EL CINE MUSICAL DE HOY COMO VIDEOCLIP DE LOS GRUPOS POP DE AYER. EL CASO DE MAMMA MÍA! Y ABBA. PARALELISMOS Y PARADOJAS.

EL CINE MUSICAL DE HOY COMO VIDEOCLIP DE LOS GRUPOS POP DE AYER. EL CASO DE MAMMA MÍA! Y ABBA. PARALELISMOS Y PARADOJAS. Elsa Calero Carramolino Universidad Autónoma de Madrid1

INTRODUCCIÓN. El objeto de este trabajo es ofrecer un análisis de la película Mamma Mía! Como medio difusor de las canciones del grupo ABBA, disuelto en 1982. La anexión de un argumento sencillo, popular y melodramático funciona como la combinación perfecta a la hora de “poner a la venta” un producto musical que podría considerarse gastado, bien porque el mencionado grupo ya no compone nuevas canciones, bien porque el público al que iban dirigidas éstas y el contexto de éste ha cambiado2. La disposición de los “hits” del grupo entorno a una situación sencilla, juvenil y familiar sirven para recrear el entorno musical en que sus intérpretes se movían, pero también para establecer lazos de unión con un nuevo público mediante la selección de actores, que no solo reúne a aquellos que ya son bien considerados en la industria cinematográfica3 – Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgård, Julie Walters y Christine Baransky – sino que apuesta por nuevos rostros – como Amanda Seyfried y Dominic Cooper. Por otro lado la selección de canciones que sean capaz de “encajar” en la trama principal, al mismo tiempo que desarrollan momentos dramáticos independientes provistos de una escenografía, coreografía, música e interpretación propios. Así la canción se convierte en el objeto protagonista, más allá de quienes las interpretan, convirtiendo esta película en una sucesión de momentos musicales que pudieran ser entendidos como videoclips. Este hecho no hace sino favorecer la recepción de la música del grupo en el mercado, puesto que mientras éste estuvo en activo sus vídeos no albergaron mayor expectativa que la de satisfacer la necesidad de ser emitidos en televisión como sustituto de las actuaciones en directo, tal y como sucediera con The Beatles o Queen. Sin embargo, la intervención de Benny Andersson y Björn Ulvaeus – ambos compositores e intérpretes de ABBA

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Esta ponencia fue leída el 18/03/2014 en el congreso La música en el videoclip y la publicidad. Un acercamiento a la cultura audiovisual contemporánea, organizado por el Departamento Interfacultativo de Música celebrado en la Universidad Autónoma de Madrid. 2 Para comprender la relación entre la música y la imagen a nivel de discurso como parte de un todo narrativo y la influencia de la una sobre la otra, tal y como sucede en este filme, se ha recurrido al libro: MARTÍN SÁNCHEZ, Gonzalo: La música y la evolución de la narración audiovisual. La narración musical en los videos musicales. Badajoz: @becedario, (2010). 3 La información referida al film ha sido extraída de: LLOYD, Philida: Mamma Mia!. Edición especial. EEUU: Universal Studios (2008).

– en la producción del film no solo repercute en los arreglos que se hacen de las canciones, sino también en la puesta en escena. Esto se hace visible mediante “guiños” a los vídeos originales, siendo el caso más llamativo y evidente el de la canción The winner takes it all o Super Trouper, así como mediante los “cameos” de los miembros del grupo en estas escenas como sucede en Dancing Queen. Al mismo tiempo que se efectúan estos paralelismos se juega también con la oposición, creando una atmósfera totalmente diferente a la original, tal y como sucede en Gimme, gimme, gimme (a man after midnight). El despliegue conjunto de un dispositivo cinematográfico actual – argumento, escenografía, desarrollo técnico, producción, publicidad, y un largo etcétera – al servicio de una canción , conjunto de canciones y en definitiva a la marca de un grupo.

ABBA: UNA BREVE CRONOLOGÍA DE SU HISTORIA Y EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA. ABBA (1974-1981) es el acrónimo del grupo sueco conformado por fue un grupo sueco de Benny Andersson, Anni-Frid «Frida» Lyngstad, Björn Ulvaeus y Agnetha Fältskog. Aunque los miembros del grupo comenzaron a trabajar conjuntamente en 1972, no sería hasta 1974 cuando lograron introducirse en la industria musical gracias al Festival de la Canción de Eurovisión, en el que presentaron Waterloo La agrupación fue desde ese momento reconocida, ganando popularidad debido a diversos factores entre los que se encontraban el empleo de melodías pegadizas, letras simples y un sonido característico, producido por las armonías de las voces femeninas y el empleo del wall of sound, creado por Phil Spector. Sus primeras grabaciones tuvieron un gran impacto comercial, llevándoles a convertirse en la banda con más ventas de la década de 1970.4 El mismo modo ABBA fue el primer grupo pop europeo en experimentar el éxito en países de habla inglesa fuera de Europa, principalmente Australia, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Canadá y en menor medida Estados Unidos. En la trayectoria profesional y estilística de ABBA puede distinguirse, como en todo buen argumento, una presentación, un nudo y un desenlace. Cada una de estas fases aparece bien definida y casi siempre acompañada de la evolución y recepción del grupo entre el público.

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HART, Jeffrey “ABBA film making DVD debut”. En: Billboard. (26 de septiembre 2005). https://archive.is/tuZ4. (Consultado: Marzo 2013)

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Desde la victoria de Eurovisión hasta The Movie (1974-1977). El 6 de abril de 19745, Waterloo representó a Suecia en la XIX edición del Festival de Eurovisión, tema inspirado por el creciente glam rock en el Reino con un estilo pop glam producido con el wall of sound arreglado por el ingeniero Michael B. Tretow6. Fue en este momento cuando el grupo dejó clara su capacidad de desarrollar una llamtiva puesta en escena, puesto que los cuatro miembros llevaron atuendos vistosos, diseñados por Inger Svvenke, y el director de orquesta Sven-Olof Walldoff se disfrazó como Napoleón Bonaparte – en respuesta a la letra de la canción. – A pesar de que la interpretación vocal de los cuatro no fue la mejor, el número en sí rompió con varios estereotipos propios del festival. Ganar el festival les concedió la oportunidad de viajar por Europa y presentarse en importantes programas de televisión como Top of the Pops, Domino, Starparade, Toppop y Ladies and Gentlemen. Posteriormente a Waterloo, el siguiente sencillo publicado sería Honey, Honey. Ese mismo año se embarcaron en su primera gira internacional, aunque la acogida por parte del público no fue la esperada, viéndose obligados a cancelar varios conciertos. En 1975 el grupo lanzó su tercer álbum de estudio ABBA que incluía las canciones I Do, I Do, I Do, Mamma Mia, SOS y Bang-A-Boomerang en el programa de televisión australiano Countdown, dio comienzo a un inmenso interés público por ABBA en aquel país. A finales de ese año RCA Records —su sello discográfico en el continente australiano— decidió publicar la compilación The Best Of ABBA, algo que sin duda fue criticado, ya que parecía demasiado pronto para el lanzamiento de un álbum recopilatorio, sin embargo, la buena acogida que éste tuvo entre el público deshizo los comentarios negativos anteriores. En este momento ABBA comienza a ser reconocido como un grupo de gran influencia en el panorama musical pop. En 1976, junto a la creación del logo de la banda, se lanzaría el sencillo Dancing Queen, calificada por la revista Rolling Stone como una de las mejores canciones de la historia. Desde luego lo que sí estuvo claro es que Dancing Queen se convirtió en la canción identificativa del grupo, así como de su estética, basada no solo en melodías pegadizas como soporte de letras naive y generalistas, lo que les aportaba esa esencia inocente y juvenil pero también atractiva, que no pasaba nada desapercibida, si se unía a los vistosos vestuarios, como ya se ha comentado en líneas anteriores. Dancing Queen, fue la primera canción en atrapar al público en una espiral identitaria, del

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Información sobre el Festival de la Canción de Eurovisión, extraída de: UER: “Eurovision Song Contest 1974”. En: Eurovision.tv. (2012), http://www.eurovision.tv/page/history/byyear/contest?event=290 (Consultado: Marzo 2013) 6 PALM, Carl Magnus. “Waterloo liner notes”. En: Carl Magnus Palm.com. (2001) http://www.carlmagnuspalm.com/abba/studio-albums/the-remasters/waterloo-remaster-track-listing/waterloo-remasterliner-notes (Consultado: Marzo 2013)

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mismo modo en que fue en este momento en el que la banda definía el público y el entorno al que se dirigía, y lo hacía en la misma letra de la canción:

Friday night and the lights are low looking out for a place to go where they play the right music getting in the swing you come to look for a king (…) You are the Dancing Queen young and sweet, only seventeen . Dancing Queen feel the beet from the tambourine you can dance, you can dance having the time of your life. See that girl, watch that scene dig in the Dancing Queen.7

Pero el sencillo Dancing Queen no vino solo. A él se sumaron Knowing you, knowing me y Money, money, money una canción que rompía con los prototipos establecidos hasta ahora por la banda para sumergirse en la estética del cabaret y empaparse de su astucia y picaresca, abandonado, temporalmente la inocencia y comercialidad característica de las canciones anteriores. La temática maduraba, y eso al “respetable” no le satisfizo. 1976 sería también el año en que ABBA se embarcara en una de sus giras más amplias y de mayor duración. Hacia 1977 la banda ya era reconocida como una de las agrupaciones de mayor repercusión comercial, al mismo tiempo que proseguían las giras por distintos países, se difundió la películadocumental ABBA: The Movie, en la que - como ya sucediera en el caso de The Beatles con A hard’s day night – se muestran varias escenas reales del grupo en su visita a varias ciudades, incluyendo fragmentos de los conciertos, ruedas de prensa y entrevistas con algunos seguidores de ABBA. Tras la promoción de ABBA: The Movie, la banda lanzó el sencillo The Name Of The Game, donde mostró – pese a las reticencias que el público ya había hecho explícitas con Money, Money Money – otro cambio en las melodías y el estilo de su música, hacia un estilo más personal – dejando entrever el estilo personalista e intimista de su última etapa8. El estreno de la mencionada película vendría acompañada del lanzamiento de The Album, su quinto álbum de estudio. La promoción conjunta de ambos elementos influyó de forma directa en la recepción de ambos elementos, puesto 7

ANDERSSON, Benny; ULVAEUS, Björn: Dancing Queen. RCA Records (1976) CORICH, Robert M. Reseña Musical: ABBA 1973-1982. Londres: Edgehill Publishing (2006). En este libro el autor ofrece una visión crítica acerca de los distintos sencillos que la agrupación sueca publicó a lo largo de su trayectoria. 8

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que, si bien no era la primera vez que la venta de la música se unía a la venta de la imagen de un grupo mediante vídeos promocionales, si era la primera vez en que película y álbum se distribuían de forma conjunta, como sello y producto de un grupo musical. Take a chance on me, ABBA en español (1978-1980). If you change your mind, I'm the first in line Honey I'm still free Take a chance on me If you need me, let me know, gonna be around If you've got no place to go, if you're feeling down If you're all alone when the pretty birds have flown Honey I'm still free Take a chance on me Gonna do my very best and it ain't no lie If you put me to the test, if you let me try9

En 1978 ABBA y su obra eran reconocidos por gran parte de los músicos de aquella época, hecho que no quedó exento de una nueva y efectiva campaña publicitaria en la que se declararon como the most commercial group from the recorded music industry10. Así, Take a chance on me se convirtió en la canción más vendida del grupo, superando a Dancing Queen. En ese mismo año, como fruto de la promoción de su nuevo álbum, el grupo volvió a romper su estética habitual grabando la canción más larga interpretada por ellos hasta entonces, Eagle, de casi seis minutos de duración. 1978 se convirtió en el año en que el grupo decidiría expandirse hacia el público de habla no inglesa. España, junto con el resto de países de habla hispana, fue la principal beneficiaria de ésta decisión. Si bien el idioma nunca supuso una barrera en las canciones del grupo, quienes desde el principio mantuvieron títulos sencillos comprensibles en cualquier idioma como SOS o Mamma Mia! a la par que sus letras nunca fueron lo suficientemente sofisticadas como para que el argumento de las mismas resultara incomprensible en cuanto a términos de fondo argumental. Hecho que unieron a la repetición constante de frases cortas. Repetición y sencillez, dos elementos que se unieron a la difusión de sus canciones en castellano. De este modo llegaron Chiquitita, Estoy soñando, Gracias por la música, Fernando y Dame, dame, dame. Al año siguiente presentarían Voulez-vous? En el programa Aplauso (1978-1983)11, dirigido por José Luis Ibarruri (1936-2012).

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ANDERSSON, Benny; ULVAEUS, Björn: “Take a chance on me”. En: The Album. RCA Records (1977) SCHULMA, Leif: “Largest selling group ever? - Giant ABBA push for U.S., Japan” En: Billboard Vol. 90, nº16 p. 76. 11 CORICH, Robert M: Op. Cit. 10

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Progresión y declive. When all is said and done (1980-1982). Después de finalizar su gira por Japón, la agrupación se tomó un breve descanso para comenzar la grabación de su séptimo álbum de estudio, Super Trouper, el cual reflejaba cierto cambio en el estilo de su música al abandonar la influencia disco, con un uso más prominente del sintetizador y un incremento de las letras personales.

The judges will decide the likes of me abide spectators of the show always staying low. The game is on again a lover or a friend a big thing or a small the winner takes it all12

The Winner Takes It All, su octavo número uno en la lista UK Singles Chart —y el primero desde 1978—. En Estados Unidos, el sencillo llegó al número ocho en el Billboard Hot 100 y se convirtió en el segundo número uno de ABBA en el Hot Adult Contemporary13; aparte de los anteriores también logró entrar a las primeras diez posiciones de otras quince listas. La letra de la canción, escrita por Björn, muy marcada por la problemática personal, unida a la dolorosa interpretación de Agnetha, sentó las bases del punto de inflexión en la estética del grupo. Se alejaban, así, definitivamente de la estética y estilo iniciales para dar lugar a canciones más introspectivas, personales e intimistas con matices melancólicos. En el mismo album se incluyeron otros hits de la banda como On and on and on¸ Our last summer y Happy New Year. En noviembre de 1981, ABBA publicó The Visitors, su octavo y último álbum de estudio. Este disco mostraba una madurez en los compositores y un marcado sentimiento de distanciamiento de sus primeras grabaciones, pero manteniéndose dentro del estilo pop, con melodías pegadizas sencillas. Sin embargo, a diferencia del resto de álbums, las canciones trataban temáticas complejas, contrastando con sus anteriores trabajos. Este cambio en el contenido tuvo como consecuencia un relativo declive comercial. A pesar de ello, en 1982, The Visitors, se convirtió en el primer Compact Disc de la industria musical. When all is said and done y One of us se convirtieron en los sencillos más vendidos del album, junto a Slipping through my fingers:

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ANDERSSON, Benny; ULVAEUS, Björn: “The winner takes it all”. En: Super Trouper. RCA Records

(1980). 13

CORICH, Robert M, Op. Cit.

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Clear headed and open eyed with nothing left to try standing calmly at the crossroads,no desire to run there's no hurry any more when all is said and done14

La estética del videoclip en ABBA. Efectivamente, no puede afirmarse que el grupo ABBA fuese uno de los pioneros en el empleo del videoclip, del que si bien hicieron un uso continuado a lo largo de su carrera, contando con veinticinco clips antes de la inauguración de la MTV en 1981 15. Sus videos se limitaron en la mayoría de los casos a satisfacer las necesidades de la sustitución de actuaciones en directo, como ya sucediera con The Beatles, sin embargo, en su caso prácticamente todas las canciones que fueron lanzadas como sencillos contaban con su versión audiovisual. Hecho que en parte explica la escasa sofisticación de tales vídeos que tenían que satisfacer una producción masiva en un tiempo, aparentemente, escaso. Pese a ello, algunos de sus videos llegaron a convertirse en clásicos, no solo debido al uso de sus peculiares vestuarios, sino al empleo de efectos especiales en los que se mostraban a los miembros del grupo en diferentes planos, jugando siempre con el factor “pareja-dúo”, sobreponiendo los perfiles de sus rostros o cantando frente a frente, como es el caso de Mamma Mia! o Fernando. A la unidad estilística característica del grupo se unió la aportación de Lasse Hallström16, quien dirigió la mayoría de sus vídeos musicales, incluída ABBA: The movie. Luego con estos vídeos, no solo se garantizaba la emisión y difusión de las canciones del grupo, sino también de la propia marca ABBA, en cuanto a una identidad sonora y estilística.

ABBA, después de todo, puede no obtener mucho respeto, pero se encuentra entre las bandas más queridas en el planeta; su impacto transcultural une a las drag queens europeas, las amas de casa del medio oeste, los hipsters neoyorquinos y los estudiantes japoneses, conectando la cultura general con las subculturas satélites.17

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ANDERSSON, Benny; ULVAEUS, Björn: “When all is said and done”. En: The visitors. RCA Records (1981). PALM, Carl Magnus: “Our Last Video Ever”. En: ABBA Site.com. (2004) http://www.abbasite.com/our-last-video-ever/ (Consultado: Marzo 2014). 16 Lasse Hallström (1946-) es director de veinticuatro filmes, entre ellos de Mi vida como un perro (1985), ¿A quién ama Gilbert Grape?(1993), Chocolat (2000), Querido John (2010) y El hipnotista (2012), entre otras. Se observa así el trasvase entre la industria cinematográfica y la industria del videoclip, puesto que en este caso, el director mantuvo de forma paralela tanto su carrera cinematográfica como su carrera en la industria del videoclip, de mano del grupo ABBA. Esto no quedaría sólo aquí, ya que Lasse Hallström, otorgaría a Amanda Seyfried – actriz – el papel protagonista en Querido John (2010), hecho que adquiere relevancia si se tiene en cuenta que esta actriz era co-protagonista en el filme Mamma Mia! (2008) – dirigido por Phillida Lloyd – con motivo de la representación cinematográfica de la obra de teatro musical del mismo nombre. De esta forma se genera una red a través de la música y la industria del videoclip, que afecta al cine y a las relaciones profesionales establecidas. 17 VINCENTELLI, Elisabeth: ABBA Gold. Nueva York: Continuum (2004), p.1. 15

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MAMMA MIA! DEL WEST END A LA GRAN PANTALLA18. La idea de utilizar las canciones del grupo ABBA para crear un musical con una trama original, ajena a la historia y retrato del propio grupo, surgió ya en 1983 – casi inmediatamente después de que sus miembros decidieran emprender carreras en solitario – de mano de la dramaturga Catherine Johnson, quien reutilizó para su libreto la película Buona sera, Mrs Campbell (1968). Sin embargo, no es esta la primera conexión de ABBA con el teatro musical, ya que en 1981 tanto Benny Andersson como Björn Ulvaeus formaron parte de la dirección creativa de Chess19. El argumento, sencillo, cómico, melancólico y sentimental cuanta la historia de Sophie Sheridan –hija de Donna Sheridan – quien para tener la boda perfecta desea que su padre – al que no conoce – le acompañe al altar. – A partir de este momento una serie de tramas secundarias junto a la búsqueda del padre de Sophie alimentan el argumento, en parte nutrido por las canciones de ABBA – que si bien han sido dispuestas conforme a la posible correspondencia de éstos momentos musicales co,n la trama principal – terminan convirtiéndose en momentos dramáticos de tres minutos con su propio hilo argumental. No sería hasta 1995 cuando la idea comenzara a coger forma con la presencia de Judy Carymer, Richard East y Björn Ulvaeus en la producción de la misma, a la que la asociación con los estudios cinematográficos Universal, hicieron de este musical una concepción tridimensional. El musical fue concebido, desde un principio, para ser distribuido tanto en el teatro, como en su versión cinematográfica, así como a nivel musical, en cuanto a la difusión de las canciones empleadas, lo que de nuevo relanzaba al, ya retirado grupo, al estrellato. Muestra de ello fue la reutilización de la cabecera creativa que dio lugar a la versión del West End, para las versiones de Broadway y posteriormente el filme. Así Phyllida Lloyd (1957-), se hizo cargo de la versión teatral y de la versión cinematográfica, del mismo modo que sucedió con Anthony Van Laast, diseño de producción de Mark Thompson, diseño de iluminación de Howard Harrison, diseño de sonido de Andrew Bruce y Bobby Aitken y supervisión musical de Martin Koch20. En 2008 la versión cinematográfica – grabada entre las islas griegas y los estudios de la PineWood – contaba con un amplio elenco – Meryl Streep como Donna Sheridan; Amanda Seyfried como Sophie Sheridan; Julie Walters como Rosie; Christine Baranski como Tanya; Pierce Brosnan como Sam Carmichel; Colin Firth como Harry Bright; Stellan Sarsgard como Bill Anderson; Ashley Lille como Ali; Rachel MacDowell como Lisa; Dominic Cooper como Sky y Phillip Michael como 18

LLOYD, Philida: Op. Cit. Ibídem. 20 Datos extraídos de:"West End's Mamma Mia! will move to the Novello Theatre" . En: Broadwayworld.com. (13 de octubre de 2011) http://www.broadwayworld.com/article/West-End-MAMMA-MIA-Will-Move-to-the-Novello-Theatre20111013#.Ux2T58uPLmQ (Consultado: Marzo 2014) 19

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Pepper – además de con un amplio espectro de actores de “actores de relleno”. Frente a la versión teatral de la obra, la adaptación cinematográfica contaba con un grave inconveniente, ya que se disponían a realizar una película musical con actores que no eran cantantes, y que no habían trabajado en la industria del cine musical. El rodaje se terminó convirtiendo en una escuela de canto e interpretación que permitiese explotar las máximas cualidades de cada actor tanto a nivel interpretativo como vocal, ya que el reparto fue escogido antes de someter a los actores a una prueba de voz. Hecho, que hasta entonces, no había sucedido en el cine musical, donde a menudo se rescataban a los actores del teatro para la gran pantalla, como es el caso de Julie Andrews en The sound of music (Sonrisas y Lágrimas). Lo cierto es que los actores elegidos, supieron salvar las dificultades con bastante éxito, pese a que algunas canciones tuvieron que ser modificadas en cuanto a registro y tesitura para adaptarse a las “cualidades vocales” de cada intérprete. En este caso, pesó más la promoción del filme, que se mediatizó con la presencia de actores reconocidos en la industria hollywoodiense, al mismo tiempo que sirvió de lanzadera para otros jóvenes actores como Amanda Seyfried. No obstante, se trataba de cine musical, y de unas canciones que ya eran preexistentes y conocidas por un amplio espectro del respetable, que no solo conocía las versiones interpretadas por el grupo, sino que seguramente había acudido a alguna de las representaciones teatrales del musical. Si la interpretación de las mismas fallaba, entonces el filme lo haría también. Para la cinta se utilizaron las mismas canciones que para la versión teatral del musical, dispuestas en el mismo orden, jerarquía característica, ya que no solo se hallan dispuestas de acuerdo al sentido argumental más favorecedor, sino que también nos ofrecen una visión de la evolución del grupo – como dueño, compositor e intérprete original de dichas canciones – asociada a la evolución y madurez adquirida por el argumento dramático. Así, el orden de las canciones utilizadas sería el siguiente:

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Título

Personaje que la interpreta

Minuto en el que aparece

Año de debut

¿Acompañada de vídeo promocional?

PRIMER ACTO I Have A Dream

Sophie

Inicio

1979

Si. Dirigido por Urban Lasson

Honey, Honey

Sophie, Ali y Lisa.

4:29

1974

No

16:30

1976

25:00

1975

30:00

1979

35:04

1975

Money, Money, Money Mamma Mia! Chiquitita Dancing Queen Our Last Summer

Donna Tanya y Rosie Donna, Tanya y Rosie Sophie, Sam, Harry y Bill

No

43:28

Si. Fragmentos de otros vídeos de Lasse Hallström

Sky y Sophie

Super-Trouper

Donna, Tanya y Rosie

46:21

Todos

1:40 y 49:50

1980

S.O.S. Does Your Mother Know? Slipping Through My Fingers The Winner Takes It All I Do, I Do, I Do When All Is Said And Done Take A Chance On Me

Todos Sam y Donna

Dirigidos por Lasse Hallström

39:56

Lay All Your Love On Me

Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)" Voulez Vous?

Si.

54:11 SEGUNDO ACTO 1:02:00

1979 1979

Si. Dirigido por Lasse Hallström

1974

Tanya y Pepper

1:06:30

1979

Donna y Sophie

1:12:20

1981

Donna Sam, Donna y las mujeres Sam, Donna y los demás Rosie y Bill

1:17:00

1980

1:26:30

1975

1:28:00

1981

1:33:00

1977

No

Si. Dirigido por Lasse Hallström

Según la versión teatral, y de igual modo puede apreciarse en la adaptación cinematográfica, la trama se divide en dos actos, que a nivel musical se estructura de la siguiente forma: Un primer acto que se inicia con I have a dream – canción que sirve para dar una estructura circular cerrada a la película, puesto que con ella se inicia la historia y con ella finaliza – y que experimenta su propia evolución, en cuanto a los temas que emplea, ya que las canciones elegidas han sido dispuestas cronológicamente en el tiempo argumental, pero también cronológicamente en la ~9~

trayectoria del grupo. Así se inicia el acto con Honey, honey (1974) al mismo tiempo que se nos presenta la trama – Sophie le cuenta a sus amigas que ha encontrado el diario de su madre, y a consecuencia ha utilizado el pretexto de la boda para buscar a su verdadero padre – de igual modo que al alcanzar el punto inflexión y de mayor clímax del argumento las canciones empleadas pasan a ser del año 1979 y 1980, es el caso de Voulez-vous?, canción empleada para llevar a los protagonistas al punto de inflexión que la trama deberá adquirir antes de seguir. Del mismo modo, dentro de cada acto, puede observarse como aquellos momentos intimistas y que aluden a la caracterización interna de los personajes son “ilustrados” con canciones de una madurez mayor dentro de la trayectoria del grupo, tal es así con Chiquitita (1979), como ese momento de consuelo entre amigas. El segundo acto se inicia con una de las canciones editadas en el primer álbum del grupo, SOS (1974), esta regresión sonora, frente la evolución experimentada en el primer acto, y con la que se cierra el mismo, no hace sino remitirnos a un tiempo pasado, que viene dado, tanto por la música, como por la letra de la misma – con referencias continuas a ese tiempo pasado – al mismo tiempo que el argumento nos lleva hasta una pareja rota que habla de un amor pasado:

Where are those happy days, they seem so hard to find. I tried to reach for you, but you have closed your mind. Whatever happened to our love? I wish I understood It used to be so nice, it used to be so good.21

Sin embargo algo ha cambiado en el guion y esto se observa, principalmente en el empleo de la música, que se sucede con mayor frecuencia, reduciendo la presencia del texto declamado para pasar a un crecimiento argumental gobernado por la sucesión y encadenamiento de las canciones en función del sentido de la historia. Si bien, aparecen menos canciones que en el primer acto, estas lo hacen con una frecuencia mayor – dado que este acto es de menor duración – incluso de forma encadenada, hacia el final de la misma, tal y como sucede con I do, I do, I do – When all is said and done – Take a chance on me, las cuales se unen sin dejar espacio a la palabra hablada. Además, salvo Take a chance on me, el resto de canciones pertenecen a la última etapa del grupo, entre los años 1979 y 1981. El acto y la película finalizan con la reinterpretación de I have a dream, que como ya se ha señalado antes funciona como elemento estructural. Por tanto, Mamma Mia!, puede considerarse, tanto una película musical, puesto que utiliza la música – en este caso – para organizar y alimentar una trama – si bien podría ser entendida por el

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ANDERSSON, Benny; ULVAEUS, Björn: “SOS”. En: Waterloo. RCA Records (1974).

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espectador del mismo modo que si no se hubiesen incluido estas canciones, que no dejan de enriquecer el discurso en gran medida, pasando a depender de ésta en el último tercio del filme, junto con la cantidad de elementos adicionales que incluye, como la coreografía – como un videoclip continuo o sucesión de videoclips. En este último caso, esto vendría explicado por los siguientes aspectos: 1) Elección de un argumento sencillo que permita la inclusión de las canciones de ABBA en su representación teatral y fílmica. 2) La presencia de un argumento externo no supone un obstáculo para los “sub-argumentos” de las canciones. 3) Búsqueda de una relación entre el texto cantado y la trama principal. 4) Independencia de dichos números o momentos musicales, con respecto a la trama principal. Éstos pueden ser vistos y consumidos de forma independiente, sin necesidad de remitirnos a la trama de la película, ya que lo que se observa en ellos, la mayoría de los casos, la descripción de lo “narrado” por la canción, o la mera interpretación de la misma. Cada escena musical dura, lo que dura la canción en realidad, luego no se modifica la canción a fin de satisfacer las necesidades argumentales, sino que el principal elemento es la música, y en base a ello se construyen las imágenes, argumento, y demás elementos cinematográficos. 5) Nuevas imágenes asociadas a nuevas versiones o arreglos – siempre fiel al estilo original del grupo – como reedición de los videoclips del grupo. 6) Empleo de un reparto de actores conocidos, como elemento fundamental a la hora de fomentar la promoción. Búsqueda del elemento publicitario. Se pretende llegar, de una forma inmediata, al mayor número de espectadores y potenciales consumidores posible. 7) Establecimiento de ciertos “guiños” a los videoclips originales de dichas canciones en la película, como es el caso de Super-trouper – sin duda el caso más evidente, junto con SOS – así como de Money, Money, Money o Mamma Mia! o Dancing Queen, en menor medida. 8) Creación de nuevos imaginarios para canciones que fueron lanzadas junto a un clip promocional de escasa sofisticación. Reedición del videoclip ya existente. Este sería el caso de todas y cada una de las canciones que aparecen en la película. 9) Creación de nuevos imaginarios para aquellas canciones que no fueron lanzadas con un video oficial como parte de su promoción – algo que, como ya se ha observado, resulta poco usual en la discografía del grupo – este es el caso de Our Last Summer, Honey, Honey y Slipping Through My Fingers. Caso aparte lo constituiría Lay All Your Love On Me – puesto que esta canción, sí vio la luz junto a un vídeo promocional – cuyo clip consta de imágenes de otros vídeos, entre otras cosas

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porque el grupo no pudo afrontar una nueva grabación, ya que se encontraban inmersos en una gira. De esta forma se aporta a estas canciones el elemento promocional del que no dispusieron.

PARALELISMOS. ANÁLISIS DE UN CASO: SUPER TROUPER. Si se trata de buscar similitudes entre los videoclips originales de las canciones empleadas en la película Mamma Mia! y las escenas de tales canciones en la mencionada película, existen dos casos muy simbólicos. El primero vendría dado en la primera parte del filme, aquel que en el punto anterior se ha denominado como Primer Acto, siendo el caso de Super Trouper. El segundo ejemplo, proporcionado en la segunda mitad o Segundo Acto, sería SOS. Cabe destacar que ambos ejemplos, no de forma casual, pertenecen a la discografía lanzada en 1974, de tal modo que son estas canciones, las que presentan una mayor fidelidad al estilo y recursos del grupo en la elaboración del filme. Si bien, como antes se ha señalado, éstos no son los únicos ejemplos, aunque si serán éstos los únicos que tratemos en este trabajo, como ejemplo de paralelismos entre la producción cinematográfica y los videoclips del grupo. Si en primer lugar tratamos Super Trouper se deberá decir que cuando esta canción aparece en el filme, es la única que lo hace como actuación musical en si misma, ya que así es introducida y presentada dentro de la trama. A diferencia del resto de canciones, esta canción no responde a una forma de enfatizar el momento argumental, sino que surge como una actuación dentro del argumento, los personajes van a cantar y así se nos presentan. El primer elemento común lo encontramos en la vestimenta de los personajes de la película – en este caso Donna, Tanya y Rosie – ya que si bien no se trata de la indumentaria presentada por ABBA en el vídeo oficial, si se corresponde con el estilo ecléctico y llamativo con el que el grupo se vestía, tanto en sus clips como en sus actuaciones. Estilo que añadió puntos en las votaciones de Eurovisión de ese mismo año, en el que presentaron victoriosamente Waterloo. Otro de los elementos vendría por el ambiente de la canción, si en el vídeo original los cantantes entonan la letra en mitad de un grupo de gente, presumiblemente procedente del circo, aludiendo al mundo del espectáculo y a la soledad que estar continuamente en frente del público produce, salvo cause somewhere in the crowd there’s you. En la película, la escena musical viene dada por la representación de Donna and the Dynamos, el grupo al que Donna y sus amigas pertenecían en sus tiempos de juventud. En esta ocasión rescatan sus ropas, y con la voz algo “gastada”, comienzan a cantar en la fiesta de Sophie, siendo ella ese someone in the crowd. Establecido el contexto de la canción, existen varios elementos a nivel de performance que no pasan desapercibidos al ávido espectador. El primero sería la entrada a capella de las protagonistas, ~ 12 ~

que al igual que en la canción original, así como en el clip oficial son elementos básicos, ya que es la única canción del grupo que comienza de este modo. Quince segundos en los que se nos presenta la trama-argumento de la canción:

Super trouper beams are gonna blind me but I won't feel blue like I always do 'cause somewhere in the crowd there's you22

Del mismo modo, en los primeros quince segundos de ambos vídeos – tanto del clip oficial como de la escena de la película – se introducen elementos clave que se mantendrán constantes. El primero sería la luz y los juegos de luces como herramienta fundamental. En el caso del videoclip sirven para separar las distintas secciones, mientras que en la película introducen el color y la sensación del pasado – puesto que se emplea un juego de luces pobre – como si las protagonistas que interpretan la canción hubiesen sido esas otras intérpretes que apreciamos en el videoclip oficial, en un tiempo pasado. Por otro lado la gestualidad desarrolla un factor clave en la performance, esto se hace explícito en el gesto que Donna, Meryl Streep, hace al elevar el brazo izquierdo (min. 0:33 de la escena, vuelve a repertirse en el min. 2:41 y en el min. 3:05), gesto que en el videoclip oficial aparece como símbolo de Agnetha (min. 1:21; min. 2:41; min. 3:31; min. 3:49). De igual modo la coreografía, si bien no es la original empleada en el vídeo original, si se sirve de las características estilísticas del grupo, hecho que puede ofrecer un paralelismo con la coreografía del videoclip Dancing Queen. Igualmente, la presencia del coro, interpretado en el videoclip por los miembros masculinos, aparece en la película interpretada por mujeres. Otros de los factores con que se juegan es la presencia de ese someone in the crowd, que tanto en la escena de la película como en el videoclip original, es representado por una chica joven, haciéndose alusión al elemento sentimental y familiar. Finalmente, en esta escena se establece la ambigüedad entre la performance en directo y la performance en playback – método por el cual se hizo toda la película, ya que a diferencia de otros musicales, en este caso primero se grabaron las pistas de audio y después se realizó el rodaje de las escenas por separado y sincronizando el sonido después en post-producción. – Este giro, sin duda irónico, viene dado por la aparición de Donna and the Dynamos cantando a capella al inicio de la escena, para después hacer una indicación a otro personaje secundario para que ponga en funcionamiento una grabación. Como la música procedente de dicha grabación es, en principio 22

ANDERSSON, Benny; ULVAEUS, Björn: “Super Trouper”. En: Waterloo. RCA Records (1974).

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instrumental, deja al espectador ante la duda de si la música procedente de la cinta es simplemente el acompañamiento instrumental, o si por el contrario se trata de la pista completa, y por tanto ellas hacen play-back. Lo que si queda claro, es que vuelve a hacer referencia a un pasado musical en el que ABBA, es el protagonista, y durante los 3’11’’ que dura la escena – justo un minuto menos que el vídeo original – el argumento queda cerrado a la propia interpretación de la canción, convirtiéndose la trama de ésta en el discurso principal, con distintas interacciones entre ambos discursos, mediante la adición de personajes del argumento cinematográfico a la escena de la canción. El segundo ejemplo sería SOS, enmarcada en el segundo acto del filme, y en el que de nuevo se vuelve a hacer una referencia sonora, argumental y lírica al pasado, como ya se explicara en líneas anteriores. Los paralelismos de ambas interpretaciones de la canción vendrían dados principalmente por el empleo de los primeros planos en las estrofas, como contraposición a los planos generales del estribillo, en que como forma de énfasis se suman más voces y/o personajes a la imagen, en ambos casos. Aunque no es una herramienta de este videoclip, en la escena de la película se hace referencia a la contraposición en escena de dos personajes (min. 2:07 de la escena) mientras cantan en forma de dúo. Sin embargo, este videoclip, utiliza nuevas técnicas originales, basadas en la edición de la imagen a partir del empleo de espejos, algo que de forma algo más compleja, emula la contraposición de los personajes. Así, ambos clips comenzarían con la entrada del personaje “protagonista” en escena visualizado en primer plano, aludiendo al mensaje melancólico de la letra. Al llegar el estribillo entran otros personajes en escena, y cambia el entorno. En el caso del videoclip el cambio de entorno pasa de interior a exterior (min.0:47), mientras que en el caso de la película se hace justamente al contrario, es decir, de fuera hacia dentro (min. 1:00). Sin embargo, este cambio de entorno toma lugares opuestos en la segunda repetición del estribillo, pasando de externo a interno en el clip oficial (min.1:41) y de interno a externo en el filme (min.1:59). El hecho de contraponer estrofas solistas a un estribillo grupal, en ambas manifestaciones, no hace sino subrayar el mensaje de la canción, enfatizando la acción, dándole dramatismo, agilidad y continuidad al diálogo. Como elemento de distinción entre ambas performances, señalaremos que en el videoclip aparece, como elemento trascendental, el piano. Aparentemente, carente de importancia, el piano aparece como sello identitario de Björn Ulveus en numerosos videoclips del grupo, comenzando éstos con un pasaje pianístico, siendo la primera imagen del mismo. Aunque en esta escena en concreto no aparece el piano, si lo hace en la escena de Super Trouper. Guiños que no quedan ~ 14 ~

limitados a estas canciones y sus respectivas escenas, sino que aparecen en otros fragmentos del filme, como es el caso de Dancing Queen, en cuyo final aparece Björn Ulveus, haciendo un breve y no reconocido cameo, del mismo modo que lo hace Benny Anderson al final de la cinta. Por lo tanto, aunque no son estos los únicos ejemplos de similitudes entre los videoclips oficiales de las canciones del grupo sueco ABBA y la película Mamma Mia! sí son los más representativos, sirviendo de ejemplo para el desarrollo de este trabajo.

PARADOJAS. ANÁLISIS DE UN CASO: LAY ALL YOUR LOVE ON ME. Frente a aquellos vídeos en los que destaca una presencia de paralelismos entre la versión oficial ofrecida por el grupo en el lanzamiento de sus sencillos y la adaptación audiovisual de dichas canciones en la película, estarían aquellos otros ejemplos de canciones – que no solo no conservan ninguno de los elementos del clip original – que además de introducir nuevos ingredientes, constituyen una “receta” completamente nueva, y en ocasiones opuesta a la original. Entre estos casos, no solo se encontrarían aquellas canciones que no dispusieron de un videoclip original, como es el caso de Slipping Through My Fingers, Honey, Honey y Our Last Summer, siendo el primero y tercero ejemplos de un enriquecimiento vital de la canción al ofrecerle un soporte audiovisual, preparado con motivo de ella. Así tanto en Slipping Through My Fingers como en Our Last Summer, la acción en el filme se detiene en favor del deleite de la canción, a la que acompañan imágenes coherentes con el discurso de la misma. Es decir, el discurso cinematográfico desaparece y surge el discurso propio de la canción como argumento principal. En ambas canciones se mantendría la característica común de la referencia a otro espacio y otro tiempo, así como el hecho de pertenecer al estilo propio de la madurez estilística del grupo, abordando temáticas más personales e íntimas, algo similar a lo que sucede con The winner takes it all, aunque en este caso particular si se mantendrán ciertas referencias al videoclip oficial, como por ejemplo la presencia del mar. En cuanto a las escenas del filme que destacan por oposición o contraste, los casos más extraordinarios son dos: Lay All Your Love On Me y Gimme, gimme, gimme! (a man after midnight). En el caso de Gimme, gimme, gimme! (a man after midnight), el videoclip original nos muestra la sesión de grabación de dicha canción en el estudio. En las imágenes se contrapone la interpretación de la canción con las distintas interacciones de los miembros durante la sesión. En oposición, la canción en la película, aparece en un espacio abierto, como música procedente de la fiesta que nos muestran las imágenes. Sin embargo, vuelve a aparecer esa referencia explícita a ABBA, mediante la no diégesis de la música. Es decir, sabemos que la música procede de la fiesta, y aunque no distinguimos el equipo sonoro que la emite, tanto nosotros como los personajes participan ~ 15 ~

de ella. ¿Pero son los personajes los que entonan la canción, o es “de nuevo” una “grabación” fruto de la música que se escucha en la fiesta?, la escena parece aludir indirectamente al consumo de la música grabada por el grupo – aunque la pista empleada para la película fuese grabada explícitamente por los actores que en ella intervenían – lo que no solo ofrece un nuevo discurso visual para la pieza, sino que además ofrece continuidad entre ambos discursos. El otro ejemplo Lay All Your Love On Me, se caracteriza por ofrecer todo un nuevo discurso visual a una canción, cuyo clip promocional está construido a base de la sincronización de imágenes de otros vídeos del grupo The Winner Takes It All, Take a Chance On Me, The Name of the Game, Voulez Vous, Summer Night City y I Have a Dream, todos ellos dirigidos por Lasse Hallström, teniéndose que adaptar la canción al videoclip que se presentó. En el caso de la película, la versión es una adaptación canción es la original, y no la que figura en el videoclip oficial. Si en el caso anterior, la música pasaba a ser elemento integral de la acción, este hecho es mucho más evidente en este caso, al enmarcarse un discurso de amor entre los personajes de Sophie y Sky como ilustración audiovisual de la pieza. Así, la canción no solo es dotada de un discurso audiovisual acorde a su discurso musical y narrativo, sino que además se le otorgan elementos altamente enriquecedores, fruto de la convivencia entre performance musical y audiovisual, como es la presencia de una coreografía marcada. Así la coreografía jugará un papel vital en las escenas asociadas a las canciones Money, Money, Money, Mamma Mia!, Dancing Queen y Take A Chance On Me, adquiriendo especial relevancia en los casos de Mamma Mia! y Dancing Queen, por no darse en sus versiones originales unas coreografías tan ricas y complejas como las mostradas en el filme, lo que enriquece enormemente, no solo el factor intepretativo, sino la música en si misma, creando una especie de feedback, por el cual el espectador siente mayor atracción por la música que escucha si a esta se le asocia un número o cuerpo de baile que aumente la visualidad de la escena, lo que repercute de forma directa en la experiencia estética del espectador.

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CONCLUSIONES. Del análisis realizado sobre la película Mamma Mia!, en cuanto a las canciones del grupo ABBA, puede concluirse los siguiente: 1) La película Mamma Mia! funciona como soporte audiovisual de las canciones del grupo ABBA. No es la música la que apoya una trama, sino que es la trama la que apoya una música concreta ya predispuesta. La elección de un reparto concreto, así como de la mencionada trama, procedente de una previa adaptación teatral apela a un amplio espectro del público, lo que unido a la exhaustiva promoción de marketing del filme, en la que participaron los miembros del grupo, revela una clara intención integradora de la música y los músicos en las imágenes filmadas. 2) La participación de los compositores del grupo ABBA tanto en la producción de la versión teatral, como en la producción cinematográfica, incide sobre el estricto interés de ofrecer una reedición de las canciones del grupo, tanto en cuanto que las canciones que ilustran el filme, son las que mayores logros comerciales alcanzaron. 3) La intencionalidad de convertir la película en una herramienta promocional de las canciones puede observarse en: - El empleo de paralelismos de los videoclips originales en las escenas de la película. - El enriquecimiento de ciertas canciones mediante la disposición de un número musical alejado del clip original. - La elaboración de un momento musical para canciones que hasta la fecha no contaban con un vídeo promocional. - La constitución de las escenas musicales como escenas independientes, con una presentación-nudo-desenlace, sin necesidad de depender de la trama principal, donde lo que se pretende es la exposición y enaltecimiento del factor canción, así como de todos los elementos de que se rodea: interpretación, coreografía, etc. - La participación de los miembros del grupo, bien mediante cameos no reconocidos, en las escenas de la película, bien mediante su participación activa en la promoción del filme.

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