Desarrollo de la capacidad creadora - Lowenfeld

El desarrollo de la capacidad creadora
LOWENFELD

















































Realizado por:

José Luis Delgado Rodríguez
Mª Beatriz González Díaz
Amanda Rodríguez García
Nayra Román Melián
Yurena



1.- SIGNIFICADO DEL ARTE EN LA EDUCACIÓN

EL SIGNIFICADO DE LAS ACTIVIDADES ARTÍSTICAS

El niño nos transmite sus emociones a través del arte, el arte
construido por él gracias a sus experiencias. La educación del niño lo
convierte en un miembro útil y adaptado a la sociedad, pero sin embargo en
la escuela más que aprender premisas morales se valora el memorizar datos,
unos datos que no se cuestionan cuando lo óptimo sería enseñarles a los
niños a descubrir y buscar respuestas por sí mismos; y esto último está
contenido precisamente en las actividades artísticas.

A los niños no hay que encorsetarlos en su acción creadora, sino
dejar que aprendan a crear creando, porque ellos no tienen que ver la
realidad sino con su propia mirada, la de un ser que asimila y descubre su
entorno.


SIGNIFICADO DEL ARTE PARA LOS NIÑOS

Para los niños el arte es un medio de expresión, y a diferencia de lo
que se hace comúnmente, el maestro no debe coartar su libertad creadora
diciéndole qué color usar y demás, pues esto acabaría otorgándole miedos
que destruyen su confianza en sí mismo. Así, el arte será un instrumento de
auto expresión para niños tímidos y retraídos.


LOS SENTIDOS COMO BASE DEL APRENDIZAJE

Solamente a través de los sentidos puede tener lugar el aprendizaje,
y esto es algo que no se valora lo suficiente en la educación del niño.

En un mundo donde las experiencias sensoriales con el medio son cada
vez más difíciles debido a la artificialidad del mismo, la educación
artística es la única disciplina que realmente se concentra en el
desarrollo de las experiencias sensoriales. Es ahí donde el niño entrará en
contacto con las texturas, las formas y el color más profundamente.


IMPORTANCIA DE LA AUTOIDENTIFICACIÓN Y DE LA AUTOEXPRESIÓN

En la actualidad vivimos en un mundo alienizante en el cual el
individuo pocas veces se siente identificado con lo que hace. Será entonces
cuando la diversión y el entretenimiento cobren una mayor importancia para
la autodeterminación del individuo.

Este problema descrito anteriormente debería amortiguarse con la
educación, una educación que nos ayude a identificarnos con nosotros
mismos. Se debe enseñar al niño a interactuar con otros seres humanos, a
relacionarse, y no sólo con niños de su misma edad, sino con una muestra
más amplia, lo que podría evitar el alejamiento, la indiferencia, el
antagonismo e incluso la violencia.

No hay expresión artística posible sin la auto-identificación con la
experiencia expresada; es la verdadera expresión del yo, y para que un niño
comprenda las necesidades del prójimo, primero debe conocerse a sí mismo,
algo a lo que el arte ayuda; la auto-expresión. Existe una gran
satisfacción en poder expresar los propios sentimientos y emociones en el
arte, expresando así su propia importancia a través del medio apropiado.
Sin embargo, el niño que imita puede convertirse en un ser dependiente en
cuanto a sus pensamientos y llegar a subordinar sus ideas a las de otro, lo
que puede conducirlo a la frustración.


EL ARTE COMO ELEMENTO IMPORTANTE EN LA SOCIEDAD

Se suele considerar el arte como la forma más elevada de la expresión
humana, siendo también un reflejo de la sociedad dentro de la que surge.




























2.- COMPRENSIÓN DEL DESARROLLO

EL ARTE COMO MEDIO DE INTERPRETACIÓN DEL DESARROLLO

La figura que un niño dibuja o pinta refleja los sentimientos, la
capacidad intelectual, el desarrollo físico, la aptitud perceptiva, el
factor creador implícito, el gusto estético, e incluso el desarrollo social
del individuo. También se perfilan en ellos todas las transformaciones que
sufre el niño a medida que crece y se desarrolla, un desarrollo compuesto
pro varios factores.


DESARROLLO EMOCIONAL O AFECTIVO

Un dibujo y la intensidad con la cual el creador se identifica con
este, puede constituir la oportunidad para su desarrollo emocional.

Los niños que padecen desajustes afectivos frecuentemente se evaden
hacia una representación rígida. Un niño que se acostumbre a depender de
tales moldes, que ejecute bien las copias, puede perder la confianza en sus
propios medios de expresión y recurrir a las repeticiones estereotipadas
como un mecanismo de evasión. No introduce nada que indique su relación con
esos objetos; está simplemente representándolos de forma pasiva.

Con la inclusión directa del yo, el niño participa realmente en su
dibujo; puede aparecer directamente en su trabajo de creación o representar
a alguien con quien se identifica. Esto es característico de un niño
seguro, afectivo o emocionalmente libre, que no se distrae fácilmente con
lo que le rodea y confía en su expresión artística.


DESARROLLO INTELECTUAL

El conocimiento que revela el niño cuando dibuja indica su nivel
intelectual. Generalmente, un dibujo rico en detalles subjetivos proviene
de un niño con elevada capacidad intelectual.

A medida que el niño crece cambian los detalles y la toma de
conciencia del ambiente que lo rodea. Los individuos que tienden a quedar
retrasados en este aspecto están demostrando falta de desarrollo
intelectual.


DESARROLLO FÍSICO

En el trabajo creador de un niño, se revela su desarrollo físico por
su habilidad para la coordinación visual y motriz, por la manera en que
controla su cuerpo, guía su grafismo y ejecuta ciertos trabajos.

Por otra parte, la exageración o la omisión reiteradas de ciertas
partes del cuerpo pueden vincularse con el desarrollo físico del individuo.
Un niño físicamente activo retratará movimientos físicos activos.
DESARROLLO PERCEPTIVO

El cultivo y el desarrollo de nuestros sentidos es una parte
importante de la experiencia artística. La observación visual desarrolla
una progresiva sensibilidad hacia el color, la forma y el espacio. Los
niños que rara vez se sienten influidos por las propias experiencias
perceptivas demuestran poca habilidad para observar y poca agudeza para
apreciar diferencias en los objetos.


DESARROLLO SOCIAL

Generalmente, el primer objeto reconocible en los dibujos de un niño
es una persona. A medida que el niño crece va incluyendo más personas en
sus dibujos; este sentimiento de conciencia social es el comienzo de la
comprensión que el niño adquiere de un mundo más amplio, del cual forma
parte.


DESARROLLO ESTÉTICO

La estética es el medio de organizar el pensamiento, los sentimientos
y las percepciones en una forma de expresión que sirva para comunicar a
otros estos pensamientos o sentimientos.

Los productos de la creación de los niños revelan su desarrollo
estético por la capacidad de integrar experiencias en un todo cohesivo;
esto se logra a través de las líneas, texturas y colores utilizados. La
estética está también íntimamente ligada con la personalidad.


DESARROLLO CREADOR

El desarrollo creador comienza tan pronto como el niño traza los
primeros rasgos. Lo hace inventando sus propias formas, de manera que es
algo únicamente suyo. El dibujo del niño refleja el desarrollo de su
creatividad.


EL ARTE COMO REFLEJO DEL DESARROLLO

Los productos de la actividad artística del niño revelan muchas
cosas. El arte proporciona al niño una amplia gama de posibilidades;
gracias a este, las respuestas que tiene que buscar y las soluciones que
encuentra son suyas. Comprendiendo la forma en que un niño dibuja podemos
apreciar la complejidad y las variaciones que tienen lugar en el proceso
mediante el cual el niño crece y se desarrolla.




EL TEMA EN EL ARTE

En el arte el tema tratado será el mismo en cualquier edad, lo que
varía es la forma. En cierto sentido, no hay temas en arte, sino diferentes
modos de representar nuestras relaciones con las cosas, las personas, los
sentimientos y las emociones que provoca el mundo que nos rodea.


ETAPAS DE DESARROLLO EN EL ARTE

A medida que los niños cambian, también varía su expresión creativa,
pero no todos los niños pasan de una etapa a otra en la misma época.

El niño muy pequeño comienza a dibujar haciendo trazos desordenados
en un papel; a esto se le suele llamar la etapa del garabateo o del
garabato, y esta dura normalmente de los 2 a los 4 años. Será entonces y
hasta los 7 años cuando pase a la etapa preesquemática, en la que el niño
hace sus primeros intentos de representación.

Luego viene la etapa esquemática que va aproximadamente de los 7 a
los 9 años, donde el niño suele disponer los objetos o personas que está
dibujando en línea recta, al pie del papel y según el ancho del mismo.

De los 9 a los 12 años el niño comienza una etapa de naciente
realismo, donde se interesa mucho más por los detalles. Entre los 11 y los
12 años se empieza a preocupar por las proporciones y la profundidad (etapa
pseudonaturalista).

El desarrollo natural de un joven no se extiende más allá de los 14
años, pero puede ir adquiriendo conscientemente un perfeccionamiento de las
técnicas artísticas.


SIGNIFICADO DE LAS ETAPAS DE DESARROLLO

Los niños no intentan copiar la naturaleza tal cual los adultos la
conocen. Hay estadios en el desarrollo del intelecto estrechamente
paralelos a las etapas mencionadas anteriormente; y algunas cosas no pueden
enseñarse hasta que el niño sea intelectualmente capaz de captar los
conceptos.


LA IMPORTANCIA DE LA EXPERIENCIA ARTÍSTICA

Nunca se han tenido las actividades de dibujar y pintar como
necesidades básicas para el correcto desarrollo de los niños, pero sin
embargo esta parece ser una forma natural de aprender.




3.- EL DESARROLLO DE LA CAPACIDAD CREADORA

LA IMPORTANCIA DE LA CREATIVIDAD

El desarrollo del pensamiento creador tiene una importancia enorme
para nosotros como individuos y como sociedad. La capacidad creadora se
considera como un comportamiento constructivo, productivo, que se
manifiesta en la acción o en la realización; es el valor opuesto a la
conformidad mental.

El arte puede considerarse un proceso continuo de desenvolvimiento de
la capacidad creadora. En cualquier proceso de creación hay varios factores
implícitos, como el ambiental o el de los valores sociales, además de la
personalidad del propio alumno.


EL COMPORTAMIENTO CREATIVO E INTELECTUAL

Todos los niños nacen creativos, es el medio que les rodea el que
inhibe su curiosidad natural y su comportamiento exploratorio.

Algunas veces se confunde la inteligencia con la capacidad creadora,
cuando en realidad estas tienen poca relación. Es mucho más importante en
los niños el desarrollo de la capacidad creadora, porque esta no puede
adquirirse a edades más avanzadas.


LA ESCUELA Y LA CAPACIDAD CREADORA

Existen pruebas de que a los maestros no les gusta el niño creador, y
sin embargo el niño dócil y conformista recibe en la escuela su recompensa.


LA MEDICIÓN DE LA CAPACIDAD CREADORA

Casi todos los maestros miden la creatividad, pero generalmente de
acuerdo con sus propias pautas. Algo en lo que todos concuerdan es en
considerar como parte integrante del pensamiento creador la aptitud para
concebir gran número de ideas; otro factor sería la aptitud para pasar de
un tipo de pensamiento a otro; otro sería la aptitud para concebir ideas no
usuales o remotas.


MÉTODOS PARA DESARROLLAR EL POTENCIAL CREATIVO

Hay muchos programas ideados para desarrollar el potencial creativo,
pero su eficacia es dudosa en un sistema educativo donde este no se valora
suficientemente. Ahí entrará la influencia del maestro de arte, que debe
fomentar el espíritu de investigación, pues la curiosidad es un don natural
al que se le debe prestar apoyo desde una edad temprana.


EL ARTE Y LA CAPACIDAD CREADORA

Aunque el arte y la capacidad creadora no es lo mismo, con un método
de enseñanza correcto uno puede ayudar al desarrollo del otro.

A la hora de dar una clase de arte, la mayor creatividad se da al
usar menos cantidad de material pero profundizando más en este que al
contrario. Y es precisamente este contrario, el uso de muchos materiales y
el profundizar poco en ellos, lo que se da actualmente dentro de nuestro
sistema educativo. Pero la creatividad no sólo se debe aplicar al campo del
arte, sino a todos (matemáticas, ciencias…).






































4. LOS COMIENZOS DE LA AUTOEXPRESIÓN.

LA ETAPA DEL GARABATEO: DE 2 A 4 AÑOS.

En los primeros años de vida, el arte puede contribuir al desarrollo
del niño, pues el aprendizaje tiene lugar en la interacción del niño y el
ambiente. El arte no comienza para el niño cuando hace su primera raya en
un papel, sino mucho antes, cuando los sentidos tienen su primer contacto
con el medio y el niño reacciona ante esas experiencias sensoriales.
La etapa del garabateo comienza alrededor de los 18 meses. Este primer
trazo supone un paso muy importante en su desarrollo, pues es el comienzo
de la expresión que no sólo va a conducir al dibujo y a la pintura, sino
también a la palabra escrita. Es lamentable que la palabra "garabato" tenga
connotaciones negativas para los adultos, ya que suele sugerir pérdida de
tiempo o falta de contenido, pero la realidad es que significa todo lo
contrario, pues la manera en que se reciban estos primeros trazos y la
atención que se les preste, pueden ser la causa de que el niño desarrolle
actitudes que aún poseerá cuando comience su escolaridad formal.

Entre los 2 y los 4 años, los garabatos tienden a seguir un orden
bastante predecible. Comienzan con trazos desordenados y van evolucionando
hasta convertirse en dibujos con un cierto contenido reconocible para los
adultos.

Podemos clasificarlos en 3 categorías:

GARABATEO DESORDENADO: Hacia los 2 años, el niño realiza trazos sin
sentido, en los que suele mirar hacia otro lado mientras los realiza. El
niño aún no tiene control visual de sus garabatos. Emplea "grandes
movimientos" para él, aunque para un adulto resulten movimientos en
pequeña escala. La satisfacción del niño deriva en esta etapa en la
experiencia de movimientos que realiza. Es muy importante interesarse por
lo que el niño está haciendo, pues debe sentir que este medio de
comunicación es aceptado por los adultos.

GARABATEO CONTROLADO: Hacia los 2 años y medio, el niño ha descubierto el
control visual sobre los trazos que ejecuta. Éstos son el doble de largos y
el niño suele llenar toda la página. Los garabatos son mucho más elaborados
y en algunas ocasiones, el niño descubre ciertas relaciones entre lo que ha
dibujado y algo del ambiente. El papel del adulto es ahora mucho más
importante, ya que el niño a menudo acudirá a él con sus garabatos, deseoso
de hacerlo partícipe de su entusiasmo. Es la participación en la
experiencia y no el dibujo lo que en realidad importa.

EL GARABATEO CON NOMBRE: Alrededor de los 3 años y medio, el niño comienza
a dar nombre a sus garabatos. Esta actitud de dar nombre a los garabatos es
muy significativa, pues es el indicio de que el pensamiento del niño ha
cambiado. Antes estaba satisfecho con los movimientos que realizaba, pero
ahora ha empezado a conectar dichos movimientos con el mundo que lo rodea.
El niño dibuja ahora con una intención. La cantidad de tiempo que dedica
ahora al dibujo aumenta y los garabatos van a ser más diferenciados. Los
trazos a veces van acompañados por una descripción verbal de lo que se está
haciendo. Esta conversación es una comunicación con su propio yo. Los
garabatos y líneas que los adultos pueden considerar sin sentido, tienen un
significado real para el niño que los está dibujando. Los adultos deben
tratar de inculcar confianza y entusiasmo en este nuevo modo de pensar. En
esta etapa, tenemos una clave para interpretar su pensamiento, con lo que
ahora podemos estimular el pensamiento del niño y alentar su imaginación.
Los trazos que realizan, deben mirarse como tales: círculos, líneas
verticales, horizontales…, y no cómo símbolos ni como trazos que tengan
otro significado que no sea el de garabatos.

Respecto al significado del color, éste va a desempeñar un papel
secundario en la etapa del garabateo. Es en la etapa de dar nombre a sus
garabatos cuando el niño desea realmente emplear diferentes colores para
distintos significados. Sin embargo, el color como parte de proceso de
garabateo es principalmente exploratorio, y el uso de ciertos colores puede
estar vinculado más con la distribución física de los colores que con la
personalidad y las emociones del niño. Trabajar y explorar con los colores
resulta agradable para el niño.

En cuanto al proceso del desarrollo del niño, es muy importante
considerar el garabateo como parte de éste. En esta etapa, el niño
reflejará en su trabajo creador su desarrollo físico, intelectual y
emocional. El adulto deberá en un principio ser mero espectador de este
proceso, y deberá ayudar a estimular con sensaciones el pensamiento del
niño en la última fase.

En lo que respecta a los materiales artísticos, deben ajustarse a
las necesidades de los niños. En esta etapa, el niño necesita practicar y
experimentar sensaciones que despierten sus sentidos. Los materiales deben
estimular la expresión espontánea sin que su uso suponga dificultades
técnicas.

Poco recomendables: Acuarela, (ya que los colores se mezclan con facilidad)
lápiz común, (la punta aguda no se desliza fácilmente por el papel).
Pintura aplicada con los dedos, (ya que el niño va a centrar su atención en
la consistencia pastosa del material, y no en utilizarlo como medio de
expresión). Las actividades de pegado, doblado, rayado o recortado jamás
deberían incluirse en programas destinados a niños en la etapa del
garabateo, ya que esos trabajos sólo sirven para poner de manifiesto la
inhabilidad del niño para realizarlos, ya que están fuera de su nivel y
capacidad.

Bastante recomendables: Creyón, tiza blanca para utilizar en pizarra,
témpera, (con una textura consistente para que no escurra en el papel); la
arcilla es un material excelente para esta edad, ya que el manejo de un
material tridimensional le permite al niño utilizar los dedos y los
músculos de forma diferente. Mediante el "collage", el niño se va a
familiarizar con el color y la textura, por lo que conviene utilizar este
recurso en alguna que otra ocasión.



5. PRIMEROS INTENTOS DE REPRESENTACIÓN.

LA ETAPA PREESQUEMÁTICA: DE 4 A 7 AÑOS.

Esta etapa surge directamente de los últimos periodos del garabateo.
El niño ahora crea ciertas formas que tienen alguna relación con el mundo
que le rodea. Esta creación conciente de formas, adquiere gran significado
si pensamos que es el comienzo de la comunicación gráfica. El niño ahora,
trata de establecer una relación con lo que intenta representar. Estos
dibujos son importantes, tanto para el niño, como para los adultos, que
ahora cuentan con un testimonio palpable del proceso mental del niño, ya
que permite obtener ciertas claves de lo que es importante en la vida de
éste y sobre la forma en que comienza a organizar su relación con el
ambiente. Por tanto, puede decirse que el arte de los niños en la etapa de
las primeras representaciones se puede considerar como un reflejo directo
del niño mismo.

En los dibujos preesquemáticos, los trazos evolucionan hacia formas
reconocibles y este primer símbolo logrado va a ser la figura humana, que
se representa mediante un círculo para la cabeza y dos líneas verticales
para los pies. Hacia los seis años, el niño puede llegar a trazar un dibujo
bastante elaborado de la figura humana.

En los dibujos y pinturas realizados en esta edad, hay normalmente
poca relación entre el color elegido para pintar un objeto y el objeto
representado. Es evidente que si se le critica al niño el uso del color o
se le indica cuál es el color correcto para tal o cual dibujo, se estará
interfiriendo con su expresión. Hay que dejar que el niño descubra
libremente sus propias relaciones con el color, ya que sólo a través de la
experimentación establecerá una correspondencia entre sus propias
reacciones afectivas frente al color y la organización armónica de éste
frente al dibujo.

Los objetos en el espacio tienden a estar en un orden un tanto
caprichoso. El niño concibe al espacio como aquello que lo rodea, es decir,
que los objetos aparecerán arriba, abajo o uno junto a otro, en la forma en
que el niño los comprende.

Los niños difieren muchísimo en esta edad de los 3 a los 6 años, ya
que cada niño es un producto de su ambiente. Sin embargo, por regla
general, tienden a ser muy curiosos, llenos de entusiasmo, y deseosos de
expresarse aunque no en forma lógica. El desarrollo en los niños de esta
etapa, sigue las mismas pautas de desarrollo que otros aspectos de su vida.
Al igual que hay grandes diferencias entre los niños, también existen
grandes diferencias entre sus dibujos. El dibujo es un medio mediante el
cual el niño desarrolla relaciones y concreta muchos pensamientos vagos que
pueden ser importantes. El dibujo se convierte en sí mismo en una
experiencia de aprendizaje.

En general, cuanto más detalles se encuentren en un dibujo, mayor
será la conciencia que el niño ha tomado de las cosas que lo rodean. Uno de
los indicios más importantes de esta etapa es la flexibilidad del niño,
hecho que se puede apreciar en los frecuentes cambios que se producen en
sus conceptos. La manera de representar las cosas es un indicio de las
experiencias que el niño ha tenido con ellas. Por tanto, el arte de los
niños nos proporciona no sólo la oportunidad de comprenderlos, sino que
además nos brinda la ocasión de influir en el desarrollo a través de la
educación artística. Esto no quiere decir que vayamos a influir
positivamente en el comportamiento de un niño por brindarle modelos o
técnicas que lo lleven a conseguir un producto final "más bonito". El
cambio en el producto mismo se debe producir a través de la evolución del
pensamiento, los sentimientos y la percepción del niño. En este proceso se
evidencian variaciones en el comportamiento o en las pautas de desarrollo.
En él tienen lugar, también, cambios significativos en el producto
artístico.

Para que la motivación artística sea exitosa, debe hacer de la
experiencia artística mucho más que una simple actividad. Debe estimular en
el niño la toma de conciencia de su ambiente y hacerle sentir que la
actividad artística es extremadamente vital y más importante que cualquier
otra cosa. Mientras el adulto quede fuera de la motivación y simplemente
dirija la actividad artística, no podremos esperar que los niños se
interesen. Es más importante la forma de decirle algo a un niño, la
atmósfera que se crea, que lo que se le dice en sí. Por tanto la actitud
del adulto es vital en la experiencia del aprendizaje. Las motivaciones
artísticas en esta edad deben empezar con el niño mismo, puesto que todo
contacto con el ambiente el niño lo establece a través del yo. Por tanto,
el niño necesita descubrir una relación entre sus propios trazos y el mundo
exterior. Dado que nuestro contacto con el ambiente se hace solamente a
través de los sentidos, es primordial desarrollar y cultivar la percepción
en la educación artística. Este tipo de motivación puede llevarse a cabo
haciendo intervenir al niño activamente en una experiencia práctica, como
por ejemplo: conversar cómo se siente un niño bajo la lluvia, que ropa se
tiene que poner, como se siente la cara mojada, las gotas golpeando en la
ropa…etc. El niño debe tener todas las experiencias que le brinde la vida
por sí mismo, como entidad, como individuo que puede, debe y va a pensar
por cuenta propia.

A la hora de elegir los temas para esta etapa de los primeros
intentos de representación deben tenerse en cuenta el significado que tiene
la actividad para los niños. Cuanto más entregado esté a la actividad
artística, más se identificará con lo que hace y más activamente empleará
los sentidos y más significativo será para él.

Igual pasa con el material: Cualquier material artístico puede ser un
tema apropiado, ya que este desempeña en sí un papel secundario, ya que la
expresión del niño es lo importante. Cualquier tema de expresión artística,
no sólo debe estar íntimamente ligado al yo corporal del niño, sino que
además, debe proporcionarle la oportunidad de establecer una relación entre
sus dibujos y su medio.

Teniendo en cuenta que el proceso de creación tiene mucho más
significado que el producto final obtenido, se debe seleccionar el material
artístico de modo que llene las necesidades del grupo para el cual se ha
planeado el trabajo.

Los materiales más adecuados para esta edad son la témpera preparada
como pintura espesa, los creyones, lápices comunes para dibujar detalles,
tizas de colores, lápices de fibra, papeles coloreados, materiales para
"collage", la arcilla y la plastilina.

Se desaconseja la pintura intencionadamente chorreada, cereales
pegados sobre el papel, figuras de papel recortadas, los proyectos
decorativos, etc., es decir, todo lo que se interponga en el proceso
creador del niño, ya que lo significativo en sí debe ser la experiencia
artística.








































6. LA OBTENCIÓN DE UN CONCEPTO DE LA FORMA.
LA ETAPA ESQUEMÁTICA: DE 7 A 9 AÑOS.

La importancia de la etapa esquemática.

Después de mucha experimentación, el niño llega a formarse un
concepto definido del hombre y su ambiente. Aquí llamaremos esquema al
concepto al cual ha llegado un niño respecto a un objeto. Hay que
diferenciar entre esquema y estereotipo, ya que éste último consiste en que
la repetición es siempre exactamente igual, mientras que el esquema es
flexible y presenta variaciones y desviaciones.

Estos conceptos tienen un carácter altamente individual. El esquema
puede estar determinado por la forma en que un niño ve algo, el significado
afectivo que él le adjudica, la impresión táctil del objeto, o la manera en
la que éste funciona.

Un esquema es puro cuando el niño crea una representación que no
revela experiencias intencionales. El estudio de las clases de
modificaciones que sufre un esquema nos permite comprender la intención
subyacente en la representación. A través de este cambio en el esquema, el
niño va mostrando su experiencia particular.


CARACTERÍSTICAS DE LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS

El esquema humano.

Usamos el término esquema humano para descubrir el concepto de una
figura al cual el niño ha llegado después de mucha experimentación. Durante
sus primeros intentos de representación, el niño dibuja la figura humana de
muy diversas formas, y puede variar de un día al otro. La figura de un
hombre, trazada por un niño de siete años de edad, debe ser un símbolo
fácilmente reconocible. La opinión de que el perfil representa una etapa
más avanzada en el concepto de creación del niño es incorrecta. Para
algunos niños la simetría del cuerpo es lo más importante.

El esquema espacial.

El principal descubrimiento durante esta etapa es la existencia de un
orden en las relaciones espaciales. El niño ahora es parte de su ambiente,
y se expresa por un símbolo que se llama línea de base. En esta etapa el
niño no ha alcanzado la representación de un espacio tipo tridimensional,
por ello el esquema del niño es en dos dimensiones. La línea de base es
universal, y con la misma legitimidad se la puede considerar como parte del
desarrollo natural de los niños que al acto de aprender a correr o a
saltar.

Es evidente que en la realidad, ni los objetos ni las personas que se
apoyan en el suelo se hallan sobre una línea. Cuando se les interroga al
respecto, los niños invariablemente contestan que esa línea es el suelo.

La línea de base como parte del paisaje.

Cuando un niño está dibujando o pintando un tema de exteriores, la
línea de base simboliza unas veces la base sobre la cual se apoyan las
cosas, y otras, la superficie del terreno del paisaje. La utilización de
dos líneas de base implica un desarrollo mayor, y es un paso hacia la
perspectiva.

Otros medios de representación espacial.

Aunque la línea de base es el medio más común utilizado por los niños
para representar el espacio en sus dibujos, en algunas ocasiones se produce
una desviación hacia otras experiencias, como el proceso de "doblado". Por
"doblado" entendemos el proceso de crear un concepto de espacio dibujando
los objetos perpendicularmente a la línea de base, aun cuando parezca que
esos objetos están dibujados en forma invertida; de esta forma se consigue
una representación que al ser doblada por las líneas de base (pueden ser
varias) el dibujo tenga sentido espacial.

Representaciones de espacio y tiempo.

Por representaciones de espacio y tiempo queremos significar la
inclusión de un mismo dibujo de diferentes secuencias de tiempo o de
impresiones espacialmente distintas. Así como el niño tiene su propio modo
de mostrar objetos de dos y tres dimensiones, a veces usando plano y
elevación al mismo tiempo, también tiene su manera propia de señalar
acontecimientos que tuvieron lugar en diferentes momentos. Estas
representaciones se pueden realizar en dibujos separados (de modo que el
tema de la serie es generalmente el mismo), o en un solo dibujo que asienta
distintas acciones que han tenido lugar en diferentes momentos.

Los dibujos del tipo de rayos X.

Un niño puede usar otra interesante forma no visual de representación
para mostrar diferentes aspectos que no sería posible percibir visualmente
al mismo tiempo. Este sistema es el de describir simultáneamente el
interior y el exterior de un edificio o de cualquier otro ambiente cerrado.

Significado de las variaciones en el esquema.

Existen tres formas principales de desviaciones en los dibujos de los
niños:
1) Exageración de partes importantes.
2) Desprecio o supresión de partes no importantes.
3) Cambio de símbolos para partes afectivamente significativas.

Todas estas características se refieren a la forma en que los adultos
observan todas estas variaciones, los niños no son conscientes de esas
exageraciones, ya que para ellos son relaciones de tamaña real.



EL SIGNIFICADO DEL COLOR.

El niño descubre naturalmente que hay una relación entre el color y
el objeto. No es una elección casual o de tipo afectivo la que determina el
color que va a emplear en sus pinturas. El establecimiento de un color
definido para un objeto y su constante repetición es un reflejo directo del
desarrollo progresivo del proceso intelectual del niño. Para el niño el
poder comprobar que el color de su pintura es el mismo que el del objeto
que está pintando resulta un importante descubrimiento y una experiencia
satisfactoria.


EL SIGNIFICADO DEL DISEÑO.

Los niños de estas edades ignoran cualquier aspecto formal del arte.
La enseñanza de "fundamentos del diseño" durante este período sería una
imposición artificial y podría destruir la capacidad creadora espontánea
del niño. Uno de los atributos importantes es el ritmo, y éste se encuentra
a menudo en los dibujos de los niños en la forma de repeticiones. La
enseñanza de los aspectos formales de las proporciones iría en detrimento
de la espontaneidad y de las libertades típicas de los dibujos de los
niños, pues interferiría con su innata necesidad de expresión.


EL DESARROLLO DEL NIÑO EN EDAD ESCOLAR.

El niño ya no representa objetos en relación consigo mismo, sino que
comienza a representar objetos en relación lógica con otros objetos. Ahora
bien, el niño se incluye a sí mismo en su concepto, de la misma manera que
incluye el árbol, la casa o todo el medio circundante. El niño trata de
encontrar orden en su ambiente y de desarrollar fórmulas para lograr un
comportamiento adecuado. Estas fórmulas, a veces, carecen de sentido para
un adulto, pero pueden ser muy importantes en la vida de un niño.


LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS COMO REFLEJO DEL DESARROLLO.

El arte puede contribuir mucho al desarrollo de un niño, estimulando
su toma de conciencia de las cosas que están a su alrededor. La
clarificación de los conceptos y el estímulo para captar los detalles
pueden ser un gran paso hacia una mayor conciencia respecto de los ojos.
Teniendo en cuenta que los niños son un producto de lo heredado y del
medio, debemos luchar para que el ambiente en que viven sea muy rico y
estimulante, para que así puedan desarrollar todas sus posibilidades.






LA MOTIVACIÓN ARTÍSTICA.

La clase y tipo de motivación que un maestro debe utilizar en los
diferentes niveles de edad surge de las necesidades de los niños en cada
una de esas etapas particulares del desarrollo. Ya hemos visto que durante
la etapa esquemática, el niño ha desarrollado un concepto definido de
hombre, espacio, color y objetos en todos los terrenos de la expresión
artística y en su desarrollo psicológico en conjunto.

La tarea del maestro consiste en dar al niño la oportunidad de usar
estos conceptos, no como rígidos símbolos de formas, sino como experiencias
vividas. Nuestra motivación debe crear una atmósfera en la cual se estimule
en el niño la conciencia de que forma parte del medio. Del mismo modo, es
necesario que estimulemos una mayor toma de conciencia de las acciones y
funciones de la figura humana.


MATERIALES ARTÍSTICOS

La selección de un material artístico, su aplicabilidad para un
determinado grupo de niños y para sus necesidades en un momento dado, y su
preparación y manejo, son todas consideraciones de suma importancia.
Cualquiera que sea el material artístico, debe facilitar la expresión del
niño y no ser un impedimento para ello.

























7. EL COMIENZO DEL REALISMO.
LA EDAD DE LA PANDILLA DE 9 A 12 AÑOS.

IMPORTANCIA DE LA EDAD DE LA PANDILLA

Un rasgo sobresaliente de esta etapa del desarrollo es el
descubrimiento que hace el niño de que es un miembro de la sociedad: una
sociedad constituida por sus pares. Durante esta época los niños construyen
la trama de lo que luego será su capacidad para trabajar en grupo y
cooperar en la vida de los adultos.


CARACTERÍSITCAS DE LOS DIBUJOS EN LA EDAD DE LA PANDILLA.

El esquema ya no es adecuado para representar la figura humana
durante este período. Ahora el niño está interesado en expresar
características vinculadas al sexo, como por ejemplo, los chicos con
pantalones y las niñas con polleras. Ahora el niño desarrolla una mayor
conciencia visual, ya no emplea el recurso de la exageración, omisiones u
otras desviaciones para expresarse. Aunque a la edad de nueve años la
mayoría de los niños exagera el tamaño de la figura humana, los estudios
han demostrado que el empleo de dicho recurso tiende a desaparecer.

Significado del color.

El niño va desde una rígida relación color-objeto hasta una
caracterización del color. En esta etapa distingue entre un pulóver rojo
violáceo y otro rojo anaranjado. Este mayor conocimiento de las diferencias
de color no puede considerarse una verdadera percepción visual, pues él no
señala los efectos que sobre el color tiene la luz y la sombra, o la
atmósfera.

Significado del espacio.

El niño descubre que el espacio entre las líneas de base adquiere
significado, y además también descubre el plano. Podemos suponer que el
niño puede descubrir físicamente el plano gracias a su creciente actividad
física y a su curiosidad en desarrollo.

Significado del diseño.

Una de las principales funciones del diseño puede ser establecer
relaciones armoniosas. A esta edad es importante que estimulemos el
pensamiento de los niños y les ofrezcamos oportunidades que den lugar a
descubrimientos que se relacionen con la belleza natural de los materiales
que ellos encuentran intactos en el ambiente.





DESARROLLO DEL NIÑO EN LA EDAD DE LA PANDILLA.

Durante esta etapa el niño comienza a desarrollar mayor conciencia y
sensibilidad hacia su ambiente. A esta edad, los niños no poseen aún un
control absoluto sobre sus emociones, y a veces vemos que un incidente que
calificaríamos de menor resultará de extrema importancia para la criatura.
Esta intensidad de emociones puede aprovecharse en los programas de
educación artística.


LOS DIBUJOS EN ESTA ETAPA COMO REFLEJO DEL DESARROLLO

Uno de los rasgos sobresalientes de esta edad es que el niño descubre
su independencia social. La medida en la que se ha apartado de la
representación esquemática y la necesidad que experimenta de caracterizar
objetos o figuras determinadas o el mismo ambiente, son indicios de sui
desarrollo intelectual.

En esta etapa, los niños evitan el recurso de la exageración que
utilizaban en etapas anteriores. Observamos que hay proporciones más
naturales. La evolución social guante este período es uno de los factores
sobresalientes del desarrollo.


LA MOTIVACIÓN ARTÍSTICA.

La motivación se debe orientar a que el niño acentúe el sentido de
independencia social que recientemente ha descubierto, a fin de que logre
un sentimiento de propia estimulación. Una experiencia artística debe
ofrecerle la oportunidad para que exprese su progresiva conciencia del
sexo, para que desarrolle un mayor conocimiento del yo y satisfaga su nueva
curiosidad del ambiente.


MATERIALES ARTÍSTICOS.

El niño ha evolucionado más allá del uso de las líneas geométricas y
de las representaciones con línea de base en su significado lineal. Un
material es bueno sólo si contribuye a satisfacer las necesidades del niño
y lo ayuda a expresar lo que tiene en su mente. Aunque existen materiales
para el uso infantil en número ilimitado, debe tenerse precaución de
asegurarse de que los que se eligen presten para la expresión y no
restrinjan la originalidad del niño.







8. LA IMPORTANCIA DEL ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA

EL ROL DEL ARTE

El arte significa algo más que los cuadros colgados en las paredes de
los museos, es mucho más que realizar pinturas o esculturas, o que derribar
viejos edificios y levantar nuevas estructuras, o planificar espacios
abiertos. El arte también puede significar una actitud hacia la vida, un
medio de formular nuestros sentimientos y emociones y darles una expresión
concreta. Es un medio de elevar y refinar nuestra sensibilidad hacia las
experiencias.

En nuestros alrededores existen formas y texturas interesantes. El
desarrollo de la sensibilidad hacia el arte es al mismo tiempo el
desarrollo de la sensibilidad hacia el propio medio. El estudiante debe
entender el arte como un reflejo de la cultura de la época y debe apreciar
sus relaciones con los cambios que se producen en nuestra sociedad.

Los medios de expresión que son socialmente aceptables y que al mismo
tiempo están a disposición de los jóvenes de esa edad son estrictamente
limitados. El arte puede ser el único terreno, dentro del marco de nuestro
sistema escolar, en el que se reconozca el desarrollo de sentimientos y
emociones.


LOS CAMBIOS PSICOLÓGICOS DESDE LA ESCUELA ELEMENTAL A LA SECUNDARIA

Cuando los niños empiezan a dibujar y pintar, lo hacen sin ninguna
inhibición. Sin embargo, cuando el niño llega a cuarto, quinto y
especialmente a sexto grado, nos encontramos con que se ha hecho cada vez
más consciente de su propia obra artística, y su expresión ya no es
espontánea y libre de inhibiciones, ha desarrollado, por el contrario una
conciencia crítica. Es un periodo realmente crítico en su evolución: no ha
desarrollado un análisis objetivo consciente de sus actos, pero al mismo
tiempo se siente inseguro en su infantil aproximación del arte.


Una de las importantes tareas de la educación artística durante la
escuela secundaria, y en especial durante la primera parte de ésta, es
proporcionar los medios para que el joven pueda continuar utilizando el
arte y conservando la confianza en sus propios medios de expresión.


Si comparásemos dibujos, sobre un mismo tema, de chicos de diferentes
edades, (desde los seis años hasta la adolescencia), veríamos claramente
que el método para representar el mismo motivo cambió desde una forma de
representación egocéntrica del yo hasta una forma de representación que
intenta reproducir el hecho con una semejanza más fotográfica. El
estudiante secundario ya no está atado por el yo; para él, el éxito o
fracaso del dibujo estaría probablemente determinado por la mayor o menos
fidelidad con que resultara representada la naturaleza.

LA IMPORTANCIA DE LA AUTOIDENTIFICACIÓN.

Lo importante no es analizar u observar el trabajo artístico en sí, en
términos abstractos u objetivos, sino, más bien, identificarse con el
creador y con los problemas y relaciones emocionales que tenga en el
momento de completar su obra. Lo importante es lograr que el individuo sea
sensible a los valores, a las actitudes y a los juicios en una experiencia
apreciativa.


Al parecer, el tener la oportunidad de poder expresarse en forma
creadora proporciona algunos medios para reaccionar frente al medio social
en forma aceptable para esta sociedad. Posiblemente, aquellos que descubren
que no son capaces de crear, que no encuentran satisfacción en construir o
producir, pueden reaccionar en forma negativa.




DESARROLLO DE DOS TIPOS CREADORES.

Podemos distinguir dos tipos de creación artística. Ambos evolucionan
gradualmente en los niños alrededor de los doce años de edad. Uno de ellos
se llama tipo visual y el otro se suele denominar háptico. Estos tipos son,
teóricamente, los dos extremos opuestos de la expresión creadora,
considerada en conjunto, y se refieren al modo de organización perceptiva y
a la categorización conceptual del medio externo. La persona con mentalidad
visual es la que se relaciona con el medio primariamente, a través de los
ojos, y se siente como espectadora. La persona con tendencia háptica, por
el contrario, se preocupa esencialmente por sus sensaciones corporales y
sus experiencias subjetivas, que la afectan emocionalmente. La mayor parte
de la gente se halla entre estos dos extremos.

El tipo visual es el observador y generalmente juzga las cosas por su
apariencia. Un factor importante en la observación visual es la capacidad
de ver primero el total, sin tener en cuenta los detalles. El individuo de
mentalidad visual puede analizar las características de forma y estructura
de un objeto y sentirse atraído por las variaciones que sufren esas formas
bajo la influencia de la luz, la sombra, el color, la atmósfera, la
distancia.

El tipo háptico utiliza las sensaciones musculares, las experiencias
kinestésicas, las impresiones táctiles y todas las experiencias del yo para
establecer una relación con el mundo exterior. Los tamaños y formas se
determinan por la importancia que tienen para el individuo. La persona
háptica aprecia las texturas y siente el placer de palpar los objetos con
las manos. El arte del háptico es más subjetivo.

Es importante recordar que nuestra enseñanza debe estimular la
expresión de los estudiantes, independientemente de su modo de
representación. Es necesario que se proporcione tanto el estímulo visual
como el háptico y que ambas clases de representación artística reciban
recompensa.


Es muy importante comprender la teoría háptico-visual, pues es la
base de gran parte del desarrollo en el arte. El arte infantil puede
clasificarse generalmente, como háptico en su naturaleza, pues las
experiencias que se representan son aquellas que se originan primariamente
con el yo e incluyen lo que podría considerarse como el espacio tangible.


MÉTODOS DE TRABAJO EN EL ARTE.

En dos estudios realizados por Beittel (1966) y Beittel y Burkhart
(1963) se encuentran bien diferenciados dos métodos o técnicas muy
distintos para el aprendizaje en el arte. Dichos métodos se denominan
espontáneo y divergente. Los estudiantes espontáneos comienzan con un
conjunto desprovisto de detalles, experimentan con la forma y aprovechan
los accidentes. Sus obras se presentan como muy libres y tienden a ser de
naturaleza no visual. Los estudiantes divergentes generalmente empiezan con
finos dibujos de detalles y los completan con elementos simples,
desarrollando una cierta organización.

Aunque estos dos métodos de trabajar en el arte son totalmente
opuestos entre sí, también parecen ser flexibles (Beittel, 1966).

Es peligroso que un maestro trate de imponer su propio método de
trabajo a sus alumnos. El dibujar continuamente con el mismo método puede
colocar al estudiante dentro de cierta rutina; por eso, puede resultarle
beneficioso conocer que hay otras posibilidades. El objetivo de cualquier
profesor de arte de la escuela secundaria debe ser crear un ambiente en el
cual los pensamientos y la expresión, cuando se expongan, puedan tratarse
con sensibilidad y respeto.


LA CAPACIDAD CREADORA EN EL PROGRAMA ARTÍSTICO DE LA ESCUELA SECUNDARIA.

En el arte, siempre ha existido la impresión de que la creación es
parte esencial de la experiencia, pero a menos que se tenga la precaución
de asegurarse que los estudiantes desarrollen una actitud creadora y de que
las condiciones ambientales sean tales que alienten el proceso creador, no
hay ninguna seguridad de que las experiencias artísticas en sí puedan dar
origen a la creación.

En la escuela secundaria, el desarrollo del pensamiento creador debe
estar contemplado en un programa planificado, en el cual la flexibilidad,
la fluidez, la originalidad y la facultad de pensar de forma independiente
e imaginativa no se dejen al acaso. Es de primordial importancia
desarrollar pautas de pensamiento creador a esta edad, puesto que las
actitudes y valores que desarrollen estos jóvenes en este momento los
acompañarán toda la vida.

El profesor de arte, por lo tanto, debe planificar las experiencias
que desarrollen la capacidad del pensamiento creador. Es importante
desarrollar la facultad de pensar en forma creadora, de aprender a crear.
Para algunos estudiantes, esto puede ser una experiencia difícil, pues
muchos han triunfado siguiendo las fórmulas o pautas ajenas.

La capacidad creadora no se alienta en una atmósfera caótica, sin
estructura. No obstante, un cierto grado de ambigüedad y diversidad puede
resultar un medio propicio, en el cual el individuo desarrolle su propia
estructura mejor que en un ambiente en el que todo está ya predeterminado y
dispuesto minuciosa y ordenadamente de acuerdo con los patrones de otros.

La preocupación principal por parte de los profesores es la tremenda
presión ejercida por los grupos de alumnos sobre el individuo en la escuela
secundaria. Esta preocupación es bien fundada. Los estudios hechos al
respecto demuestran que los individuos son muy sensibles a la presión de
los compañeros.

Por otra parte, el grupo puede estimular y apoyar el pensamiento
innovador. A cada individuo, dentro de cada grupo de trabajo, se le pide
que exprese tantas ideas como le sea posible, espontáneamente, y sin
permitirle evaluaciones negativas o críticas.

La capacidad creadora se puede mejorar en cualquier nivel; el método
más efectivo parte de la aceptación sin reservas de que un estudiante en un
individuo digno, con pensamientos e ideas propias.


EL PROFESOR DE ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA.

El profesor de arte en la escuela secundaria se halla en una
situación muy importante. A través de él se crea la atmósfera para el
aprendizaje, y este se realiza con el sentido que el docente le imprime.
Debe tener una auténtica fe en sus estudiantes y estar dispuesto a aceptar
sus valores al igual que los propios. Debe dar origen a una atmósfera que
promueva la capacidad creadora y donde no exista la evaluación exterior. No
debe ser una amenaza para los estudiantes. Es claro que la libertad
individual en la clase debe estar restringida, hasta cierto punto, por el
ambiente físico y por los límites del comportamiento que la sociedad exige.
Sin embargo, no debe limitarse la expresión simbólica de estos
sentimientos; la oportunidad de transformar las inquietudes –reales o
imaginadas- en formas artísticas constructivas no debe ser jamás
menospreciada.











9. LA EDAD DEL RAZONAMIENTO.
LA ETAPA PSEUDONATURALISTA: DE 12 A 14 AÑOS.

IMPORTANCIA DE LA ETAPA PSEUDONATURALISTA.

Esta etapa del desarrollo marca el fin del arte como actividad
espontánea, y señala el comienzo de un período de razonamiento. Significa
un cambio desde el dibujar inconsciente lo que se conoce, a la realización
consciente de lo que se ve.

En el área intelectual se desarrolla una capacidad para el
pensamiento abstracto.

La persona a cargo de las experiencias artísticas tiene grandes
responsabilidades, pero también una excelente oportunidad de organizar una
interesante experiencia de aprendizaje que implique conciencia de la
historia del arte, búsqueda de materiales, contactos con artistas en
ejercicio y creación artística que guíe a los niños en todas las facetas
del aprendizaje. Sea cual fuera la organización de la escuela, ésta será,
para la mayoría de los niños, la última educación artística formal que
reciban.

El significado de esta etapa se puede comprender mejor si la
consideramos como una transición entre un periodo en el que el mundo adulto
era todopoderoso y un período en el que el joven adolescente está
comenzando a asumir un importante papel. Después que el niño ha superado la
edad de la pandilla, entra en una etapa en la que se desarrolla hasta el
punto de poder afrontar casi cualquier problema y, sin embargo, en sus
reacciones todavía sigue siendo un niño.


LA REPRESENTACIÓN DE LA FIGURA HUMANA.

Es natural esperar que la representación de la figura humana sufra
variaciones acordes con la progresiva toma de conciencia y preocupación
respecto de los cambios que están empezando a tener lugar en el cuerpo del
preadolescente.

Los niños se esforzarán por lograr un mayor realismo e incluirán las
articulaciones en sus dibujos de la figura humana. Antes de esta edad, los
niños dibujarán ropas sólo como medio de identificación, es decir, para
indicar mujer y hombre. Ahora, en cambio, hay cada vez más conciencia de
las apariencias variables de las ropas cuando se doblan o cuando se
arrugan, cuando las luces y sombras cambian, cuando el cuerpo está sentado,
cuando el color varía con las diferentes condiciones atmosféricas.

Probablemente, una de las tareas más difíciles que un joven tenga que
afrontar en esta etapa pseudonaturalista es la de dibujarse a sí mismo. Los
dibujos hechos por preadolescentes pueden resultar sorprendentemente
parecidos a los de otras etapas anteriores, encontraremos, sin duda, una
mayor conciencia respecto a los detalles, con especial atención puesta en
la ropa, en el estilo del peinado y en los rasgos faciales. Si un joven
está preocupado por su nariz, puede ser que exagere este rasgo o que lo
deje de lado por completo, aunque en el dibujo de otra persona la nariz
pueda convertirse en el detalle caricaturesco principal. El dibujo de la
propia persona es, pues, el reflejo de la propia capacidad para enfrentarse
a sí mismo.


LA REPRESENTACIÓN DEL ESPACIO.

Uno de los importantes descubrimientos que hace el joven de
mentalidad visual es que el tamaño de los objetos distantes se reduce.
Algunos jóvenes aprecian ahora el espacio en sus cualidades
tridimensionales. La mayoría de los jóvenes de esta edad están en
condiciones de manejarse con los problemas de la representación del espacio
en profundidad, pero la cuestión es saber si está bien empleado el tiempo
en desarrollar esta competencia en los jóvenes.

La representación de la profundidad debe ser descubierta por el
alumno; evitar esto explicándole la perspectiva, puede significar privarlo
de una importante experiencia. Hay que dejarlo que tenga conciencia de sus
propios descubrimientos. El profesor no debe privar al alumno de la alegría
de sus propios descubrimientos, sino que, al contrario, debe facilitarle
las cosas, brindándole el justo estímulo, siempre que lo necesite, para que
el descubrimiento surja.


LA IMPORTANCIA DEL COLOR Y DEL DISEÑO.

El preadolescente tiene un sentido intuitivo del color y del diseño,
y la enseñanza formal de estos factores parece desvinculada de sus
intereses.

En la enseñanza no se debe aplicar generalizaciones que impidan al
joven ensayar el color en forma creadora. El color es profundamente
subjetivo en su significado, ya que, por ejemplo, para un individuo el rojo
puede significar horror, pues tal vez lo asocie con la sangre. Mientras que
para otro, el horror puede estar representado por el verde si es que lo
asocia con una casa en ruinas, cubierta de moho.

El joven adolescente puede encontrar gran variedad de colores y
diseños en los objetos que le rodean. El maestro no debe tratar de imponer
su gusto personal sobre los alumnos.


LA MOTIVACIÓN ARTÍSTICA.

Uno de los temas centrales de la adolescencia es la lucha por lograr
una identidad. El joven necesita llegar a un acuerdo consigo mismo y ser
capaz de expresar sus intensos sentimientos, que necesitan una salida
constructiva.

El papel primordial del profesor durante este periodo es proporcionar
la guía y el estímulo para que la expresión de sus alumnos adquiera una
forma significativa, sin coacciones.

Los jóvenes de estas edades disfrutan y necesitan la oportunidad de
compartir e intercambiar ideas con algunos de sus compañeros. Posiblemente,
la mejor distribución para un salón en el que se desarrolla una clase de
arte sea la de disponer mesas para pequeños grupos de estudiantes, de modo
que las actividades puedan discutirse y evaluarse entre compañeros y
profesores.

El desarrollo de una actitud crítica hacia el mundo que lo rodea ha
hecho que el adolescente se preocupe mucho más por el naturalismo. El
esquema que antes viéramos en los dibujos ha desaparecido. Sin embargo, el
joven puede no sentirse dispuesto a intervenir en experiencias artísticas;
en parte, tal vez, porque sus realizaciones anteriores en el terreno del
arte hayan sido ignoradas o aun ridiculizadas, en parte por una progresiva
conciencia crítica.

La motivación artística debe incluir la oportunidad de que se
utilicen todos los tipos de expresión. Limitar las oportunidades de
expresión artística exclusivamente a los individuos que son de mentalidad
primordialmente visual, como sucede muy a menudo, puede restringir o
incluso anular definitivamente la expresión de esos otros jóvenes que no
son capaces o no están aún en condiciones de retratar su mundo en una forma
que no es comprendida.

Debe dejarse bien sentado que el dibujo, la pintura o cualquier otro
trabajo artístico no son el objeto o meta final de ninguna motivación. Por
el contrario, lo que importa es la oportunidad de desarrollar en el joven
una mayor conciencia de sí mismo y de las cosas que lo rodean.

La motivación en sí puede variar considerablemente, no sólo según las
condiciones de la clase, los intereses de los estudiantes y los objetivos
de los profesores, sino por las circunstancias del momento.

Resulta relativamente fácil motivar a los jóvenes que están ansiosos
por dibujar o pintar, pero el alumno que se niega a la actividad es
probablemente el que más necesita de la experiencia.

La motivación debe originar en el joven un deseo de crear y no debe
estar programada para lograr que se construyan objetos, se terminen
proyectos o simplemente para que se mantengan ocupados los jóvenes.


LOS TEMAS.

En el programa artístico existen muchas oportunidades para que el
profesor haga del tema un material sobre el cual los estudiantes puedan
tener algún control.
Sentimientos y emociones. La expresión de sentimientos y
emociones debe tener un lugar importante en el programa artístico
de la escuela. La expresión artística de emociones y frustraciones
requiere un alto grado de sensibilidad. Los temas pueden estar
relacionados con sentimientos de alegría o e tristeza, de amor o
de odio, de contento o de enojo, o con incómodos recelos en una
situaciones social. A veces, estos sentimientos aparecen en
pinturas abstractas; a veces en formas tridimensionales o a veces,
en representaciones directas.


El yo y los otros. Los jóvenes de esta edad son concientes de su
propio desarrollo físico. Son concientes de sí mismos y se ha
despertado en ellos la curiosidad por el sexo opuesto. A esta
edad, dibujar copiando de modelos vivos puede producir un profundo
efecto, como ningún otro tema lo produciría. El dibujo del modelo
no debe ser una lección sobre proporciones, equilibrio, anatomía,
ni un estudio de luz y sombra. Por el contrario, debe ser una
oportunidad de ver el modelo como alguien que forma parte de la
vida, con problemas, con errores, y sobre el cual se puede
proyectar la propia personalidad.



La vida en la escuela. Puesto que muchos alumnos piensan que la
escuela es algo que hay que "soportar", las actividades artísticas
pueden desempeñar el doble papel de ayudar a los estudiantes a
expresar sus sentimientos y contribuir a que se sientan más
compenetrados con la escuela en una forma significativa.


El diseño y la naturaleza. No hay límites para las aplicaciones
del diseño y, a esta edad, la progresiva sensibilidad hacia la
belleza y la preocupación por la ornamentación se tornan
importantes. Muchas formas y modelos extraídos de la naturaleza
pueden servir de estímulo para las experiencias de diseño. La
adaptación de formas provenientes de la naturaleza puede también
ser muy interesante. El descubrimiento de un orden lógico en el
interior de una naranja o de una manzana puede resultar una
sorpresa.




MATERIALES ARTÍSTICOS.

A esta edad, los materiales deben desempeñar un papel secundario en
el programa artístico. El material debe adaptarse a las necesidades
expresivas de los alumnos. Los jóvenes ya son físicamente capaces de
manejar casi cualquier material, aunque salpiquen yeso y la pintura se les
corra, pero la experiencia de trabajo con esos materiales se convierte en
el mejor medio de comprenderlos.

Actualmente hay muchos materiales que se pueden utilizar en las
clases de arte, de los cuales no se disponía hace algunos años. Aunque la
témpera es la pintura que más se usa, existe una cantidad cada día mayor de
otras pinturas utilizables. Algunos de estos materiales nuevos, y por
cierto también los viejos, constituyen imprevistos en potencia en la clase
de arte: la posibilidad de olores penetrantes, el riesgo para la piel y el
peligro de incendio, son algunas cosas que deben tenerse en cuenta.

Probablemente el material tridimensional más antiguo es la arcilla. A
esta edad, el torno de alfarero puede constituir un verdadero estímulo.













































10. EL PERÍODO DE LA DECISIÓN:
LOS ADOLESCENTES EN LA ESCUELA SECUNDARIA:
DE 14 A 17 AÑOS.

LA IMPORTANCIA DEL ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA.


Para el estudiante de los últimos cursos de la escuela secundaria, el
arte ha pasado a ser algo que puede hacer o dejar por completo. Este
período se convierte en algo importante ya que señala el comienzo de un
aprendizaje voluntario en el arte.

La mayoría de adolescentes no siente que el arte sea algo esencial
para sus necesidades. Para la mayor parte de los estudiantes de esta etapa,
el arte fue algo entretenido, pero que pertenece a la esfera de la escuela
primaria. Solamente uno de cada diez estudiantes elige el arte como materia
optativa, la mitad de las escuelas no tienen ninguna materia sobre cultura
artística para ofrecer a los alumnos.

El arte puede desempeñar un papel especial entre la gente joven, si
es que el programa artístico responde a sus necesidades.

Es muy necesario, en la escuela secundaria, acercar el arte al
conocimiento consciente de los estudiantes.

Urge proporcionar un toque de salud y un contacto con nuestros
propios pensamientos, y el programa artístico en la escuela secundaria
resulta ideal para que ellos se lleve a cabo.


EL ALUMNO DE LA ESCUELA SECUNDARIA.

A los doce o catorce años, la perspectiva de ser artista puede haber
resultado muy agradable, pero la posibilidad de hacer elección de una
carrera para toda la vida asusta un poco al graduado de colegio secundario.
Algunas veces, la elección es accidental: para el joven cuya familia no
está en situación económica holgada, el empleo que pudo ser de pocas horas,
puede tener que convertirse en un trabajo de toda la jornada. Pocos jóvenes
son capaces de mantener su idealismo más allá de la escuela secundaria, y
los primeros intereses románticos por el arte son muy pronto puestos a un
lado.


a) El adolescente y la sociedad.

Los adolescentes van sufriendo cambios a lo largo de su desarrollo,
estos cambios les preocupan y tienen un efecto sobre la forma en que se ven
a sí mismos en relación con el resto de la sociedad.


El adolescente se está haciendo cada vez más consciente de los
problemas sociales, y no acepta los valores de una generación mayor sin
discutirlos. El joven de esta edad tiene muy pocas oportunidades para
rebelarse en forma socialmente aceptable, y muy a menudo los padres le
parecen los fabricantes de reglamentaciones.


Podemos afirmar que la sociedad no crea las condiciones para que el
adolescente de dieciséis años sienta que él puede contribuir, o que esta
contribución va a ser aceptada por el mundo de los adultos.


b) El ambiente de la escuela secundaria.


Aunque la sociedad pueda asignar un gran valor a cierto tipo de
educación, el joven que asiste a la escuela secundaria puede mirar esto con
una perspectiva muy diferente. A menudo, la escuela se considera algo a lo
que hay que sobrevivir, más bien que algo que se pueda disfrutar. El
estudiante que triunfa es aquel que ha descubierto cómo llevarse bien con
el sistema, pero no siempre es que va a aprovechar mejor el aprendizaje que
ahí se dispensa. Lo más importante que se aprende en clase es lo que el
maestro desea, y no una verdadera comprensión del tema. Es una cuestión de
sobrevivir con el menor esfuerzo posible, y son pocos los maestros que
logran crear en la clase una atmósfera de entusiasmo por el aprendizaje.


Los estudiantes suelen considerar la educación como la imposición de
verdades preestablecidas, sin preocupación alguna por las necesidades o
deseos personales del joven. No existe ningún curso organizado para que los
estudiantes lleguen al conocimiento de sí mismos, de sus luchas en la
sociedad, o al análisis de los sueños y deseos que nutren para el futuro.


Las escuelas tienden a aislar a los jóvenes del mundo real en un
momento en que las energías y el idealismo de éstos jóvenes pueden ser
provechosamente incorporados a la sociedad.


Algunas veces, se intenta introducir las artes en el programa de todos
los alumnos, ya sea bajo el título de cursos de humanidades, o exigiendo
por lo menos un curso de arte de un semestre a cada estudiante.
Frecuentemente, los cursos de arte que se dan en la escuela han sido
planeados con mucha anticipación por alguna comisión central del estado, y
deben ir desarrollándose progresivamente según se ha establecido, paso a
paso, en el proyecto original. En verdad, lo que es realmente necesario es
un programa de arte significativo e interesante.


Parecería evidente que el estudiante secundario desarrolla un cierto
resentimiento hacia la sociedad, a través de sus experiencias en la escuela
(Nordstrom y col, 1967). Si hay que hacer un cambio fundamental en la
escuela, tal vez convendría hacerlo en aquel sector del programa que es más
flexible y más dispuesto al cambio. El arte parece reunir las condiciones
necesarias para señalar el camino en este sentido.





LAS BASES PARA EL ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA.

No hay razón alguna para que no podamos planear un programa de arte
que no solamente sea distinto en su naturaleza sino que además proporcione
la base necesaria para ayudar a satisfacer las necesidades de esta edad y a
propiciar posibilidades para un desarrollo continuo.


Si se quiere desarrollar un programa de arte que tenga verdadero
sentido, debe estar basado en las necesidades de los jóvenes que asisten a
estos cursos. Debe brindar la oportunidad para que el adolescente exprese
sus sentimientos, emociones y reacciones frente al medio que lo rodea. Debe
ser, un programa con el que el individuo se sienta compenetrado, en el cual
los métodos y materiales estén tan alejados como sea posible de las
restricciones ambientales y psicológicas de la escuela y que logre
arrastrar al estudiante a un proceso fundamental de creación de un producto
con valor realmente utilitario, no sólo para él, sino también para la
sociedad en general. Este tipo de programas debe confeccionarse teniendo
presentes a los jóvenes adultos que se mueven en el mundo de hoy y que se
preocupan por él, y no orientarse hacia la idea de lograr artistas.


Para que el arte sea importante, debe reflejar al individuo que lo
realiza. Al parece, hay tantas clases de expresión artística como
estudiantes, y no sería sensato valorar una forma de expresión más que
otra.


El programa de arte en la escuela secundaria debe ser activo. Los
temas deben fundamentarse en algo más que en los archivos del profesor y
más allá del ambiente de la escuela; debe ser una parte vital de la propia
comunidad.


Los cursos de arte no tienen por qué estar reservados a la expresión
de resentimientos, puesto que otros sentimientos, como el amor, la
admiración por la belleza, la sensibilidad hacia los acontecimientos
sociales, son legítimas preocupaciones del arte.


La base de un programa artístico en los cursos superiores de la
escuela secundaria debe ser la misma que se aplica para el individuo en la
sociedad. Su propósito debe ser que el estudiante se compenetre totalmente
con la cultura en la cual se encuentra, que disponga de un medio de
realizar cambios concretos y que se enfrente consigo mismo y con sus
necesidades.


LA ESTRUCTURA DE UN PROGRAMA ARTÍSTICO.

El objetivo del curso de arte será interesar al alumno hasta el punto
que resulte para él una experiencia significativa, lo cual lo llevará a
descubrir que el arte puede ser un valioso medio de concentrar energías en
la solución de problemas de creación, no solamente en la escuela sino
también después de haberse graduado.






Es posible organizar el programa de arte de modo de hacer una cosa
interesante y con significado. El primer paso sería tratar a los
adolescentes como adultos. Tratar al alumno secundario como a un adulto,
implica respetar sus opiniones y aceptar que ha tenido experiencias que
pueden haber ido más allá de las nuestras en ciertos terrenos y que se ha
acercado al arte por propia decisión.




LOS TEMAS.

La pintura se puede hacer con toda una variedad de materiales y no hay
por qué esperar que los alumnos adopten un procedimiento estrecho.
Enfrentarse con una superficie en blanco es responder a un desafío, y la
experiencia debe ser tan fundamental como la que encara el pintor
profesional. El adolescente tiene conciencia crítica de la inmadurez de su
obra. Fácilmente se puede sentir desalentado por el "primitivismo" y la
"simplicidad" de sus dibujos y a menudo siente temor de proyectar su
pensamiento directamente en un papel. Encarar directamente este problema
podría significar una ampliación de su concepto sobre el arte adulto.

Otro terreno muy amplio que debe formar parte de la base de un
programa artístico es la intervención del estudiante en experiencias con su
propia escuela. Hay muchas escuelas que tienen numerosos pasillos, salones
y lugares vacíos que ofrecen excelentes superficies aptas para la pintura,
y los estudiantes pueden aprovecharlas para pintar murales.

Hay muchos campos, fuera de la clase donde los estudiantes pueden
desempeñar bien ciertas funciones de planeamiento y diseño; diseñar un
sector de los terrenos de la escuela, convertir en parque una parte
abandonada de la propiedad, proyectar una serie de bancos para la parada o
apeadero de los transportes colectivos de pasajeros, son todos proyectos
artísticos apropiados.

Parte del programa artístico puede incorporarse a las funciones
normales de la comunidad en una forma en que no puede hacerlo ningún otro
sector e la enseñanza (el planeamiento y diseño de una sección de una
casa).

La esfera del arte es casi ilimitada en sus posibilidades. La
fotografía puede ser importante si hay una culminación, un último objetivo,
como por ejemplo la publicación. El trabajo en la escultura, si la forma
esculpida pasa a formar parte de la comunidad, también puede llegar a ser
una fuerza poderosa. La imprenta puede ser interesante si se relaciona con
la impresión y publicación de artículos escolares o el anuario de la
escuela, que generalmente se encargan a una imprenta comercial. Casi todos
los proyectos con orientación artística pueden adquirir un significado si
combinan las necesidades del joven adolescente con la oportunidad de
trabajar en los problemas que él enfrenta.




LA IMPORTANCIA DEL DISEÑO.

La escuela secundaria es un excelente lugar para intentar una
reeducación dirigida hacia el convencimiento de que el diseño es parte
integral de la función y el uso de un objeto o e un material. El diseño
funcional se refiere a tres relaciones igualmente importantes: la relación
entre diseño y material, la relación entre diseño y herramienta o
maquinaria y la relación el diseño con el objetivo.


LA ORGANIZACIÓN DE LAS CLASES DE ARTE.

El tiempo que se le asigna a las clases de arte en la escuela
secundaria, establecido oficialmente en el plan de estudios, no suele ser
el más apropiado para las experiencias artísticas. Es evidente que el tipo
de programa que aquí se sugiere no puede adaptarse con eficacia a un
horario preestablecido, pues el interés de los jóvenes no puede prenderse y
apagarse automáticamente, como un contacto eléctrico, cada 45 minutos.


Para aquellos estudiantes interesados en la escultura, el salón de
clase puede ser un buen lugar para planear la tarea, pero el trabajo el
trabajo directo sobre el bloque de piedra o el fundido del bronce, etc,
probablemente se realizará mejor en talleres apropiados, donde los alumnos
pueden ir fuera de las horas de clase.


La organización de las actividades artísticas debe centrarse en
aquellos sectores de la comunidad que puedan dar apoyo y facilidades a los
estudiantes fuera de las clases. El aula debe considerarse primordialmente
como un lugar central de reunión y de discusión, pero nunca como un local
cerrado y aislado.


El hecho de organizar el salón de arte de modo que sea posible
desarrollar muchas actividades a la vez confiere una gran flexibilidad al
uso del espacio.


El estudiante que se aburre en el aula de estudio puede hallar interés
en el salón de arte y "probar" algo de lo que se está haciendo.


MATERIALES ARTÍSTICOS.


El material con el cual se ejecuta un trabajo artístico no posee
ninguna cualidad artística es su forma natural. Sólo a través de la
expresión en el arte, la forma adquiere significado y el material se
convierte en artístico.


Tal vez sería mejor no proporcionar materiales artísticos a los
estudiantes secundarios. Esto significa que todo material tendría que ser
conseguido con el esfuerzo del propio estudiante. La ventaja de este tipo
de organización sería que el alumno no pensaría que el material artístico
es de exclusiva responsabilidad del profesor. También implicaría, por parte
del estudiante, un esfuerzo para la obtención de los materiales, y por lo
tanto, podría seguir utilizándolos después de graduarse.


Los materiales pueden influir mucho en el diseño y en el aspecto final
de una forma artística. Sería un error considerar el material solamente
como el medio para un fin, pues considerando el material en sí, analizando
su función y uso, puede llegarse a introducir cambios en el diseño, a
revisar los planes originales y a aplicar una mayor flexibilidad en el
enfoque.


El número de materiales que podrían considerarse apropiados para la
expresión artística es infinito. Para el alumno de secundaria, un material
nuevo o difícil puede ser interesante desafío.


Conviene decir unas palabras sobre el uso de las herramientas. Los
utensilios que se consideran corrientes en las clases de arte con:
pinceles, pequeños potes para mezclar la pintura, rodillos, espátulas,
tijeras, punzones, etc. Los materiales y herramientas deberán ser de buena
calidad, y de ninguna manera la expresión del alumno secundario podrá
considerarse de menor valor que la del artista adulto.

































11. EL DESARROLLO DE LA CONCIENCIA ESTÉTICA.

SIGNIFICADO DE LA ESTÉTICA.

Desarrollar la conciencia estética significa educar la sensibilidad de
una persona respecto de las experiencias perceptivas, intelectuales y
emocionales, de manera que las mismas se formen más profundas y se integren
en un todo armoniosamente organizado.


LA APRECIACIÓN DEL ARTE.

Algunos educadores de arte discutirán, sin duda, que la apreciación
artística es algo que debe cultivarse y que es necesario que lo enseñen
aquellos que son educados y saben mucho del tema. Esto está en contra de la
presunción básica común y, por regla general, cualquier persona, salvo que
haya sido previamente coartada, es una fuerte defensora de sus propios
gustos.


CULTURA Y CONCIENCIA ESTÉTICA.


Hoy contemplamos con interés las formas artísticas de sociedades del
pasado, y de ellas extraemos conclusiones sobre el tipo particular de
sociedad que las produjo. El templo griego es muy diferente de la catedral
gótica, y cada una de estas formas fue la expresión de las culturas de esas
épocas.
Es evidente que la estética tiene mucha relación con el desarrollo del
conocimiento del niño; la perspectiva de enseñar lo que significa buen
gusto, en una sociedad tan confusa como la nuestra, parece un tanto
ridícula.


LOS VALORES ESTÉTICOS Y SOCIALES.

La estética debe extraerse de lo bueno, de lo auténtico y de lo bello.
El desarrollo de la conciencia estética debe estar mucho más vinculado con
el individuo que con la imposición de ideas, términos o ciertas enseñanzas,
independientemente de lo bien intencionadas que sean dichas enseñanzas.


LOS CAMBIOS EN EL GUSTO ESTÉTICO.

El desarrollo de una toma de conciencia de sí mismos, por parte de los
estudiantes, puede ser mucho más importante que la apreciación de cualquier
estilo particular en el arte. La autenticidad en el diseño y el entusiasmo
en el arte son cualidades muy importantes y esto sólo puede hacerse a
través del yo. El arte es un reflejo del mundo tal cual es en ese momento y
puede proporcionar una dirección para el futuro; es necesario que los
estudiantes sean capaces de evaluar los cambios y sentirse curiosos por
todo lo nuevo.


EL DESARROLLO DE LA CONCIENCIA ESTÉTICA.


Nuestra sociedad está cambiando los valores en el arte; los modelos de
lo bueno y de lo malo pueden no ser importantes; lo que es vital es el
desarrollo de una conciencia estética por parte de los niños, basada en sí
mismos como individuos, antes que en algún modelo estético que puede
resultar inapropiado dentro de veinte años.


El niño de esta edad aprende en forma activa más que pasiva. Es decir,
su interacción con el medio, el tocar, ver manipular, todo ello forma parte
de su desarrollo integral, y su desarrollo perceptivo y cognoscitivo están
íntimamente ligados. Sin embargo, pocas horas después de haber hecho un
dibujo o una pintura, el pequeño ya no lo recuerda, y naturalmente, no
podemos esperar que desarrolle ninguna capacidad de aprendizaje en cuanto a
la conciencia estética, en el sentido en el que lo adultos lo entienden.
Pero es muy probable que la sensibilidad hacia la vida se base en la
continua interacción que el pequeño mantiene con el medio. El grado en el
que se estimule esta interacción puede ser un elemento que influya en la
actualidad del niño hacia la exploración y la investigación de otras
formas, en la expresión de sus gustos y en la capacidad de discriminar
diferencias más fácilmente en etapas posteriores. El niño en edad
preescolar atraviesa una época verdaderamente crucial para el desarrollo de
una sensibilidad hacia la vida.




EL NIÑO DE LA ESCUELA ELEMENTAL.

Evidentemente, existen muchos factores dentro del ambiente del niño en
edad escolar que influyen en sus gustos y desagrados, en su capacidad para
discriminar y en su desarrollo de la conciencia estética. No hay duda que
la escuela desempeña un importante papel en la evolución de la conciencia
estética, pero no es tan importante pata guiar este proceso como lo es para
estimularlo.



EL ALUMNO DE LA ESCUELA SECUNDARIA.

Si se intenta enseñar buen gusto o pautas en el arte en una clase de
los últimos cursos de la escuela secundaria, puede resultar que no se logre
ese estudiante sensible, alerto, conciente, con capacidad de discriminar a
menos que al mismo tiempo se hayan producido ciertos cambios en la
personalidad. Evidentemente, es una tarea muy difícil de realizar, pero el
objetivo de formar una población de mayor sensibilidad, una población que
esté dispuesta a realizar cambios es, por cierto, una meta digna de
perseguir.





UN PROGRAMA PARA EL DESARROLLO ESTÉTICO.

Es una gran medida, pues, la comprensión del arte y de la conciencia
estética deben combinarse en un programa específicamente destinado al niño
que se desarrolla, y que forme parte de su interacción natural con el
medio.

a) El periodo preescolar.


Los niños en edad escolar están ansiosos por compartir sus tesoros y
esos tesoros pueden asumir formas extrañas. Para un niño de poca edad, la
oportunidad de considerar una parte de lo que lo rodea como algo que merece
guardarse y examinarse es más importante que comunicar esa experiencia.

b) Escuela primaria.

Dado que actuamos en una sociedad democrática, la escuela primaria
ofrece una buena oportunidad para el desarrollo de gustos y aversiones y
para incrementar la conciencia de la propia actitud con respecto a las
artes, con plena comprensión del hecho que, a medida que un niño crece,
cambian sus gustos y su capacidad de responder a lo que lo rodea.

c) Escuela secundaria.


Un estudiante secundario que gusta del trabajo de un buen artesano,
que "siente" los problemas del impresor, que aprecia el tacto de las telas
junto con la modista del lugar y que se siente fascinado con los métodos de
edificación del constructor local está también en condiciones de apreciar
las bellas artes.