Las performáticas del cuerpo vestido.

LAS PERFORMATICAS DEL CUERPO VESTIDO

Claudia Fernández Silva Mauricio Velásquez Posada Texto publicado en: Fernández, C. (2013). De vestidos y cuerpos. Medellín: UPB. Palabras clave: Diseño de vestuario, Cuerpo, Vestido, Espacio, Performance, Movimiento, Vanguardias Artísticas, Artes Plásticas

 

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Las “Performaticas del Cuerpo Vestido”, hace parte de una reflexión mas amplia titulada “Experiencias y prácticas creativas alrededor del vestuario”, que se constituye como un proyecto de estudio sobre las relaciones plásticas entre el cuerpo y el vestido en el Taller de Procesos Creativos de la Facultad de Diseño de vestuario de la Universidad Pontificia Bolivariana. Es una reflexión de carácter teórico que se ha fundamentado desde la experiencia docente y profesional en las áreas del diseño y de las artes y el la que durante los últimos tres años, hemos diseñado metodologías que nos ayuden a responder de manera creativa. En “Experiencias y prácticas creativas alrededor del vestuario”, charla que tuvimos la oportunidad de compartir en este mismo espacio el año anterior, nos aproximamos a ciertos temas que desde nuestros intereses pedagógicos en el vestuario nos eran particularmente convenientes en la manera que queremos que los estudiantes entiendan en nuestro curso, las razones y raíces del vestido desde tres instancias: la superficie, la forma y el movimiento. Habíamos hablado de ellos como parte de una reflexión que entiende el vestuario como un acto que enfatiza el proceso de cubrirse, de trasformar la materia para que interactué con el cuerpo, buscando conducir al estudiante hacia una reflexión y acción donde sea posible expandir la idea del cuerpo y el espacio a partir del límite, es decir, el vestido. Pero sentíamos que había una deuda, que era necesario identificar

una

dimensión, alterna que aparece precisamente en esa relación dinámica entre el cuerpo y el vestido, una dimensión tercera que lo acoge, esfera que reúne en el mismo tiempo y en el mismo lugar, la dualidad: cuerpo —lo sentido, lo medible, el motor— vestido —el sentido, la medición, la carcasa; que hace posible reflexionar sobre esa nueva corporalidad que se abre ante nuestros ojos, corporalidad que cada estudiante desde su trabajo personal intuye y construye. Es en ese punto en el que el termino anglosajón “performance” desde

 

su

significado

literal

en

el

ingles

(acción,

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procedimiento, acto) hacia su abordaje desde el arte nos ayudara a explorar nuestros cuestionamientos e intereses alrededor del cuerpo vestido. La performance es una realización individual de carácter temporal o efímero que cubre un amplio campo de practicas (Danza, artes plásticas, música, etc.…), de técnicas audiovisuales y soportes; utiliza el cuerpo y es por lo general no verbal. Se efectúa delante de un público en un escenario, una sola vez o un número de veces muy limitado, Es interactivo al invitar al espectador a conceptualizar los límites entre su cuerpo y el del performer. La performance, apunta hacia una nueva forma de ver el diseño y lo entrega a un nuevo discurso critico; en una época dominada por la transdisciplinariedad, laperformance puede servir como un medio para entender la realidad y los argumentos sobre la reflexión y el pensamiento humano: el cuerpo puede ser el medio para explicar algunas de las practicas filosóficas de los últimos años. El estudio de las practicas corporales puede usarse para entender el pensamiento contemporáneo y en ello lo que corresponde al diseño el diseño. Asumiremos la performance desde la acepción específicamente relacionada a la acción, a la manera, a la serie de semejanzas posibles y realidades ficticias en interacción dinámica cuerpo – espacio – acción, y que exploramos a través de la relación plástica entre el cuerpo y el vestido teniendo como medio, o principal soporte expresivo al movimiento.

- Antecedentes El movimiento como fenómeno estético El movimiento como materia plástica concreta se incorpora a la producción artística. a principios del siglo XX, su comprensión como fenómeno solo es posible a partir

de

a los estudios científicos acerca de la percepción del mismo y los

mecanismos fotográficos para capturarlo; de igual forma la relación estética que

 

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establece con el mundo es una expresión de las dinámicas sociales regidas primordialmente por la introducción del concepto de velocidad proporcionado por la maquina y el advenimiento de la industrialización. Maquina

y

movimiento

engendran

una

idea

dinámica

del mundo

cuya

representación se encuentra circunscrita por diferentes posturas críticas e ideológicas que definieron a muchos artistas como movimiento artístico. Encontramos como principales

representantes

de

estas

posturas

a

los

Futuristas

italianos,

los

Constructivistas rusos y los artistas de la cinética como Boccioni. Para los futuristas, la representación del movimiento sería la gran aportación que les iba a identificar como grupo autónomo y separado de los otros movimientos artísticos. Declararemos que el esplendor del mundo ha sido enriquecido por una forma nueva de belleza: la belleza de la velocidad, afirmaban en su manifiesto. La velocidad y el continuo movimiento; les abriría las puertas hacia otro orden, aquel regido por el espacio-tiempo. Así el Futurismo brindaría al arte un nuevo lenguaje basado en la idea común de representar a una nueva sociedad en un constante y frenético movimiento. Apoyados en los estudios de movimiento de Marey (1830-1904), médico y fisiólogo francés, quien desarrollo en 1882 un sistema de fotografía múltiple llamado fusil fotográfico para capturar el movimiento de hombres y animales, los futuristas plasmaron en sus trabajos esa idea fragmentada del desplazamiento en secuencia sobre una sola imagen. Las cronoforgrafias de Marey a diferencia de la toma cinematográfica que consigue la secuencia por medio de la película multisoporte, donde se suceden el conjunto de fotogramas que va a formar la ilusión de imagen en movimiento, permitían analizar de forma detallada las dinámicas de esos cuerpos en movimiento capturándolos y comprendiéndolos como un mecanismo. De la misma manera el trabajo sobre el movimiento estroboscópico y la forma en que se comporta la retina al percibir las distintas imágenes de Wertheimer (1880-1945), investigador

 

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estadounidense de origen checo y uno de los máximos exponentes de la Gestalt, reforzaría esta idea de simultaneidad. Umberto Boccioni intenta trasladar la idea de movimiento en la escultura. Pensar en la utilización de medios mecanicistas para animarlas. Esta idea de incluir elementos móviles y aplicarles además una fuerza motriz, como si de máquinas se trataran, van a ser sin duda una premonición de lo que más tarde se va a considerar la escultura cinética. Por su parte Robert Delaunay la importancia del color como reflejo de esa constante sensación de cambio y movimiento que producen ante nuestros ojos, por ejemplo, las nuevas visiones de los carteles luminosos en la noche de la ciudad. Delaunay incorporaría la sensación de dinamismo con base a sus formas circulares y al color; así como la aplicación de la teoría de contrastes simultáneos de Chevreul. Pero es en la obra cinética donde el movimiento deja de ser pura representación y se convierte en acción, ya sea como variación o como cambio, como medio o finalidad. El cinetismo es un término que hace referencia al movimiento en general englobando además otros términos como alteración y cambio tanto en el espacio como en el tiempo. Los artistas cinéticos buscarían el movimiento como elemento referencial y sustentador de su particular forma expresiva. La dinámica, más que nunca, representaría la constante relación entre materia y energía; La mecánica, en cualquiera de sus formas regularía esa relación; El movimiento, visible o no, representaría la constante vital de esa misma relación.[1] Comprendemos desde estas interpretaciones plásticas sobre el movimiento se convierte en una preocupación estética cuyas exploraciones creativas sientan las bases de nuestros actuales estudios académicos sobre cuerpo vestido y movimiento.

 

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In-corporar el Movimiento El cuerpo humano ha sido uno de los protagonistas principales de la historia del arte y de la reflexión teórica contemporánea, desde las posturas más conservadoras y reaccionarias como la bioética hasta posturas progresistas y liberales como la teoría Queer y las reflexiones de Michel Foucault en torno a la Biopolítica, que en los últimos años se ha convertido en un nuevo fenómeno de la vanguardia artística. Su práctica en el ámbito del vestuario. Al concentrarse en el cuerpo como medio y soporte de expresión, se trastocan los

sentidos

y

nos

percatamos

de

cómo

estos

han

sido

manipulados.

La

performance explora la inmediatez, lo táctil y lo efímero, cualidades envidiables e imposibles para otras formas de expresión. El concepto de cuerpo vestido varía según como se plantee a cada sociedad el problema del contexto y sus prácticas vestimentarias: de las políticas e intereses que le dan forma, el trabajo el deporte, la recreación, la moda. Etc. El mundo social es un mundo

de

cuerpos

vestidos

por

tanto

cuerpos

en

acción,

que

se

expresan

performaticamente desde sus desplazamientos por las calles hasta los aspectos más íntimos en el espacio de lo privado. Dentro del vestuario

y en especial a través de la performance, el cuerpo

humano es cuestionado desde sus mas hondas convenciones como una construcción social que nos acerca cada vez mas a los estereotipos del afanado cuerpo ideal. Trabajos como los de Leigh Bowery, Rey Kawakubo, Issey Miyake, Hussein Chalayan y Gareth Pugh nos colocan en la lógica del límite trazado por occidente y su concepción de cuerpo como armonía, simetría y proporción entre las partes con la introducción de elementos de inestabilidad, exageración y deformación a través de juegos con la silueta y las cualidades formales y mecánicas de la superficie. Bowery, Miyake y Chalayan aportarán de manera particular la noción de movimiento en sus desarrollos vestimentarios, desde los vestidos transgresores de bowery que persiguen la

 

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subversión como valor estético en sus puestas en escena, las investigaciones textiles y constructivas de Miyake que hacen del cuerpo en acción una sucesión escalonada de color en una experiencia lúdica con el vestido y las formas cambiantes de los animatrónics de Chalayan conectadas a fragmentos musicales del siglo XX en su exhibición en pasarela. Incorporar el movimiento significa por tanto introducir el ánima al vestido dotarlo de vitalidad. Si bien la ropa y el adorno hacen siempre referencia a un cuerpo aun cuando están desprovistos del mismo, fabricados a partir de sus forma y proporción, no es sino cuando vuelven a ellos cuando se vuelven significantes, vehículos de expresión y símbolos de identidad, dado que nuestro cuerpos vestidos no son cuerpos escultóricos en cuanto expresivos pero estáticos sino cuerpos rutinarios, el vestido habrá de revelar ese encuentro en una serie de acontecimientos que van desde la tracción del movimiento de las extremidades con el textil, la expansión y contracción de la superficie , las ondulaciones de producidas por las caídas de ciertos materiales que se encuentran en una determinada relación espacial con el cuerpo, las rotaciones de las faldas cuando giramos, los movimientos pendulares de los accesorios, el pliegue y despliegue que moldea al vestido en las articulaciones dejándoles la impronta de nuestra forma anatómica cuando los deshabitamos. Es en la performance donde el cuerpo vestido encontrara sus preceptos, imaginarios y ensoñaciones, el paisaje escenográfico en el que desplegar su geografía compuesta, su sensualidad desbordada, sus coreografías planeadas o improvisadas previsibles e imprevisibles, para hacerse corporalidad animada. [1] El movimiento estroboscópico alude a la persistencia de la imagen en la retina aun cuando ya se está percibiendo la siguiente, por lo que el cerebro al recibir esa sucesión de señales correspondientes a la secuencia de imágenes que se van superponiendo ayudarán a crear esa sensación de continuo movimiento.  

 

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