pieza, en donde hay inexactitud con respecto a la maqueta o hacia los
dibujos y en este caso también a la fractalidad[24] de la "naturaleza", o
sea la experiencia que cause el efecto de la parte con vida que le sea
agregada, como enredaderas (ver anexos); ya que estos comportamientos en el
crecimiento de las especies que utilizare, marcaran la pieza como tatuajes
a través de su crecimiento y muerte.

La inexactitud es al mismo tiempo algo provocado, ya que el estilo que se
presenta es impresionista y no realista[25] y ayuda a concebir las piezas
de otra manera, en este sentido (la otra manera) veo que las piezas al no
ser terminadas o no ser adecuadas para su exposición, de menos desde mi
gusto; les integro elementos, así como alguna vez les puse bolsas de
plástico en el rostro a algunas piezas de figura femenina por no haberme
gustado el acabado, ahora pienso en darles éste sector de vida y así tomar
el error como solo una desorganización en donde hay elementos fuera de la
pieza, que uno como productor les puede integrar; claro está que este
método se puede realizar sin tener a las obras pensadas con errores o
inexactitudes, si no prever para proveer el hecho, o simplemente
intervenirles con alguno de los elementos de vida mencionados para crear
errores que se adaptaran a la pieza en cualquier tiempo.

Por otro lado, los errores que en algún momento se pueden tomar como
suvenires, son los ocasionados también en paseos de la pieza, en sus
trasportaciones a lugares de exhibición; que en este tema han sido la
calle, y las obras están almacenadas por el momento para su intervención de
capa vegetal, para poderlas ajustar para exposiciones en lugares cerrados
como galerías o jardines sombreados y húmedos, como los de estilo oriental;
en donde es muy apreciado el musgo.

Concretamente hablando de desorganización, veamos los elementos con los que
contamos para darle la lectura de no organización, no vida, materia en
reposo; y teniendo estos elementos desorganizados, que la propia naturaleza
vuelve a dar vida , nosotros como vida podemos dotarle de elementos, que le
camuflasen con una estructura viva; como ejemplificación tengamos un
vaciado en cemento gris y uno en yeso blanco, notemos su textura y
sensación opaca del primero y el brillo y lo liso del segundo,
comparándolos con el barro más aun en estado de humedad no se compara la
sensación visual en lo mínimo, además del color del barro en varios tonos
del piel, el efecto de humedad le da una cualidad como la grasa y humedad
de la piel.

Este efecto de naturalidad es el que se trata de accionar en el proyecto
dicho, con hongo y musgo, entendamos que no es un producto fallido jamás,
ya que aunque el proyecto aborte ciertas veces quedara registro de este
como el tatuaje del que hablamos, marcas que se quedan en la pieza gracias
a la intervención de otra vida; la de la planta, además de la vida que le
da el productor.

Lo interesante radica en que son piezas con una integración al orden
natural deveniente de lo recursivo en la naturaleza, pareciera en la pieza
escarificación por el precepto fractal, también es importante señalar que
esta desorganización que en este sub apartado llamamos error, conviene
totalmente con el proceso de suvenir organizativo; lo que nos llevamos de
este objeto de arte, una escultura, con registros de procesos y de cambios
en su ser, como un ente.

Es la aparición del registro la que nos lleva a considerar la pieza como un
soporte en donde ocurren cambios, y hablando de cambios, hablamos de
movimiento, al hablar de movimiento hablamos de mecánica; al hablar de
mecánica hablamos de dinámica y así recurrimos a la physis y a esta
interpretación de una "simbiosis estética", donde la vida cobra su terreno,
que es cualquier lugar en donde estén dadas las condiciones para que esta
someta a la pieza a un nuevo mirar.

Todo desorden es generador de nuevas conceptualizaciones, en letras de
Morin,

"El desorden es inhibido y virtualizado en los sistemas no activos; no se
actualiza más que para corromperlos y destruirlos. Por el contrario, el
desorden está presente, virulento, en los organismos activos: es
potencialmente destructor pero, al mismo tiempo, es tolerado hasta cierto
grado…"

(Morin, E. Op. cit. pág. 250)



Como se lee es tan representativo a la alusión de intervención, que resume
la acción que causara el tiempo a las piezas señaladas. Sin embargo el
registro es lo que nos hablara de la transformación de las piezas y de sus
diferentes interpretaciones.

La "simbiosis estética" le mencionaremos a la naturaleza agregada a la
escultura ya que es este concepto del que partimos, se soluciona el
concepto estético, hablando de categorías estéticas de Kant[26], al ser de
origen natural o fractal como ya hemos mencionado, así mismo se convierte
en objeto de suvenir ya que es decoración natura, como cualquier rama o
piedra que le guste a cada cual y le use para su jardín o para usarle de
alguna otra manera. Sin embargo mi interés es sobre el concepto de suvenir
organizativo, el cual encierra un factor dinámico, en donde el error que
hemos mencionado se convierte en un atributo coloquial, "lo que no se
oculta se hace más visible". Es entonces que se convierte en un concepto
organizativo, algo, la natura, que le da una forma extra a la escultura ya
realizada o le roba espacios convirtiéndola en una nueva organización; ya
sea por la irreversibilidad de sus componentes biológicos agregados o por
la fractalidad de su construcción, ya que mencionamos que son de carácter
impresionista, que asemeja o recuerda el fractal de la naturaleza, además
de la expresión de la figura humana en el modelado o labrado.

En todo momento de su transformación, estamos hablando de su sentido
materico y de destrucción de la pieza a través del tiempo, si el oxido
corroe la varilla como ejemplo: la pieza mostrada en imágenes de persona
embriagada, estará bien, ya que es parte del proceso "procesual", valga la
redundancia; en donde la figura tenga que cambiar de forma, o desaparecer
por su utilidad en diferentes concepciones estéticas, por parte de su vida
y sus cambios, utilizando el principio de vida sobre la vida. Al mismo
tiempo, ésta oxidación de la varilla se convierte también en el suvenir
organizativo, del que ya se escribió anteriormente en este sub apartado, y
siendo varias cosas la pieza recordemos que todo este proceso es para
unificar eso que se podría ver por separado, la capa vegetal y la
escultura.





1.3. LO COTIDIANO SE VUELVE EFIMERO

Lo cotidiano es algo que se nos puede representar en todo momento, algo que
nos harta, nos excluye de nuestro ser y nos hace pensar en ello, lo
cotidiano desaparece a cada instante; cada que queremos hacer un agregado a
la historia, lo cotidiano se debe transformar y tener un punto de vista más
complejo, en relación a lo ya digerido que se hace repetitivamente
habitual. Lo cotidiano es efímero en cuestión de lo que consecuente se
llega a ignorar, gracias a su cualidad remota nos transmite una pereza
mental, como lo es la escultura para la mayoría de la gente que en efecto
le ve, es algo imprudente; refinado desde el principio de la humanidad,
habiendo mas estrategias y teorías humanas de complejos estéticos
históricos, eh aquí el problema, ese error; de esta forma de concebir la
escultura de la figura humana como algo estático, y sin impotencia de
concebirlo como algo cotidiano y a la vez reproductor de nuevas
concepciones, o ideas de la obra, no será tan pasajero; renovando este tipo
de arte, a través y desde mi punto estético, de un arte muerto y a la vez
con vida, sublimando el musgo; encerrando la pieza en el sector cultural
social global.

Si este tipo de arte se vuelve efímero es en donde yo debo de expresar mi
inestabilidad hacia este hecho y hacia la concepción de acciones parecidas
como es la escolástica[27], o mejor dicho la academia de la escultura, en
este tiempo en donde México está siendo invadido por arte estadounidense,
se instalara con musgo la pieza y se sacrificara la obra en nombre del
arte, en una sensación de efimeridad causada por el cotidiano que causa ya
este hecho; así expresar la inconclusión permanente como pieza de
apreciación, no importando la apreciación o no del autor, si no simplemente
la adecuación que uno tenga del lugar o de la sensación que se le dé al
producto, deveniente del tiempo y de lo que cause en la piedra objeto; o
material sujeto al objetivo de la escultura, cabe mencionar que en la
producción de las piezas no se pretende evocar a las culturas
prehispánicas, como en el tipo de escultura insinuada de Starling, en el
Jardín Botánico Culiacán; sino mas bien adecuar el concepto de escultura
apropiada por la naturaleza (que veremos más adelante), en donde la
emotividad que se le extrae a la pieza es mas interna, mas coloquial, como
lo es el legado; " esto me evoca a ello" o "ello me evoca a esto", o "ello
me evoca a eso" , o " eso me evoca a aquello", y con una variedad muy rica
de significados y significantes que van sin pretensión dinámica de la obra;
como seria el arte conceptual[28] o revolucionario, o arte por el arte.
Sino solamente "arte botánico", tratando este término en el escrito como
adecuación de vida a la pieza, para darle emotividad estética fuera de la
figura y a la vez dentro de esta, pero la natural; la figura fractal,
evitando el término Fibonacci[29], el cual lleve a las personas a entender
más de las formas; monos, objetos, cosas, esculturas que se producen por
gente, como esté el que escribe; para tratar de entender el mundo como
mejor, en cuestión estética, en donde las cosas bonitas o no, dependiendo
el concepto ético y estético del fractal y a lo que este remita; a cada
cual le informe algo que quisiera poder entender.

Pretendiendo saber por la eminencia del estatus kinestesico, de que se
habla en la introducción, la categoría de lo tenso, de lo sensorial; de lo
perceptible en las personas y a lo que me ha llevado la escultura, a hablar
de esas imágenes, en momento en donde hay actitudes delatadoras, ya sea
como la chica pescado; que más que el modelado (checar anexos), habla de
ella el vaciado como intervención estética, empero el musgo que se le trata
y la oxidación de las varillas que causan otros complejos estéticos, o
sensaciones de estabilidad, o inestabilidad de interacción con la pieza;
eso habla de tener un dialogo o solo un vistazo, ¿ entiendo que es el arte
o no?, ¿Existe el arte o no?, ¿qué es el arte? ; Quizá se puede mencionar
entre estas letras, o inferir como si fuese un códice del significado y del
significante arte. Preferimos no acercarnos a eso y abrir la pregunta ante
el lector en cuanto a la analogía de la pieza. ¿Es una maseta o es una
escultura, es una piedra o un tronco, quizás es, quien sabe?, algo
simplemente mezclado, de esto trata la mixtura, de configurar el tipo de
escultura de la que estamos hablando, y haciendo por entenderle.

En este momento podemos citar al MUSA de Cancún, México; en donde el
artista Jason de Caires ha estado al mando para él hecho de un proyecto muy
ambicioso para crear piezas en hormigón creando arrecifes artificiales en
donde la vida marina puede subsistir, como algunos corales que han
perforado las piezas con sus raíces, creando así el mismo complejo que le
doy a la escultura en este ensayo; el sitúo de vida, pieza que da existir a
un ser mitad creación humana y mitad creación natura, la escultura de la
vida sobre la vida, más no vida; explicados estos conceptos:

Una escultura con vida real, con formula en vida+ vida+ no vida. La
primera vida en este caso es la forma que la escultura tiene de figura
humana, causada por el escultor con ese efecto de vida sobre una cosa
inanimada, gracias a la formación de una imagen reconocible para cualquier
espectador humano, la segunda vida es la creación del artista; el rio de la
mente, lo que en este caso es el musgo y el intento de por liquen que se
tiene, lo trascendental en la pieza, en cuestión solo de obra con vida
finita.

La no vida, sería el agregado de la vulgaridad de la gente para no percibir
vida en una piedra y considerarle objeto inerte, o también en caso de
pensar que la no vida es la producción del artista, es vano; ya que este
proceso le da vida, como elocuencia las palabras a los poemas. En este caso
la no vida es el perecedles de las obras, por lo que ellas luchan con
motivos alternos, como la vida agregada para que estas sean generativas de
vida intrínsecamente sobre la escultura; y así seguir siendo piezas de
apreciación antes de volverse polvo, es éste sentido de la pieza y esta
imagen que se crea de ella, la que me hace seguir produciendo en efectúo de
ver piezas en este estado, así como el artista de Cancún del museo
subacuático, Jason de Caires Taylor; esto se puede llevar a cabo en parques
con humedad como los boscosos del Estado de México, aun así pantanosos, de
hecho hasta desérticos, claro cada concepto implica su debido tiempo; ya
que la vida surge en tiempos cortos o muy prolongados dependiendo el lugar
en donde esta sea considerada, y hay que tener paciencia para entenderle.

Podemos considerar que lo cotidiano se vuelve efímero en cuanto a que todo
es transitorio, pero en el caso de las cosas que están en expectativa, al
no funcionar son pasajeras también y se adecuan a este medio del desecho y
de la no vida, efímero; el sentido metafórico de las obras se quedan sin
espectador, envueltas en el sentido obvio y cotidiano, o mejor dicho, son
comunes y se agota su estética; se vuelven solubles a cambio y son
desechables, es entonces cuando la natura juega el papel de la destrucción
y de su belleza estética en esta, esa terrosidad amorosa con la pieza que
no deja caer al productor, sino que le inventa una nueva historia, una
conformación de vida en torno a su medio; para que esta al mismo tiempo
deje exhibirse. Esto implica su camuflaje con el medio y a la vez no, por
la vida que en las piezas estuviesen formadas o por la teoría de
conocimiento que tenga el ser que les vea.

Para terminar este sub apartado, no me resisto a comentar que la vida de
una pieza es tan cualitativa a la vida de un ser humano, ya que esta
deviene en reorganización como la pieza que se muestra, la que se percibe
y al mismo tiempo de la que se pretende mostrar; y volveremos a la formula
de la vida+ vida + no vida., por eso dejamos este apartado sin más
palabras, para que el lector también aprecie las imágenes que hablan más de
la obra, que ésta del escrito, en la parte de anexos.


1.3.1 Pasajero
Consideraremos el termino pasajero, a él pasajero que representa el musgo,
o el liquen de las piezas nombradas en "la vida sobre la vida + no vida"
(ver anexos), proyecto del que entre otros deviene este concepto de ensay;
ya que esta capa de vida es transportada durante algún tiempo en la pieza
que se trata de desorganizar y dar muerte metafóricamente, a través de los
rasgos que quedaron en las piezas; sin embargo mientras duran entre las
piezas los hongos y musgos son simbiosis al principio, ya que adecuan la
pieza con una estética atractiva y vitalista , pero cuando la pieza es
abandonada por la vida del simbionte, pareciera que el registro fuera la
enfermedad de la pieza; como el tatuaje que se formase, o la mancha de
oxido, o quizá hasta que se abran nuevos poros por efecto del agua, sin
embargo en la pieza siempre hubo vida sea del material del que sea; ya que
se organizan eternamente simbiosis matericas en las piezas,
transformándolas o destruyéndolas y al mismo tiempo las dos cosas se
reunirán en algún momento con mezclas químicas, físicas, biológicas; o al
contrario, se desmigajara en esta emulsión. Causando una transformación y
reutilización de los materiales, hablando con términos que nos refieren a
los primeros mencionados y más adecuados con la vida sin intervención
humana, aunque tengamos los humanos la posibilidad de morfar la pieza.
























PARTE 2

DESORGANIZACION Y REORDENAMIENTO
El estado natural de las cosas pareciera tener una organización azarosa y
es por ello que la podemos entender como desorganizada, entonces actuamos
con la materia para crear cosas, o sea que hacemos un reordenamiento de
materia desorganizada que primero fuera otro ordenamiento, no reconocido y
en consecuencia manipulado por el hombre para crear nuevos objetos u
organizaciones que sean entendibles como materia; como lo ha mostrado la
humanidad con la creación de la tecnología computacional, en donde se parte
de una atmosfera de información en un estado no acomodado, una parte lógica
y una física además de la conceptual, y al darle una organización empieza a
tener un uso más frecuente, convirtiéndolo en un sistema y en ese conjunto
de sistemas aparecen las diferentes herramientas y programas que comúnmente
usamos de la tecnología computacional.

La desorganización siempre debe preceder a la organización, o mejor
mencionado reordenamiento, ya que todas las cosas del planeta y del mundo
fueron antes otra cosa o simplemente estuvieron en otro estado materico,
puede ser que en este estado actual materico sea el único entendible en
el complejo de la vida real, su estado desordenado; sin embargo este
complejo de realidad puede existir solamente con la convivencia entre los
dos conceptos, desorganización y reordenamiento, teniendo a la
desorganización como un estado físico sin lógica, como una masa de barro
para modelar en donde por medio de nuestra lógica le damos un sentido a su
forma; cuerpo reconocible de las cosas del mundo y del planeta, como una
figura humana, y le agregamos un concepto, claro que el orden citado no es
una regla. Se puede organizar desde distintos parámetros y en consecuencia
al desarrollo de la idea de cada persona o ente como lo sería el musgo que
causalmente crece en alguna escultura.

El reordenamiento tiene cualidades universales y eternas, como lo dicta la
ciencia, que ni la materia ni la energía se crean ni se destruyen, solo se
transforman. La naturaleza trasforma las cosas tomando un orden como
componente, para que le comprendamos y así poderla utilizar como
herramienta de expresión estudiando la materia que se trasmite a los
conocimiento y a teorías, ideologías o conceptos que transforman la materia
o las cosas en objetos, objetos de contemplación; de fetiche o de un bien
comercial.

Tratando de ser objetivos, el tipo de piezas de las que se habla en este
ensayo son parte de una muestra que mezcla la naturaleza y la escultura,
haciendo una analogía entre la desorganización y el reordenamiento, a este
nos referiremos cuando hablamos de enredaderas, hongos, musgo y liquen. La
escultura, en este caso juega el papel del lugar donde se desarrolla el
orden, ya que es sobre estas piezas donde se desarrolla el concepto de vida
botánica, que es la característica esencial sobre la vida de la pieza; la
cual crece con su ordenanza en la escultura; en materiales como cemento,
yeso, piedra y resina.

El orden y el desorden se dan en las cosas[30], en los objetos al ser
hechos por seres humanos ente otros seres vivos, se les acumula un rango
más al estar ya ordenados, con el tiempo o con las fallas en su formación
estética se da una desorganización; la cual parte de conceptos totalmente
teóricos ya que cualquier objeto con errores es un objeto real y no un
sistema fantasma o un bug[31], como en la vida artificial (tecnología
computacional). Entonces argumentando que esta desorganizada, ya sea por
estar no adecuada al tiempo o al espacio, el productor las reordena, no las
reorganiza ya que el primer termino lo referimos a un nuevo acomodamiento
con un concepto muy fuera de su función y el segundo lo referimos a volver
a crear un mismo sistema organizativo; como ejemplo del primero tenemos a
la escultura que ya desgastada por el tiempo, le damos una función nueva
por renovar y la segunda la podemos ver como un computador con un disco
duro, que se puede reorganizar y no renovar cada vez que se descompone o
satura una computadora; a diferencia de una escultura en piedra que no se
puede tallar para parecer nueva, pero le podemos aplicar elementos para
darle un reordenamiento, quizá aprovechando su propia naturaleza por los
compuestos de los elementos de la escultura, o aplicándole los elementos de
vida que en este caso son orgánicos y putrefactos como el hongo de la
humedad en cemento.

Para subrayar el reordenamiento y la reorganización debemos aclarara que es
el orden y la organización, que en el campo pragmático[32] seria el orden
un estado equilibrado a través de sus propios cataclismos, fallas y su
finitud, por otro lado; la organización es una cualidad de él congenio de
dos materias o más, las cuales se sitúan en un mismo espacio cual una
simbiosis sin definición, aun no se pude dictar si es parasitaria o
retribuyente, ya que por eso se está organizando a diferencia de lo ya
ordenado; solo se mantiene equilibrado a través de la homeostasis[33], ya
que pertenece ésta a un sistema o conjugación de elementos, como las
piedras labradas y sus minerales , aún acepta azares, aprobación o aborto
en el comportamiento y la relación entre dos entes; pensando en una simple
piedra cubierta con musgo, la vida sobre la vida, ya que una piedra es
también un organismo, claro, con otro ritmo de vida entre la disolución de
sus minerales y otra funcionalidad, como materia para labrar o desgastar,
que se puede utilizar para la escultura y su absorción, en un tipo de
estética con un sentido vitalista por la simbiosis que hemos mencionado en
el termino de integración.

… "Un orden había surgido de la decadencia y del Desorden." He Xiu.[34]

La reorganización organiza tomándole como concepto, sin embargo la
organización es la acción de ordenar, entonces es un proceso aleatorio y
azaroso, como la vida y haciendo analogía con las piezas del texto; serian
como la parte botánica agregada a las obras, a comparación del orden, que
siendo azaroso se compensa el mismo y no trunca su camino hasta su muerte,
ya que este ya ha nacido; es cosa u objeto, y en la organización se puede
truncar y fracasar ya que deviene de una idea humana o mejor dicho,
teoría, concepto, pensamiento; es un acción y no un hecho.

La organización hace el sistema, crea la unidad y se convierte en orden. La
organización es una aptitud y el orden una actitud, de actividad, de la
forma de actuar de algo.

"¿Qué es la organización? En una primera definición: la organización es la
disposición de relaciones entre componentes o individuos que producen una
unidad compleja o sistema, dotado de cualidades desconocidas en el nivel de
componentes o individuos," (Morin, Edgar. Op. cit. pág. 126.)

Entre la desorganización y el reordenamiento solo hay un punto, ya que no
se excluyen la una a la otra, no son opuestas, no son antónimas sino
simplemente son consecuentes; se derivan infinitamente en el orden del
universo y así mismo en la cualidad teórica, conceptual, filosófica del
productor, quizás llamándole artista o esteta.

Las piezas que se proponen en este ensayo, son de un orden desorganizado y
reordenado, orden desorganizado ya que trabajo con piezas que no concluí,
al estar no terminadas están desorganizadas pero pertenecen a un orden que
es la escultura de la figura humana; a estas las metamorfoseo para que sean
una nueva obra, viviente, ya que las dos cosas o conceptos son parte las
piezas y se conforman y coexisten en el mismo tiempo y espacio. Reordenado
por que se le está re-conceptualizando para que coexista con una nueva
idea, como un concepto que la hace vivir. Cuando se acaba una pieza el
reordenamiento no es total, hay partes del desorden que aun están latentes,
como la diferente proporción anatómica o las partes no detalladas, claro
que estas se interponen y parecen no mezclarse con la reorganización; sin
embargo forman parte de ella, es decir que la estética de las dos cosas se
fusionan para llamar la atención del espectador.



Excusándome del texto, menciono y remito demasiado a Edgar Morin ya que él
es el único personaje que a través de mis pocos años de lectura he
interpretado en mi coherencia de pensamiento, haciendo paréntesis del que
escribe este ensayo, el no resume; sin embargo es una persona con la que
podría tener una plática acerca de la realidad y del pensamiento de
producción humano, en un contexto global, no ensalzándole de tener al mundo
en mis manos, si no en el letargo de degenerar cualquier organización;
causándole vida, argumentándome que en las manos del mundo que recorro, por
los dedos fluyo para detonar otra existencia en algún punto nuevo, como la
idea que genera un cuerpo así como la idea que lo destruye.



2.1 LA MUTACIÓN Y LA METAMORFOSIS COMO ATRIBUTOS DE LA PHYSIS

Al hablar de la mutación nos referiremos, en el ensayo, a las condiciones
emergentes de las esculturas en donde una condición de la pieza (la
desorganización) es aprovechada como un talento para mezclarla con un
organismo vivo. A la metamorfosis la consideraremos como el acabado de la
pieza en donde quedan contrastados los elementos de desorganización, como
la pieza misma y el reordenamiento que es el devenir del concepto de la
obra. Se le considerara así ya que esta ya que este cambio irreversible no
porque siempre deberá de durar, sino porque la afectara para siempre (a la
pieza), esta metamorfosis hará al mismo tiempo una nueva estética y una
degeneración de esta.

La pieza no deja de ser la pieza cuando muta, solo las cualidades que posee
no son suficientes para sí, solo emergentemente emite una renovación o
reordenamiento para ensalzar sus cualidades estéticas, que sin embargo son
suficientes porque se trata de una obra, hecha o mal hecha pero existe
haciendo analogía con la mujeres que se maquillan, quizás son bellas pero
el maquillaje es un plus; o podrían ser no tal bellas y utilizar el
maquillaje para componer algunos rasgos y remarcarlos en pro a su estética
o en su contra por supuesto.

"Así, la organización es lo que trasforma la trasformación en forma; dicho
de otro modo, forma la forma formándose ella misma; se produce a si misma
al producir el sistema, lo que hace aparecer su carácter fundamentalmente
generador." (Morin Edgar. Op. cit. pág. 156.)
En este ensayo remito demasiado a Edgar Morin, ya que este es uno de los
más serios pensadores, en tanto a mi percepción del lenguaje escrito, que
adecua e interpreta mi manera de ver el tiempo y el espacio, a su vez la
naturaleza del planeta y la del mundo; así mismo la del hombre o humano,
que al mismo tiempo es el pensador de la obra y el que la efectúa, quizás
un artista.
Morin habla de naturaleza en donde hay un orden y un desorden, en contraste
hablamos de cosas, ya la materia trasformada por el productor, donde
además de su orden se lee un concepto previo; que termino su tiempo
existencial como objeto y es por eso que se le interpreta en un desorden
como la vida, una desorganización presta para ser reinterpretada y
reorganizarla como lo haría la tierra misma, apropiándose del espacio que
esta posee, a través de la mutación que entendemos como esta necesidad de
cambio estético; derivaremos en metamorfosis que es la completa renovación
conceptual de la pieza, aun es la misma de alguna forma, pero esta
disfrazada de evolución y de tenas permanencia estética ante el tiempo,
siendo por si misma atractiva para la naturaleza que se le monta y se
apropia de esta.
Metamorfosis y cambio son recursos que bien pueden permanecer o desparecer
si su función es benéfica para la organización en cuestión, hay cambios que
son factibles y se convierte en una metamorfosis adaptada por el ambiente,
esto haciendo analogía con las piezas citadas, en donde la pieza
escultórica juega el papel de larva y es metamorfoseada en una pieza con
vida; un obra en donde coexisten los intereses intelectuales del hombre y
los procesos naturales de vida.
Comparto estas letras de E. Morin hablando de "El nuevo mundo incierto":
"Es preciso que cambiemos de mundo. El universo heredado de Kepler,
Galileo, Copérnico, Newton, Laplace era un universo frio, helado de esferas
celestes, de movimientos perpetuos, de orden impecable, de medida, de
equilibrio." (MORIN, Edgar. Op. cit. pág. 81)
Lo que se infiere de la frase para el proyecto es el cambio de la
escultura, no totalmente o no como canto de guerra, sino solo en la
disposición de las piezas construidas para darles una estética simbiótica a
la natura, las manchas verdes a las piezas; las del oxido, las de la sombra
o también las del traspaso de pigmento[35] por sobreexposición a la
intemperie, a la realidad de la vida y a la función que se le pretende dar
al ensayo en cuanto se hable de escultura y específicamente en el escrito
de figura humana, son todas efímeras y no a la vez ya que acaba algo pero
empieza otra cosa hablando de la pieza; como si se sepultura la pieza y se
encontrara llena de tierra y con un aspecto de desgaste que a la vez en una
estética creada en el proyecto, deveniente de la táctica de la naturaleza.
En otras palabras las obras son resultado de la contemplación del estado de
piezas que no tienen conservación, ya sea por su material o por su edad.
Tomando lo mencionado, Imaginemos una obra hecha en yeso o cemento que
quizá nunca sea vaciada en otro material, pero por si misma tienen una
vida, de hecho podría llamar la atención del espectador por su estado de
simbiosis; quizá parasitaria ya que la destruirá o de menos le causara daño
mas rápidamente en cuanto al material escultórico, peor cabe mencionar que
son piezas hechas para ese acto de desgasta, piezas procesuales, en donde
sus trasformaciones estéticas a través del tiempo nos importan más que la
pieza misma.
Morin no mencionando la palabra metamorfosis, nos habla de una "formación
trasformadora y la transformación formadora" y dice que:

"La organización es a la vez transformación y formación (morfogénesis). Se
trata de transformaciones: los elementos trasformados en partes de un todo
pierden cualidades y adquieren otras nuevas; la organización transforma una
diversidad separada en una forma global (Gestalt). … Se trata de
morfogénesis: la organización da forma, en el espacio y en el tiempo, a una
realidad nueva: la unidad compleja o sistema." (MORIN, Edgar. Op. cit. pág.
156)

La metamorfosis hace las trasformaciones reales, no es como cuando un solo
organismo muta o cambia de la forma, no solo se conciben algunas partes y
se reducen otras, hay trasformaciones químicas; físicas y mecánicas que
hacen una morfogénesis, el principio generador de forma como los materiales
de la tierra que parecen amorfos, en donde sirve por un tiempo esa
actuación de simbiosis y demás, pero todo esto con su posterior
desintegración y trasformación o de nuevo dicho con su desorden y su
reordenamiento; quedara marcado cada acto en la piezas, como ya se
menciono.
Tatuajes sobre la pieza en transformación, metamorfosis, después de la
mutación que es el indicio de un cambio en corto tiempo imposible de
detener, aclarando estos procesos como acelerados pero que actúan en todas
las piezas del material que fueren; sin embargo esto no se ve o se acentúa
en todas la piezas ya que está dada por la historia de la pieza en
cuestión, como ver un cañón de algún metal del Medievo carcomido, oxidado o
trasformado por su historia, ese aspecto de antigüedad de alguna forma le
da un plus para su estética; asimismo en la parte objetual de la escultura
no me interesa ese fin, para mi efímero, de darle un acabado total a la
pieza solo en su modelado, vaciado o talla; en fin, cualquier modo de hacer
escultura es funcional para la interacción de la pieza por la naturaleza y
conformar así la estructura de la vida misma, o solo objetando acerca de la
formación de las cosas como lo hacemos los humanos, no creamos ni
destruimos aun así transformamos; somos esa parte contraria a lo que se
podría creer nihilistamente, un virus, existencialmente, nada para el mundo
pero no así para la tierra que disfruta tu carne putrefacta; claro sin ser
tan dramáticos nuestra producción sigue siendo un registro de la actividad
global humana que se perpetua a través de la información como se pretende
mostrar en este escrito cuando se habla de escultura.
La mutación y la metamorfosis, entendiéndolos ya como conceptos separados a
un entendimiento latino y apropiado para un ensayo, en compendio son
atributos de la physis, de la cosa en sí; el nacer de la naturaleza, la
naturaleza de la naturaleza en palabras de Morin, el lenguaje pleno del
despertar de la naturaleza, en donde nacen los conceptos; las animas que se
ponen en el chamba al productor, en sus artificios para el aprovechamiento
estético (no hablando del gusto) del hombre, que ya no importando el
productor esto yace en la obra, ya independiente del productor por la
conjugación con los elementos de vida.
En otras palabras la metamorfosis es la homeostasis del primer cambio
generador dado por la mutación, en las piezas se representa el estado
mutado como ese sentimiento de la pieza en olvido, en desintegración y con
esperanzas de que aun se pudiese componer, claro no reorganizándola sino
reordenándola y al mismo tiempo remarcando los rasgos estéticos de una
pieza en reorganización y en consecuente desorganización debido a la
aleatoriedad en que se expanden los sectores de vida; en especial el musgo.

2.2. LOS OBJETOS ARTISTICOS SE HACEN POLVO, POIESIS Y TÁNATOS
En este apartado nos enfocaremos a hablar del eterno tánatos, esa muerte
objetiva de las personas, representada en las esculturas que se mencionan
en el ensayo, estas piezas fueron materiales por separado pero unidos para
conformarla; así en su conformación son un producto, una creación de un
objeto escultóricos a partir de materias por separado pareciendo formar una
sola pieza, sin embargo como lo dictan las leyes de la materia y de la
energía, no se crea ni se destruye, solo se transforma. Para trasformar
este objeto debe de hacerse polvo en sentido metafórico, morir como objeto
para ser reconceptualizado a través del principio formador, la idea.
Desde el principio formador de la obra al igual que la mayoría de las
cosas en el mundo está dada su mortalidad, su desaparición como figura
única a través del tiempo, ya que es el tiempo el que le causa una vejez,
empolvamiento; acomplejamiento, amarillamiento y demás rasgos que deformen
la figura, en esta complejidad de cambio que es a la vez un principio
trasformador, también una poiesis a partir de los residuos del tánatos;
entonces entendemos que todo fin objetual lleva a un principio intelectual
o al contrario, todo fin intelectual lleva a un principio objetual. Dicho
en otras palabras, todo principio lleva a un fin y todo fin lleva a un
principio en cuestión de ordenamiento. Es por lo anteriormente dicho que la
obra no debe de contener iconografía como el arte decorativo, es solo una
figura humana la cual hace analogía al mismo cuerpo humano y a la vida
cuando los adornos que utiliza en vez de ropa solo se vuelven hierbas,
cubriéndola como vestuario quizá o marcas como los residuos de las
plantas, las marcas del sol; marcas de la convivencia entre pieza y vida
que también se pueden homologar como un mal hacia la pieza, pudiera ser
también un cáncer al apropiarse, deformar, manipular y coexistir con la
pieza; la obra y la vida, cual piedra en el campo, la mayoría le
consideraría sin vida, pero no se introducen en su complejidad como ente;
como ser organizado por varios elementos y con probabilidad de vida o
desencadenación de esta, no solo como el liquen que crece, sino también los
óxidos que de ella escurren cual su sangre brotando desde el interior,
desde la estructura; el polvo que la cubre como el conocimiento a los
hombres, el descabalamiento de la unidad en partes, su craquelación[36] no
solo en el uso de resina, sino también en el labrado en piedra en donde se
encuentran betas; huecos y demás fallas o en el uso del cemento que deja
demasiados poros, los cuales tiene cualidades desorganizativas que puede
aprovechar la naturaleza o el uso de ella para reorganizarla y plantearla
como una escultura con vida más vida, la vida sobre la vida, la no vida ya
no importa; no importa si no hay ningún espectador, si se le piensa que es
solo una escultura, ya que esta no vive para ellos, son ellos los que viven
para la escultura; la escultura no tiene nada que enseñarles, es un objeto
con o sin concepto, sin embargo ellos, los espectadores; los que tiene que
aprender todo de la figura, pues esta por ende de ser creación plástica
disuelta entre la materialidad y la esencia que el productor le infunde
lleva un lenguaje que los demás deben de aprender, no es la obra la que
debe de aprender a hablar el idioma de los espectadores, por eso el arte es
selecto; ambicioso, de culto refinado, ya que lleva vidas enteras
comprenderlo y poder apreciarlo con los significantes tan completos como
son la vida en general.
Es con esta sensibilidad que se pudiera entender un ready-made[37] , u
objeto encontrado, dándole cualidades reorganizativas que se basan en el
concepto, modificando pocas veces el original, perteneciente a la poiesis;
a ese principio trasformador de la forma/cosa en objeto finito.
La poiesis, ese principio trasformador de las cosas como lo dice Martin
Heidegger, se refiere a ella como «alumbramiento», utilizando este término
en su sentido más amplio. Este autor explica la poiesis como "el florecer
de la flor, el salir de una mariposa de su capullo, la caída de una cascada
cuando la nieve comienza a derretirse"
[junio 2013]. Mediante
las dos últimas analogías, Heidegger subraya el momento de éxtasis
producido cuando algo se aleja de su posición, como una cosa para
convertirse en otra. Asimismo, lo hace la pieza al adaptarse a la
trasformación y al cambio de estética que le sea integrada, o poiesis de la
obra en general.
Es a partir de esta concepción, que en el campo de las artes:

"poiesis refiere a la fascinación provocada en el momento en que, mediante
múltiples fenómenos asociativos aportados por la percepción, los distintos
elementos de un conjunto se interrelacionan e integran para generar una
entidad nueva, denominada estética." (PARINI, Pino. Los recorridos de la
mirada: del estereotipo a la creatividad. Barcelona: Paidós, 2002.)

El principio organizador o poiesis hace que las cosas (physis) se
conviertan en objetos, digamos que es la idea propia de un objeto,
alterable de acuerdo el espectador, claro después de que el productor deja
de hablar de ella; y aun así la gente es la que tiene el derecho a criticar
y a hacer énfasis de lo que ve en cuanto a como lo siente.

"No podemos escapar a la idea increíble: el cosmos se organiza al
desintegrarse." (MORIN, Edgar, Op. cit. pág. 63.)
La cita mencionada nos traduce al recurso de la vida, su devenir en muerte,
su temporalidad, desorganización y desintegración; esto lo traducimos a la
duración de la idea en la pieza, su estado de nacimiento con base en el
concepto primero (poiesis), o en el segundo (tánatos) o reorganizacional,
según la duración de la pieza; ya que en algunos materiales el desgaste es
teóricamente mayor y no se mencionan las casualidades que podrían ocurrir,
al ser expuesta a campos no tan inhóspitos, como cualquiera que dañara las
piezas de alguna forma grave, acelerando su destrucción como concepto o
nueva desorganización.


2.3. LA VIDA COBRA SU TERRENO

Previo a este subcapítulo debemos declarara que se considera en el escrito
al hombre o productor como un objeto, ya que es este el objeto visual,
tanto del productor como del espectador, del objeto escultórico; dicho de
otra forma, el objeto del objeto es el sujeto, en este caso el objeto de
las piezas escultóricas (que son también objetos) es el hombre, interprete
de las cosas para hacer objetos o interprete de los objetos para construir
teorías; reinterpretar en el mejor de los casos, ya que una obra como ya se
menciono, no se da a entender en totalidad, del creador al espectador; ni
en objeto ni en idea la obra llega a tener este alcance, siempre antes de
cumplirse lleva a cabo procesos de metamorfosis, transformaciones que dejen
una marca en la vida de la obra.
La vida siempre necesita un espacio para vivir, ya que la naturaleza misma
se lo ha dado, sin embargo la naturaleza y los objetos del mundo (todas las
cosas hechas por el hombre) no se pueden unir, ya que los espacios con
objetos y natura se dan por separado y se delimitan como pasa en un jardín;
quizá con juegos con zona de pasto o piedras pero se cuidan para que no se
mezcle, cortando el pasto, reuniendo las piedras que jugando o por
casualidad salieron de la zona para estas.
La vida hemos dicho que necesita un espacio para hacerse, para ser o
expandirse, dispersarse en un ciclo común, tal nacer; desarrollarse y
reproducirse, ya que esto es lo que requieren los aspectos botánicos de las
piezas en cuestión. Por otro lado, este físico no es de un orden
diferencial al concepto del hombre, la naturaleza tiene una azarosa forma
de concebir la estética ya que se mezcla con los objetos y simbólicamente
,"recobra su terreno"; ya que las cosas al ser solo cosas no se pueden
defender si no es por medio del hombre, el hombre que ha tenido siglos de
lucha contra la naturaleza y a la vez aprendiendo de ella, ya que las cosas
son apropiadas por la vida, la vida en un contexto manipulado; dicho de
otra forma el objeto del objeto es el sujeto, jugando un papel de objeto,
la cosa u obra (objeto de objeto) y el sujeto la vida, o sea que la
intención de sujeto es la experiencia de vida sobre la pieza; ya que es
también conceptual por que se integra y a la vez se le cuida como a un ser
vivo, lo compararía como una maceta, pero no vulgarizando a la escultura
hacia la artesanía, ni desvalorando la misma.
Sin embargo al tenerle un cuidado y como proposición de vida sobre la vida,
la apropiación del espacio de una escultura por el de un objeto orgánico o
mejor dicho vivo científicamente y visto pluralmente, cuando cada cual
ocupa su lugar entonces se puede citar una simbiosis, una simbiosis
compartida; no parasitaria, claro por un tiempo, ya que de alguna forma
alguna aprovechara más de la otra, como pasa en la vida misma con los
parásitos estomacales; si son demasiados hacen daño, pero si están
adecuados homeostáticamente los dos funcionan, creando una estética, o
dicho de otra manera; una estética funcional, ya que en el complejo
Kantiano que utilizamos es todo estética, fuera de lo bello, se busca lo
útil; también se podría hacer analogía con un árbol con injertos, claro no
desvalorando ninguna de las producciones, ni el arte (en sentido de arte
convencional) ni la botánica o en este ejemplo la formación de injertos,
sino sometiendo a juico a la funcionalidad de cada una mezclándolas.
La funcionalidad en el arte está dada por la categoría sensitiva de la
comunicación, la comunicación kinestesica, dada por la forma de la figura
humana en este caso y el recubrimiento de vida o adorno que esta posee, o
sea la simbiosis en esta formada como concepto de pieza; de obra en
proyecto, mejor dicho proceso, de esto que sea considerada escultura
procesual, soportando la verbal o la conceptual de la obra; es decir que
una obra no tiene funcionalidad física a diferencia del diseño, el arte
tiene una funcionalidad espiritual, armónicamente sensitiva fuera del
concepto de estética, solo aquel que aprecia algo; le pude considerar bello
y ensalzarse de este, he aquí al productor hablando de sus objetos, como no
queriendo que el espectador los interprete a su manera, a su información y
capacitación visual, ya sea intelectual o vanamente visual. De todas formas
la naturaleza regresa las cosas a su origen, todo tiene un fin físico y
esporádico, ya que la misma materia se vuelve a ordenar y sin embargo en
ella aun radica energía para cualquier ser vivo, como una mosca comiendo de
un muerto, ¿Por qué no un musgo comiendo de los minerales de las piedras o
materiales de las piezas en cuestión?, uniéndose en un principio para un
efectuó estético pero a la vez para finalizar su existencia como objeto,
con la parte espiritual del artista que lo hace ceder a enterrarle algún
significado a la obra, un romanticismo; el mismo concepto. No importando el
significado de la obra, sus significantes adecuaran nuevos conceptos y
formas de apreciación estética, como se describe en el ensayo en general,
la forma de darle concepto a la obra para que siga en proceso de valoración
estética; lo que implica una nueva valoración estética, que aun así se
reconoce por ser ya vista, como una escultura prehispánica encontrada
masticada por la selva, en donde la proporción de vida recubre demasiada
parte de la pieza y enfoca hacia otra detonación simbólica; estética y
casual de la vida sobre la vida . A la vez la vida es la que se apropia del
lugar, así como los humanos hacemos cosas y nos apropiamos de la materia,
también la natura viva hace un orden exquisitamente estético para cualquier
humano, excepto a los que se reconocen con la basura y los grande
edificios.
La supremacía de la renovación, en la vida la reproducción, en la pieza,
la reorganización de ese reordenamiento en donde la pieza se construye a
partir de una idea solitaria; una imagen que da la pieza a reorganizar, la
que adecua la organización natural aun tomando como natural la del hombre.
La vida cobra su terreno en cualquier lugar, el fin de todo es tener ese
fin conceptual, dejar de ser como materia- energía, la misma materia y la
misma energía, es decir mutar las dos cosas para que el espíritu siga en
una forma adecuada a la vida; fuera del entendimiento humano. Por otra
parte, al mutar una de la otra hace que esto tenga un fin más adecuado,
presto para la funcionalidad de las múltiples vidas que albergaran el
planeta y el universo, como quizá siendo comido por una mosca; la cual a su
vez es comida por una araña y en una cadena alimenticia acaba su energía en
un ser humano, a través de una idea o de alguna pasión corpórea, tales de
la vida o solo siendo polvo que se convirtiera en barro a través de su
existencia Dustinesca[38], que lo simula en ceniza y corre por el mar; por
las olas, o sigue al viento hasta salir de la atmosfera para poder formar
parte de una estrella que se consumara de nuevo, siendo este acto un fin
para la naturaleza que aun perteneciendo a ella nos rebasa y se apropia de
nuestra propia naturaleza, solo la vida come vida; no hay un final, solo un
fin, aun pudiéndose este interpretar como final, no lo es; ya que este
efecto nos revela una nueva existencia.

2.3.1. El otro

La nueva existencia la redactaremos en este espacio lacónicamente, en una
brevedad que no profundizara en su devenir ni en su advertir (en sentido
metafórico a la pieza), ya que en esta deviene la vida misma, al ser el
otro el informador de nuestra propia existencia; tratando de resumirlo, es
el otro el que nos da la vida misma metafóricamente, espiritualmente la
máxima existe, dios en otro concepto; pensando que uno ni siquiera habla
por sí mismo al ser parte de la naturaleza, es el ordenador universal el
que nos hace ser humanos, el contenedor de todos nuestros estados naturales
y alterados, que son al mismo tiempo nuestras cambiantes formas de ser y de
apreciar. Lo anterior dicho, se enfoca a que tengamos gusto como humanos
para decidir los diferentes conceptos estéticos, causados por el devenir de
la naturaleza, asimismo la del hombre que es la que conforma el mundo.
Ser el otro implica sacrificar la vida por la verdad, saber que no hay nada
mas allá para el hombre que una genealogía de piezas de lego, la facultad
de procesar información a partir de la percepción, la cognición; en donde
se congrega y se discierne la génesis de la vida, ver, organizar y aceptar
destrucción, la efimeridad; el fin trasformador de todas la cosas y su
medio, la vida, subrayando que cualquiera que lea esto esté vivo y a punto
de morir, quizá no totalmente; sino metafóricamente. Sin embargo hay formas
transitorias y formas enteras en cómo se degenera su vida, es así como uno
no es lo mismo al otro día de lo que fue ayer, ni tampoco lo que uno
pudiera ser a lo que es, cada cambio no se concibe tan simplemente; es
natural pero no simple, siempre viene acomplejando el método para hacerlo
transitorio, mutable y que pueda aceptar su cambio, como la vejez; yo no
soy el mismo que fui ayer, veintisiete años me remedan, me parodian , es lo
contrario de ver el proceso; es una retrospectiva en donde analizo como
avanzar, como conseguir el próximo cuadro, la próxima escultura. Para
madurar o podrirme más, no como una fruta claro, pero si como una pieza, a
la cual se le da una solución informal que la hace cambiar de habito y de
forma para convenir con su espacio y tiempo. Todo lo dicho para poder ser
ese otro, ese concepto que no pide nada a la pieza y por otro lado la
afecta, en el sentido de agresión, una agresión con esta palabra tan
repetitiva en el ensayo; natural, las cosas como son, fuera de las ideas
vanas del hombre, devenir del otro; tomar el reflejo en la casualidad de
ser humano, en el quehacer de las cosas pero remarcando la existencia
artística, el ser hombre y producir cosas que van mas allá de la physis, ya
que como la naturaleza puede actuar; asimismo un humano hace de por medio
esta simbiosis entre ser un supra ser, el conducto de agresión de solo ser
una idea, la cual lleva a cabo la vida del objeto, diferencia de la de la
cosa; la forma y el concepto que adecúe la cosa, que se vuelve el otro, la
simbiosis parasitaria de una pieza que nunca fue atendida, una simbiosis
causada en el conjunto de otredades; lo que le da vida de nuevo y le hace
constatar una existencia entre las cosas de mundo, ya que la supervivencia
siempre estuvo a cargo del concepto, jamás la escultura estuvo peleada con
el concepto, sino con la forma vulgar de interpretarla. Es decir que las
cosa valen por su estética propia , no por una estética que se complejiza
y se adecua cada vez más hacia el concepto de arte, no solo de un humano a
otro cambia esta forma de comprensión, sino de un estudio a otro que
involucra a todas las formas de ser; en el campo del entendimiento
intelectual, no solo a través de la palabra, sino de toda la gestualidad
denotada por la vida que conforma nuestra parte humana y nuestra animalia
(animalidad), lo que nos hace sentir vivos; esa mezcla de idea, genero
acción y creación, dichos uno dos , dos uno( forma de lectura). Sujeto
objeto, objeto sujeto, la casualidad del objeto es el sujeto y viceversa en
son filosófico, es por eso que el otro es solo un punto de vista vano; es
más de lo que nosotros pensamos, es quizás mas que nuestro otro yo, ya que
nos hace darnos cuenta de lo que en sus entrañas planea y planeamos, su
ficción; su aleatoriedad o proceso azaroso, esa ciencia oculta del
oportunismo en donde solo los mágicos se desenvuelven y hacen de las suyas,
para hablar de algo a favor de nosotros, o hacerlo en desfavor hacia
alguien que nos mortifique.

El otro, es también la interacción de la organización del sistema,
siempre que se reordena y se acentúa una desorganización la cual nos da
lugar a la formulación de teorías y nuevos conceptos de una pieza integrada
por una parte escultórica y otra de segmentos de vida.
"Si hay principio desorganizador, nace de los encuentros aleatorios, de la
copulación del desorden y el orden, en y por la catástrofe (Thom, 1972), es
decir el cambio de forma." (Morin, Edgar. Op. cit. pág. 125; 126). Lo
anterior se resume en una serie de interacciones de las formas de
organización para crear un sistema, eso o ello, el otro, lo que ya no
obedece a nuestro albedrio; sino una interacción con este para el
desarrollo de conceptos y de nuevas ideas en torno a la pieza de arte, a
las escultura en cuestión, las cuales son reorganizadas con el musgo
(Bryophyta), entre otras adecuándoselas a la pieza; a través de un licuado
con las esporas del musgo o cubiertas por enredaderas, entes, para que
exista un sistema en la pieza, un sistema organizado por la parte botánica
de la pieza y de su parte mineral; actuando las dos para un concepto
estético dado por la naturaleza sobre la escultura.
En la organización de la nueva escultura hay dependencias fijas y rígidas,
como los minerales de la constitución de las piezas para que la vida se
adapte a esta fácilmente, también interrelaciones activas o
reorganizacionales, como lo es el sector de vida creciendo aleatoriamente y
siendo controlado o manipulado; hay retroacciones como el desmigajamiento
de la pieza a causa del crecimiento de briofita(o el otro), y también una
comunicación informacional, que son los aspectos estéticos que adecuan a la
obra mandando información al espectador, no solo de la kinestesia de la
pieza; como se trato en un principio, sino también ya de la nueva
adecuación que la transforma y la hace lucir , o en el aspecto contrario la
opaca, como las piezas encontradas en Mesoamérica "masticadas por la
naturaleza" que evocan un aspecto de desorganización; mientras los
arqueólogos les limpian esperando darle más duración a las piezas.
El musgo sirve como una metáfora a el sistema vivo del humano, en donde se
considera a una parte física y a otra intelectual o cognoscente, pero
también análoga a un sector de ordenamiento (sector de vida) con una
desorganización constante o finita, al adquirir el sector de vida; a la vez
es una parábola del sistema en donde la escultura al ser invadida con el
liquen, briofita o la humedad de las enredaderas, le causara oxido en caso
de una pieza de metal, que es el cáncer del acero.
A las piezas de piedra, les dejaran marcas como huellas o registro de la
estancia de otra especie, como una enfermedad quizás, en donde esta vida
contribuye a la muerte del sistema; antes creando una estética diferencial
(en el sentido psicológico, de la diferente percepción de las diferentes
personas), a la pieza cuidada, no importando exteriores o interiores.

2.3.2. Todo vuelve a otro origen
En este sub apartado básicamente narraremos una compilación de ideas del
Tánatos, rosando al eros y haciéndolas consecuentes del cambio, del
devenir, siendo este un volver; volver a otro origen, algo que ya se pudo
haber sido o algo que se pretende ser de acuerdo a las aspiraciones
intelectuales y a los factores carnales. Tomemos al tánatos como un
eufemismo de la muerte, la no violenta, al eros lo entenderemos como la
atracción sexual y al tener el concepto de los dos, podemos mencionar el
concepto de regreso; regreso al estado natural, a la no vida que quizás
hubo antes de esta vida, un regreso al tánatos, al estado mortuorio no
cognoscente; no recordable, pasible y lleno de de satisfacción, por eso no
recordable, de ahí hacer analogía con el eros y ese estado de atracción no
solo sexual; sino carnal, el querer ir a otra ciudad, a otro planeta, a
otro estado mental por algo; alguien, que se traduce en la forma de adecuar
la pieza, ganas de buscar en el extenso mundo, algo que le guste a la pieza
para que sea su pareja simbiótica; quizás parasitaria y con un fin
desastroso para la pieza, o de menos, marcado o dejando registro,
dependiendo el material.
También mencionemos que el eros es el factor al cual se debe la existencia
de las cosas, no en el sentido estricto de amor, pero de ahí los
quehaceres, como el de la escultura; en este caso sin fin de venta, solo
juagando el rol del quehacer del arte procesual, no mencionando el registro
claro. Hablando del estado físico de las piezas en palabras de Morin, en su
apartado de "El segundo principio de la organización sin principio: la
integración de una physis generalizada", que ya el titulo nos enfoca a una
reorganización de sistemas, como todo vuelve a ser polvo; las piezas de
cemento eso serán, el yeso, la piedra se desmigajara:
"Volvamos ahora a la residencia del segundo principio, que es el sistema
físico, donde se definía como principio estadístico de degradación (de la
energía), de desorden (de los elementos constitutivos), y por ello de
desorganización. El incremento de entropía de un sistema significa que el
desorden, por consiguiente la desorganización, no pueden más que crecer en
él."
(MORIN, Edgar. Op. cit. pág. 89)
Con esta cita de E. Morin denotamos la destrucción de la pieza a través
del sistema agregado, haciendo un meta-sistema, en donde su naturaleza
responde a las causas que le provoca la reintegración, reordenamiento
quedando; bugs (errores) que son parte de este sistema destructivo.
Con lo anteriormente mencionado, podemos hacer ya el viaje de vuelta al
origen, en un sentido material y energético, no sé si físico y conceptual;
pero resume la creación y destrucción de las cosas y entes, su finitud, su
eterno retorno a un nuevo origen. Lo que fue de alguna forma, ya no puede
ser la misma forma, sin embargo deviene de esta como ejemplo, la
alimentación que el sistema digestivo convierte en nutrientes y en desechos
para ser procesado por el cuerpo; situacional (representación mental) de la
escultura, como antes definida nos damos cuenta de que la analogía va
acerca del quehacer de las cosas en otras cosas y mas allá de los entes
(esculturas), conjugados con entes (partes de vida), de ahí la atracción
primaria a estas piezas recubiertas por elementos botánicas y con
cualidades de apropiación.
Todo vuelve a otro origen en el entendimiento de apropiación, es el
antagónico de la obra, su desintegración de ser sujeto a ser objeto, de ser
observante a ser observado; como un cuerpo inerte, subrayando la physis,
todo está en un estado de producción, ya sea eventual y situacional.





PARTE 3.
ANALISIS DE PROCESOS DE LA OBRA PERSONAL
3.1. EL DIPSOMANO

El dipsómano es una pieza que habla principalmente de lo humano en la
escultura, ya que parte de la figura humana, pero en una situación
impresionista escultórica[39].Haciendo la analogía al alcoholismo en una
persona en la pieza, alguien derrumbándose del estado etílico, haciendo un
gesto de declive el cual es lo que interesa de la pieza, lo subversivo de
la experimentación; en este caso escolar, dependiente de los profesores de
los talleres de escultura y de sus inclinaciones, saberes, limites y demás
ocasiones de enseñanza para desarrollar la pieza; lo cual limita o se debe
de poner en juego, el juego de aprender y de superar los límites del gusto
del enseñante.
En mi concepción semántica, esta pieza se llevara a cabo a través del
tiempo, no tiene intenciones de venta, es una pieza de colección
particular; el interés del proceso de transformación, es el proyecto a
largo tiempo de su physis, su materialidad, su física disuelta en la
química de la tierra; cemento regresando a la tierra y al aire, metal
siendo comido por el oxido y en la constante recreación de la naturaleza
adquiriendo otros valores intencionados, pero no planeados con exactitud,
sino a la deriva de los materiales no protegidos de la pieza; una pieza que
no le ponga peros a su proceso, así fuera de oro y no se pudiera oxidar,
quizá con lava de la madre tierra está le recupere en segundos a su
vientre, que alterna con la galaxia para la creación de nuevas formas; ya
sean naturales o mundanas, que aun siendo así regresaran a su naturaleza o
mutaran, hablando en sentido de transformación matérica.

El dipsómano muestra objetivamente a una persona en un estado alterado,
emborrachado caminando por la calle, con pasos tambaleantes, mostrado en
un contrapposto[40] escultórico denotando su caída al suelo; en donde la
pieza, juega un papel de equilibrio apoyado como un trípode con los puntos
que tocan los pies y el que toca la parte que simula el chorro de la bebida
cayendo al suelo, lo anterior siendo interpretado como el lenguaje del
cuerpo, la posición denotando un movimiento de un acto.
Lo que le da vida a la pieza como escultura, el material o mejor dicho la
materia, deja de ser solo eso para formar parte de un objeto, un objeto
simbólico; en el sentido de que todo lo que está siendo adornado tiene
significante, un sentido estético que connota a una sociedad a una
ideología pura, como la que se trata de dar en este formato narrativo.

La intención de comunicar un gesto corpóreo natural, sin interpretación o
sobreactuación, sino un gesto reconocible que la figura tiene, va desde su
esqueleto hecho con varilla; un tipo tambaleante, un bebedor con aspecto de
hartazgo, de estar no dispuesto a soportar otra bebida, estos aspectos de
la pieza ya dada y su deterioró son los suvenires de los que dispongo
previa y posteriormente al viaje de producción. La finalidad de pasear esta
pieza frente a instancias sociales, como los palacios de gobierno o las
iglesias ,es mostrar ese gesto frente a ellas, ya qué considero de manera
particular que han sido una barrera para el desarrollo social mexicano;
aunque si no hubiera esas habría otras instituciones a las que otras
personas le encargan su fe libremente.
En el proceso del paseo, se cuartearon algunas partes de un brazo, unos
dedos de la mano que esta sobre la cara y la luz que adornaba el chorro de
la bebida.
Volviendo al tema del ensayo, ya tenemos narrado como se obtuvo la figura
de la que se escribe, digamos que ya tenemos el cuerpo objetivo que es la
no vida, con un modelado de figura humano hablando del lenguaje del cuerpo
y de la kinestesia en la escultura; que es la vida sobre la no vida y
también tenemos a la vida sobre la vida que es lo que ahora narraremos: Al
mismo proceso le doy su cualidad, como no engrasar la varilla para que el
oxido que esta adquiera con la humedad salga de los poros del vaciado, o de
la pieza que se muestre, como referencialmente me pasó en una pieza de mi
_réquiem para un amor_[41] ;una pieza que no mostré o no expuse en el
momento del proyecto, con el tiempo el oxido del alambrón que actúa como su
estructura, salió como oxido liquido (por así nombrarlo sin conocimiento
químico), de su ojo derecho entre otras partes; como un escurrimiento en
las piernas. Me interesa este factor en cuanto a la sintaxis de la pieza,
que no sea solo una figura humana y una escultura de antaño aburrida, si no
una pieza de arte formal, construida a través de la experiencia en el
material o mejor dicho en la materia del material y no solo en la cuestión
semántica del objeto de arte. No solo pensamiento o palabra, si no acción
en razón para comprender los materiales y así el todo de las partes,
deviniendo del conocimiento de las partes del todo, todo lo que va; lo que
no regresará, cualquier material es perecedero.


En esta pieza se discrimina una parte, en donde el musgo que será la vida
sobre la vida que adquirirá, encuentra un lugar estético de mi propio gusto
y se adecua a la pieza, poniendo el sector de vida sobre el material y
cuidándolo; con la cantidad de agua y de luz (que se debe de evitar
directamente), en este sentido al adquirir el segmento de vida, se
subrayara el concepto de vida sobre vida, lo orgánico conviviendo con la
escultura; asi termino este apartado ya que las fotos hablaran más de la
pieza que mis palabras y que mis conceptos, entonces el que hace el arte es
el publico.
De alguna forma escogí una pieza de tamaño natural, a mi proporción, ya que
tiene un enfoque realista en cuanto a la proporción de la forma natural
humana o nacional mejor dicho, que ha variado demasiado desde las culturas
más antiguas, con registro a las fechas.





3.1.1. Proyecciones, aciertos y actos fallidos


La obra se pensó para ser mostrada en varios puntos de la ciudad por unos
minutos, realmente solo una pieza, la del borracho, frente a bares o
iglesias; puntos que para mí me parecen lo mismo, quise pasearlas por ahí
para tomar el registro de la gente, en cuanto veía la obra, ya que el
cuerpo habla tanto y nos reconocemos tanto; que las impresiones fueron
mostradas naturalmente por la gente espectando. (Ver anexos)

La proyección[42] siendo un acierto de la representación gráfica de una
pieza, resulta ser el esquema elemental para construir una pieza
escultórica, cuando se habla de materiales directos como la escayola o el
cemento, así al representar gráficamente una figura en un espacio plano;
se recurre a la perspectiva para darle profundidad .La escultura es solo un
seguimiento de perspectivas en donde se parte del dibujo.
Para la pieza del dipsómano con la mancha de musgo en la espalda , se hizo
un esquema de cuatro dibujos, de de la posición de frente, espalda y ambos
perfiles; en donde al hacerlos se recurre a la tetra-dimensión visual para
poder entablarlo a una perspectiva, de la vista de picada y la de contra-
picada, para darle reconocimiento al fenómeno que del arte o de la
producción artística que evalúa teorías, o una manufactura bien terminada;
siendo lo segundo algo que no se pretendía en la obra, al contrario, se
esperaba ese desgaste del material para que se puedan seguir añadiendo
elementos casualmente.

Los aciertos que se dieron en la obra fueron varios, desde la estructura
que es resistente a la intemperie y el modelado de la figura humana
masculina, ya que no parte de un modelo natural, si no de dibujos de la
musculatura humana; también en su uso como pieza procesual, ya que fue
presentada una vez con una tira de luz Led, que simbolizaban un chorro de
liquido que caía de la botella y en la base formaba mi apellido como
firmándola.
Por otro lado, un acto fallido pudiera ser que la pieza se intento
introducir en la exposición anual de la Facultad de artes de la UAEMéx no
teniendo éxito, ya que se critico a la pieza de falta de pulcritud y
manufactura del trabajo, no entendiendo que la pieza es procesual y debe de
tomarse en cuenta cada transformación de su figura.


3.2. PESCANDO PESCADOS
Esta pieza es una de las más afortunadas, no en mi producción y si para el
proyecto descrito, ya que aprovecho el concepto que tanto repitió el
maestro Morales[43] en el taller de escultura, "lo que no ocultas, hazlo
más evidente"; ya que deviene de una pieza fallida, en donde el intento de
producción termino en caos por utilizar un materia ya en mal estado, un
cemento ya fraguado y hecho polvo de nuevo, el cual ya no fraguo de
nuevamente y se mezclo con yeso para rescatar la pieza; lo cual logro
conservar la mitad de la pieza, pereciendo las extremidades. Perfecta
combinación para la figura de una mujer con los brazos en tención,
mostrando una sensación de dolor por la postura de su espalda, tención,
siendo pescada por el labio superior de su boca.
Ya tenemos el concepto de objeto, como lo referimos en este ensayo " de
vida sobre la materia", al hacer objeto una cosa se le da sentido o
sinsentido, un concepto que no parte de ninguno de los polos; sin embargo
es un enunciado de la pieza, habla de ella, lo objetual, lo simbólico y su
concepto; entendido como la pieza, su decoración o estética y la idea que
de ella tenemos, que al final no es solo el concepto sino la conceptuación
del espectador.
En esta obra, la vida sobre la vida se da en un sector complejo, en todos
los muñones donde se han perdido parte de la pieza, en donde se integra el
musgo para que configure el concepto de vida y no vida en la pieza; así el
musgo parecerá como el resto de cuerpo faltante, lo mismo se interpretaría
con una enredadera, o con un ensamble de plantas pequeñas en la pieza, lo
que la haria una obra como las que se justifican y promueven en este
ensayo; piezas con parte de vida sobre el material que se usa, como el
cemento con vida agregada, o a partir de rocas o madera que ya tengan la
vida como liquen y trabajar a partir del material, formando una obra con un
sector de vida; más la vida del proceso de la obra, la no vida del material
y del concepto fundamental de escultura, la figura rígida o con movimiento
pero inerte, todo esto previo a la robótica orgánica[44].




3.2. 1.Descripciones técnicas y conceptuales
La pieza trata de ser una escultura formal pero con base en los errores que
sucedieren mientras la obra se construía, haciendo un complemento con el
proceso y aprendizaje del mismo durante mucho tiempo, aun después de
finalizar el ensayo se continuara la construcción de las piezas y el
registro de su evolución, ya que hemos mencionado que son de carácter
procesual; en donde el tiempo define la obra tal cual o como desecho, que
es en donde se mención la reconstrucción del desorden, para darle el nuevo
sentido a la pieza y también darle el uso de los recursos infinitos, al
final técnicamente es una escultura pero conceptualmente es una mutante; ya
que se puede acomodar a otro tiempo y espacio hasta perecer, sin embargo en
este momento la pieza se combina con un sector de vida para hablar de la
figura humana, en cuanto a cuerpo y la naturaleza del cuerpo, por cómo está
la posición de la figura; que es femenina, con los brazos extendidos y en
un grado de tención que se compara con la muerte de un pez, de ahí el
nombre de pescando pescados, que es una forma de hacer analogía a un ser
inerte; no tanto como la muerte, sino como la escultura misma, inerte, sin
ese movimiento propio de la vida o de un sistema organizado.

3.3. MUJER EMBARAZADA

La "mujer embarazada" es un titulo sin profundidad hermenéutica, ósea sin
una penetración o fuerza en la búsqueda de la verdad a través del método
que se plantea, de agregarle sectores de musgo, ya que si así se hubiese
deseado; la parte afectada con musgo seria el vientre, pero por otro
pensamiento se escogió el cabello y el bello del monte de venus, signos
femeninos que hablan de la pieza en cuanto a escultura de la figura humana,
fuera de su apariencia quizá criticada por algunos "Tequitqui"[45]; ya que
contiene rasgos indígenas en la figura, en contraste con una Venus del
renacimiento, o de algún tiempo en donde las bellas artes hayan existido.
Esta pieza propone principalmente una figura dogmática, en donde la mujer
tiene un significado de un dios cercano, o semidiós según la perspectiva,
quizá solo un ser humano desarrollado o comúnmente mencionado como
virtuoso; la mujer, de donde nacen hombres y mujeres, en el caso, para
hablar de la figura humana; en un intento de significarla o de darle un
significante.
Parece que es una Venus esteatopigia, la cual a través de la grasa del
cuerpo acumulada en las nalgas y en las tetas sirva para mantener un crio
humano, en cuanto a la alimentación de la progenie y el estado activo de la
madre para soportar un parto. Por otro lado la pieza solo figura un cuerpo
femenino que consigue una estética, pues en este ensayo se le nombra la
vida sobre la vida, pensando que el ser viviente, la especie orgánica; le
da el detalle a la escultura, siendo esta suficiente por sí misma desde
siempre, sin embargo se le considera, porque son conceptos en los que
interviene el espacio tiempo; que será lo efímero pero procesual sobre una
pieza escultórica, el proceso de la vida sobre la pieza.

3.3.1. Importancia del acabado

El acabado de este trabajo es un tanto detallado, es una pieza pulida, con
rasgos indígenas en una posición cerrada, de una mujer tocándose el
vientre; ya que está preñada. Con una base de la misma piedra, la cual
encierra sus pies y a la vez los hunde, por estar más bajo que la distancia
de la punta de la figura al suelo, pues tiene una proporción de seis y
media cabezas. Más allá de lo que se pueda decir técnicamente de la pieza,
lo que se cita en este sub-sub-apartado es la cualidad del organismo, ya
que no se pretende decorar toda la pieza con musgo, sino solo una parte en
donde más allá de la cualidad estética y botánica; exista el trato hacia la
pieza, pues se debe conservar el musgo o liquen, como en esta pieza de la
mujer embarazada, donde se denota el pubis y su cabello; lo cual se
imponen como símbolos estéticos en la pieza, además de que esas partes no
se detallaron para mejor absorción de agua en las zona de vida , que es en
donde tiene importancia el acabado, ya que este permite la mejor
integración entre raíces y la piedra; para hacer la simbiosis de la que se
habla en el ensayo.

CONCLUSIONES.

Lo que puedo resumir, en conclusión, es que estas esculturas procesuales
aun sigue siendo un caos, pues seguirán reorganizándose a través de la
naturaleza de la organización y de la organización de la naturaleza;
contando al productor, como parte de la naturaleza que modifica las cosas
en objetos y los objetos en meta-objetos.
Los errores, las inexactitudes y la desorganización son en realidad un
regalo, que viene de un recuerdo, un suvenir que deriva en una pieza; con
el cual reinventamos la pieza o en dado caso esta se reinventa sola, a
partir de su proceso en el tiempo y la intemperie.
La escultura procesual se vuelve un monumento a lo efímero, ya que va
registrando su proceso, no solo como en una cámara fotográfica, sino en la
imaginación de personas que le ven como una pieza destruida; no cuidada o
devastada por el tiempo.
La escultura en el término general es muy cotidiana, de allí que tome el
concepto de pasajero o pasajera, hablando en general de las formas
escultóricas, ya que siempre serán breves y fugaces las cosas que los
humanos hagan en la tierra a comparación del tiempo del universo.

La desorganización y el reordenamiento son cíclicos en la existencia de
todas las cosas en el mundo, también de los seres, todo se ordena o
desordena para desintegrarse o reordenarse posteriormente de cualquier
forma, la materia sigue siendo materia y la energía; energía. Las piezas
afectadas con los sectores de vida no sufren una mutación, ya que no es un
daño especifico, sino al contrario es una metamorfosis, un cambio necesario
e irreversible; parte de las cosas de la naturaleza, la cosa en sí.
Cuando se refiere a la poiesis y a tánatos en la obras, se habla de su
perecer, de irse haciendo polvo desde su proceso creativo (poiesis), hasta
la muerte del objeto por el tiempo (tánatos); del objeto ya que se habla
del cuerpo de la pieza, sin embargo su idea se queda en el tiempo y en el
registro de estas piezas.
Al final de la obra, la vida cobra su terreno y nos envuelve en una
otredad, pues percibimos nuestra finitud con la vida de los otros seres, o
en este caso objetos que tardan más en desaparecer que un ser vivo. En el
mismo sentido todo vuelve a su origen, ya que todo siempre fue antes nada,
por separado hay un retorno a otros orígenes, cualquier materia pudo haber
pertenecido a otra materia cualquiera; antes de ser una cosa, objeto o ser.
Haciendo el breve análisis del proceso de las piezas, determino que no
están en las condiciones que esperaba, ya que el tiempo es un factor con
el cual no se cuenta con su certeza, ya sea por su arbitrariedad;
fractalidad o indeterminación, aun así las piezas son mostradas con la
mejor versión en su último avance procesual, hacía lo efímero.

La pieza del dipsómano no tiene ningún relevante autobiográfico (auto-
proyección), sino trabaja como un juicio intencional para la sociedad en la
que me he desarrollado y tal vez disuelto en muchos sentidos. La pieza me
parece de gran acierto, en mi juicio hacia las instituciones públicas, como
una parte de esta idiosincrasia de la persona incomoda, el que esta sin
estar; de alguna forma el que se vuelve una estatua, todos le ven de una
misma forma, no tiene sentido humano, solo materico pues se ha vuelto un
objeto.
Por otro lado las piezas en el sentido procesual, aun no tienen un
registro final, por lo que en las imágenes se muestra el proceso que ha
llevado y su sentido, al justificarse como obras que van mutando para su
objetivo estético. El dipsómano cubierto por la espalda de musgo entre
otras partes, musgo como sector de vida que dejara una marca al caer
después, y con la humedad esta pieza de cemento blanco se irá destruyendo,
quedando el esqueleto de varilla oxidándose a la intemperie; dándole una
vida, metafóricamente hablando, á la escultura.
En este tipo de obras no hay aciertos sinceros, ni errores concretos, todo
se toma del devenir de la pieza, su porvenir y si finitud; con la propiedad
de la naturaleza caótica, azarosa pero a la vez elocuente, hermosa y
reflejante, en el sentido más narcisista de la existencia finita.

En el vaciado escultórico "pescando pescados", se ha llegado a un punto en
donde la pieza fue vaciada y pintada, aprovechando los errores de la pieza
fue colocado el musgo como zona de vida. Siendo esta pieza suspendida, su
tiempo de descomposición será mayor, en consecuencia de que la pintura le
impide el rápido crecimiento del musgo y evita la oxidación en las partes
ya procesadas, en el sentido de arte procesual; será más tardado, pero el
hecho o su fin está concluido en su registro hasta el momento.

El labrado de "mujer embarazada", me ha dado el significante de mis piezas,
seguirle regando es una cuestión muy importante, ver su crecimiento y
demás; como me paso en el principio de adentrarme en este proyecto, viendo
una piedra en forma de hongo, que labre por primera vez, en donde una capa
de musgo le cubrió por ser una piedra dejada; regada a la intemperie.
En general lo anterior dicho parte de esta idea de labrar algo y dejarlo a
la intemperie, en un lugar húmedo, entre otras aspectos climáticos como lo
es Toluca, México. También he incluido otros materiales, pensados para
soportar la vida sobre su figura, como el cemento con marmolina y cualquier
piedra falsa, o constructo materico de material orgánico; como es la tierra
y todos los elementos encontrados en ella de forma más pura, más cercana a
lo orgánico.














Glosario:

Bug – termino anglosajón que se refiere al error de programación, el cual
muchas veces afecta el sistema para reiniciarlo. Al usarlo en el ensayo se
enfoca a los errores de manufactura de la pieza los cueles son utilizados
para la reorganización de la pieza.

Dustinesca- palabra con la que libremente me refiero en el ensayo para
hablar de la forma de vida de amigo Dustin, en sentido metafórico a su
nombre, el cual le dio su padre por la intención de una letra de música de
un grupo Estadounidense, Kansas; una canción de tal grupo tiene un frase
que dice "Dust in the wind" - polvo en el viento- como su nombre su vida,
la conjugación de "dust-in" polvo en.









































Bibliografía.

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http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/942969 (junio 2013)









ANEXOS:











































-----------------------
[1] Realismo- En sentido genérico, se utiliza para denominar cualquier
representación artística imitativa o ajena a criterios idealizantes, y
alude tanto a la actitud hacia el tema como a la manera de representarlo.
(FAERNA, José María. GÓMEZ, Adolfo. Conceptos fundamentales de Arte.
Madrid: Alianza 2000 pág. 156)

[2] Naturalismo- En sentido general, este concepto abarca a las tendencias
artísticas que propugnan la representación fiel de los objetos tal como los
percibimos a través de los sentidos,… (FAERNA, José María. GÓMEZ, Adolfo.
Pág. 120)

[3] http://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardismo

[4] Zoomorfo- decoración en forma de animal. (ARROLLO F., María Dolores,
Diccionario de términos artísticos. Madrid: Aldebarán. 1997 pág. 288)

[5] "No podemos escapar a la idea increíble: el cosmos se organiza al
desintegrarse" (MORIN, Edgar. La naturaleza de la naturaleza. Madrid,
Cátedra. 2009 pág. 63)

[6] Edgar Morin (París, 1921), filosofo, antropólogo y sociólogo francés,
ha formulado un pensamiento complejo para abordar la realidad. Licenciado
en Geografía e Historia y derecho por la universidad de Toulouse, en 1941
interrumpió sus estudios para unirse a la resistencia francesa. En Francia
ha sido director del Centro Nacional De Investigaciones Científicas,
miembro del Centro Internacional de Estudios de Bioantropología y
Antropología y director del centro de Estudios de Transnacionales
disciplinares de la Escuela de Estudios Superiores en Ciencias Sociales.
La UNESCO ha creado la Cátedra Itinerante. El Método (seis volúmenes), su
obra más importante, afronta la dificultad de pensar lo complejo de lo
real. (MORIN, E. Op. cit. solapa)

2 Procesual, arte.- En arte se refiere a la manifestación que se desarrolla
en el transcurso del tiempo o aquel fenómeno que se desenvuelve en una fase
de serie sucesivas. (ARROLLO F. María, Óp. Cit. pág. 226)

[7] Sintaxis- La sintaxis, considerada como el estudio de las relaciones
sintácticas de los signos entre sí haciendo abstracciones de las relaciones
de los signos con los objetos o con los intérpretes, es la más desarrollada
de todas las ramas de la semiótica. (MORRIS, Charles. Fundamentos de la
teoría de los signos. Barcelona, Paidós Comunicación. 1994 pág. 43)

[8] Semántica- la semántica se ocupa de los signos con sus designata y, por
ello, con los objetos que puede denotar o que, de hecho, denotan. (MORRIS,
Charles. Op. cit. pág. 55)



[9] Un signo, o representamen, es algo que está por algo para alguien en
algún aspecto o capacidad.
[5/06/2013]

[10] Saussurre, Ferdinand. Significante.- eficacia "psíquica" de la imagen
acústica. Significado.- concepto abstracto de una cosa. (MARGARIÑOS, Juan
A. Las fuentes teóricas de la semiología: Saussure, Pierce, Morris. Buenos
Aires, Hachette. 1983, pág. 40.)


[11] Mario Perniola. Profesor catedrático de Estética en la Universidad de
Roma II (Tor Vergata). Nacido el 20 de mayo de 1941 en Asti (Italia), se le
considera como una de las figuras más relevantes de la filosofía italiana
actual. Son especialmente destacables sus análisis de teoría del arte, así
como sobre el arte y la estética contemporánea. Su obra se vincula con la
vanguardia, la Internacional Situacionista, la postmodernidad, el
posthumanismo y la teoría crítica.



[12] En lógica y filosofía del lenguaje, un metalenguaje es un lenguaje que
se usa para hablar acerca de otro lenguaje. (The Oxford Dictionary of
Philosophy, Oxford University Press, 2009).

[13] La cinestesia o kinestesia o quinestesia es la rama de la ciencia que
estudia el movimiento humano. (MILLÁN José A. y MILLÁN Rafael. Diccionario
de la lengua española, Vigésima primera edición, Madrid: Real Academia
Española. 1992).

[14] (El imperio de lo efímero
Lipovetsky, Gilles ) [Octubre 2012]

[15] Minimal art- Debe su nombre al filosofo Richard Wolheim en atención a
una nueva definición de sus formas basadas en la máxima simplicidad y
geometría. (ARROLLO F. María Dolores. Op. cit. Pág. 182)

[16] Procesual, Arte- En arte se refiere a la manifestación que se
desarrolla en el transcurso del tiempo o a aquel fenómeno que se
desenvuelve en una serie de fases sucesivas. (ARROLLO F. María Dolores. Op.
cit. 226)

[17] Land Art- Tendencia del arte Ecológico cuya particularidad es la
intervención sobre y en la naturaleza con el fin de alterar el orden
natural. (ARROLLO F. María Dolores. Op. cit. 162)

[18] Decorativas, Artes- Son las que en esencia, buscan la ornamentación de
los objetos útiles. (ARROLLO F. María Dolores. Op. cit. 96)

[19] Estado amorfo e indefinido que se supone anterior a la ordenación del
cosmos. / Confusión, desorden. / Comportamiento aparentemente errático e
impredecible de algunos sistemas dinámicos, aunque su formulación
matemática sea en principio determinista. (MILLÁN José A. y MILLÁN Rafael.
OP. cit. Pág. 48)




[20] [marzo 2013]

"[21] BAUDRILLARD, Jean. Cultura y simulacro: Barcelona: Kairós.2008. "
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[22]
[marzo 2013]
[23] [marzo 2013]

[24] [Octubre de 2012]



[25] IMMANUEL, Kant. Lo bello y lo sublime. México, D.F.: Grupo Editorial
Tomo. 2004

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[26] La escolástica fue la corriente teológico-filosófica dominante del
pensamiento medieval, tras la patrística de la Antigüedad tardía, y se basó
en la coordinación entre fe y razón, que en cualquier caso siempre suponía
una clara subordinación de la razón a la fe.
[abril 2013]

[27] Conceptual, Arte, Conjunto de tendencias de vanguardia que, basadas en
la eliminación del objeto artístico a favor del concepto o del
planteamiento teórico, surge a mediados de los 60… (ARROLLO F. María, Op.
cit. Pág. 79)

[28] En matemáticas, la sucesión de Fibonacci (a veces mal llamada serie de
Fibonacci) es la siguiente sucesión infinita de números naturales:
0,1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89,144,233,377…La sucesión comienza con los
números 0 y 1, y a partir de estos, cada elemento es la suma de los dos
anteriores.
[junio 2013]




[29] "de las leyes de la naturaleza a la naturaleza de las leyes". MORIN,
Edgar. La naturaleza de la naturaleza. Madrid: Cátedra. 2009 pág. 49

[30] Un error de software, comúnmente conocido como bug (bicho), es un
error o fallo en un programa de computador o sistema de software que
desencadena un resultado indeseado.
[junio 2013]

[31] Pragmática.- se entiende la ciencia de la relación de los signos con
sus intérpretes. (MORRIS, Charles. Op. cit. pág. 67)

[32] La homeostasis es el conjunto de mecanismos por los que los seres
vivos tienden a mantener constantes las propiedades de su medio interno. La
homeostasis se lleva a cabo mediante retroalimentación negativa.

[Junio 2013]

[33] Morin Edgar. Op. cit. Pág. 49.

[34] Pigmento.- Materia colorante preparada. (MONTREAL Luis, HAGGAR R.G.
Diccionario de términos de arte. Barcelona: Editorial Juventud. 1999. Pág.
320.)



[35] Craquelado.- Galicismo para designar a las fisuras o cuarteamientos en
la superficie de la pintura al óleo, porcelana… (ARROLLO F. María. Op. cit.
84)

[36] Ready-mades. Aceptación de objetos ya hechos o fabricados,
generalmente de carácter sugestivo, por ejemplo un retrete de porcelana, y
su exhibición como obras de arte. Marcel Duchamp … (MONTREAL Luis, HAGGAR
R.G. OP. cit. Pág. 343)



[37] Dustinesca- palabra con la que libremente me refiero en el ensayo para
hablar de la forma de vida de amigo Dustin, en sentido metafórico a su
nombre, el cual le dio su padre por la intención de una letra de música de
un grupo Estadounidense, Kansas; una canción de tal grupo tiene un frase
que dice "Dust in the wind" - polvo en el viento- como su nombre su vida,
la conjugación de "dust-in" polvo en.

[38] En lo que se escribe de Auguste Rodin.
http://www.arteespana.com/rodin.htm (27/4/2013).

[39] Contrapposto. Voz italiana con la que se indica la colocación en
direcciones opuestas de los miembros de una figura, método del que se
hallan antecedentes en la estatuaria clásica y que usaron sobre todo los
pintores renacentistas para dar una sensación de dinamismo compensado.
(MONTREAL Luis, HAGGAR R.G. OP. cit. Pág. 104)

[40] Réquiem para un amor- nombre de un proyecto escolar, en donde se
ensayo con varios tipos de materiales, buscando una figura femenina que
indicara sufrimiento, tanto gestual como corporal; llegando a la pieza que
se muestra en los anexos.

[41] Proyección- Es la representación grafica del punto, línea o figura
sobre una superficie plana. (ARROLLO F. María, Op. cit. pág. 228)



[42] José Luis Morales Jurado.– Maestro en artes plásticas con especialidad
en escultura impartiendo clases en la facultad de Artes de la UAEMéx desde
2000 a la fecha.

[43] http://www.bi2green.com/robot-que-come-materia-organica-para-generar-
su-propia-energia/ (junio 2013)

[44] http://artemexicano-odethe.blogspot.mx/2011/03/historia-del-arte-
mexicano-el-estilo.html