Co/Lección de Pintura: Prácticas pictóricas desde la Escuela de Arte UC

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Presentación

Roberto Farriol DIRECTOR MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES

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El Museo Nacional de Bellas Artes se complace en recibir un conjunto de obras de destacados docentes-artistas como Gonzalo Cienfuegos, Voluspa Jarpa, Hernán Miranda, Alejandra Wolff, Carlos Ampuero, Ricardo FuentealbaFabio, Gastón Laval e Iván Zambrano, todos pertenecientes a la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Bajo el título Co/lección de Pintura se pone en valor la dimensión pedagógica que reúne a este grupo de artistas. Esta colectiva reúne artistas que actualmente ejercen la docencia en los talleres de pintura de la Escuela de Arte UC, sus obras reflejan ese paradigma integrador que, desde la fundación de dicha escuela, demanda un arte contemporáneo dialogante con otras disciplinas. Sin lugar a dudas, la figura de Josef Albers y su método de la educación artística, junto a Mario Carreño, Nemesio Antúnez, Pablo Burchard, Alberto Piwonka y Mario Valdivieso, son quienes incorporan esta moderna modalidad de trabajo, vinculante con otras disciplinas, desde los inicios de la Escuela de Arte UC, con una mirada contemporánea de la enseñanza del arte. Así, este proyecto expositivo se enmarca en la misión del fomento de las artes en la educación; de una educación integral y personalizada, donde el centro del proceso de aprendizaje está en el sujeto y el desarrollo de sus capacidades creativas, puestas en práctica más allá de sus habituales aplicaciones en las artes. Por otra parte, exhibir este conjunto de obras nos permite conocer las acciones y visiones grupales e individuales que surgen de esta comunidad de artistas, cuyo quehacer como profesores de pintura se orienta en la acción de despertar el interés por explorar y desarrollar esta práctica. Es así como se quiere destacar la diversidad de estas miradas, la heterogeneidad de los estilos y la libertad en el uso de otros medios, además de la pintura, con el

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propósito de profundizar la idea de los fundadores de su escuela; a través de una selección de sus producciones artísticas en su trabajo de investigacióncreación, al servicio de los estudiantes y su formación. Esta muestra responde a un reconocimiento de la importancia que implica la enseñanza del arte en el amplio contexto de la educación en Chile. Por ello, nuestro objetivo principal como museo es abrir estos espacios y construir los puentes para promover la inclusión de nuevas manifestaciones artísticas y su vinculación con todas las disciplinas y áreas del conocimiento.

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Co/lección de Pintura

José de Nordenflycht 1 CURADOR

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Sobre1 la convergencia de una narración, una exposición y un seminario es por donde transita el sentido de un proyecto curatorial que, más allá de las evidencias específicas instaladas por las obras situadas en las salas del Museo, intenta articular relaciones y movilizar convicciones desde una mirada que se desafecta de la anécdota, intentando que lo general devenga en sistema por la sola necesidad de una política de enseñanza.

en la Escuela de Arte de la UC?4. Remitimos al lector a lo que allí se desarrolla en su argumentación histórica, sin embargo para efectos de la autonomía de este catálogo –otro soporte cada vez más académico- podemos avanzar que lo demostrado allí va en la línea de marcar pistas para saber desde donde se definen las condiciones de una comunidad que relacione la función de profesor y la de artista.

Un proyecto que en su origen es sostenido por relaciones académicas. Donde la externalidad del trabajo en talleres y cursos universitarios dan cuenta de unas convicciones que rondan las respectivas posiciones dentro del sistema de arte. Posiciones que por un lado sitúan a un grupo de artistas que, desde la práctica de la pintura y sus desplazamientos, ejercen docencia universitaria. Y por otro lado a un historiador del arte, que trabaja desde la funcionalidad operativa del relato disciplinar, de cara a la responsabilidad formativa en similares contextos.

Para el Seminario hemos dado lectura a un texto preexistente5 que se sostiene en la medida que su recepción ha sido desplegada en medio de polémicas que hoy día tienen a las políticas educacionales en medio de la agenda pública.

Esa pequeña voluntad programática es la que se implementa durante el tiempo que permanece abierta la exposición. Tiempo durante cual se ha puesto en circulación un libro2 y se ha organizado un seminario3, dos formatos tradicionalmente académicos, en una convergencia evidenciada en la condición preexistente del trabajo de todos los involucrados. Por nuestra parte para el mentado libro hemos redactado un breve texto en donde adelantamos conclusiones en base a una investigación cuya pregunta inicial fue ¿a qué nos referimos cuándo hablamos del trabajo sobre la pintura 1 Doctor en Historia del Arte, Profesor Asociado Facultad de Arte Universidad de Playa Ancha. 1 Doctor en Historia del Arte, Profesor Asociado Facultad de Arte Universidad de Playa Ancha. 2 AA. VV. Pintura Chilena Contemporánea. Práctica y desplazamientos disciplinares desde la Esuela de Arte UC, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, 2015. El libro excede el propósito de la exposición, sin embargo es sintomático de esta voluntad programática el hecho de que entre sus editores esté Carlos Ampuero y Francisco Schwember, incluyendo además los textos de Voluspa Jarpa, Alejandra Wolff y el mismo Schwember, artistas presentes con sus trabajos en la muestra. 3 En el seminario “Arte y Educación: Nuevas Perspectivas.”, participaron como expositores Joseph Gomez (UC), Daniela Cobos (UC), Francisco Schwember (UC), Alejandra Orbeta (UAH) y José de Nordenflycht (UPLA), se realizó en el Salón José Miguel Blanco del MNBA el día 4 de septiembre de 2015.

En ambos textos se nos despejan ciertas convicciones que podrían resultar muy perentorias y definitivas para muchos, pero que no por ello debemos dejar de enunciar. Lo primero es que para aprender hay que creer, en este caso creer en la pintura, y para enseñar hay que profesar la pintura, en esta caso ser profesor de pintura. Profesar y creer podrían tener aquí un curioso sentido que va más allá de una cierta literalidad con que se pudiera entender en este contexto institucional, lo que amén de ser una coincidencia nominal no impacta en absoluto sobre lo que funcionalmente podrían entenderse sobre el sentido de esas palabras en la forma y el contenido de los trabajos, más allá del proceso de enseñanza. Profesar y creer en la pintura es parte de un fundamento metodológico, donde el problema inicial es reconocer que antes de la enseñanza no hay pintura como arte. Por lo que la comprobación de que se aprendió es la única mirada posible sobre lo que inaugura la pintura que viene. Así la simple contemplación pasiva no sirve, y se debe entender que mientras enseñar es 4 NORDENFLYCHT, José de “Del Mito a la Historia: prácticas, enseñanza y políticas de la pintura.” en AA. VV. Pintura Chilena Contemporánea. Práctica y desplazamientos disciplinares desde la Esuela de Arte UC, op. cit. 5 NORDENFLYCHT, José de “La práctica, la enseñanza y el aprendizaje: de la condición a la relación.”. Texto escrito en enero de 2008, en su origen fue producto de una mesa redonda a partir de una convocatoria del Área de Artes Visuales del CNCA, coordinada en ese momento por la artista Viviana Bravo, en la cual participamos junto a los artistas y docentes Mónica Bengoa, Bárbara Lama y Antonio Silva. En prensa, a ser publicado próximamente en una edición coordinada por Carolina Herrera y Nelly Richard.

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mostrar, aprender es relevar al arte en tanto sistema de conocimiento que permite expandir la conciencia de los que se asoman a esta práctica por primera vez, de ahí que la teoría sea siempre una acción que se disuelve en la práctica de pintar. Un modelo de trabajo es un modelo de enseñanza, aquí la práctica de la pintura es la que articula una convicción sobre la convergencia en torno al proyecto de una Escuela de Arte. Una de la cual lentamente el mito va dejando paso a la historia, de mano del empeño de sus sostenedores así como de su asistencia técnica en la ruta de abundar el relato que se merece. Y será en base a la estructura del curriculum de su proceso regular de enseñanza donde se aloje una hoja de ruta que, más allá de los modos y sus tránsitos, coloca a los sujetos cooperando para que en medio de sus afanes la pintura tenga lugar, más allá de la evidencia de esta como mancha, borde y superficie. De ahí que esta exposición asume los tránsitos de ese diagrama curricular para confrontarlo con la práctica y sus efectos concretos. Por lo que los géneros, tipologías y taxonomías suspenden sus nominaciones canónicas, para dar paso a la pregunta de cuando estos objetos singulares funcionan como pintura. En el posible reconocimiento de ellos es donde se les refiere a su propia historia institucional a través de la necesaria construcción de un relato historiográfico. Así como también referirlos a las posibilidades que ellos mismos inauguran en tanto testimonios de la nostalgia por un futuro en donde se devela el profesar que hay detrás. Con todo ese contexto programático es que el conjunto de obras que reúne esta co/lección representa el índice de una acción colectiva en el tiempo en torno a la práctica de la enseñanza de la pintura desde la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

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Desde esa convocatoria, tenemos a la vista un conjunto de trabajos específicos que se reconocen desde la necesidad de montar una exposición que pretende exponer algunas ideas sobre cómo se enseña la pintura y cómo se podría aprender el arte. Esto último es un punto de partida para explicarse el extrañamiento de la mirada de un espectador, el que la mayor parte de las veces se instala desde una zona de comodidad que lo tiene acostumbrado a que otros resuelvan sus expectativas a través de una imagen perpendicular a la pared. Lo que muestran estos trabajos por separado no podría explicarnos lo que en su conjunto representan. Y esto no es poco, pues sabemos que las disciplinas artísticas entran en conflicto desde su institucionalización, de ahí que para unos estar al lado de los otros se invoque la necesidad del mito, como han observado varios, y de ese modo tener un punto de fuga en común que les de sentido al origen6. La mirada somera los encuentra una vez más dispuestos desde cerca, otra vez confrontados, es decir de frente con ese parietal arcaico que es uno de los orígenes del soporte en la pintura. La mirada somera, da paso a un descriptor más somero aún. En la primera sala Gonzalo Cienfuegos escenifica un relato infinito, que es su historia con la historia de la pintura, mientras Hernán Miranda interpela la corporalidad desde la urgencia de la coyuntura, superados como estamos de imágenes que trafican con la realidad. Frente a ellos Gastón Laval utiliza la retórica de la imagen en suspenso, donde el montaje cinematográfico le enseña a la pintura que el recorte no es solo espacial sino que también temporal. Mismo tiempo que a Carlos Ampuero se le ha develado en tanto declara que el “artista es como un arqueólogo”, apelando a la problematización de la superficie donde emerge la pintura, como los recuerdos reprimidos del continuo social que es la historia de vida. En la rotonda que articula el acceso entre las dos salas 6 GONZÁLEZ, Francisco “El mito en pintura (acto fundacional)” en Revista de Arte UC, año 5, nº 8, otoño 1992

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están ubicados los trabajos de Voluspa Jarpa, la que pone en abismo su obra con la reproducción de registro de su archivo y Alejandra Wolff quien transita por el abismo del olvido forzado de imágenes que serán siempre de otros. En la otra sala, al fondo, el otro Iván Zambrano marca la distancia con la ficción retórica del cuerpo7, en sus flancos Ricardo Fuentealba-Fabio transita desde la matriz del dibujo a la matriz del grabado sobre las cuales pinta, como si el soporte de su reproducción obligara al reconocimiento de la copia como un origen. Por su lado Francisco Schwember expande la semblanza del paisaje del maestro oriental, ese que entra en la pintura solo desde el reconocimiento de sus huellas. Como sabemos las exposiciones que incluyen las obras de varios artistas suelen denominarse “colectivas”. Eso viene de colección. En ningún caso de colaboración. Y no es porque los artistas no colaboren entre ellos, sino que más bien porque hacer reductible el espaciamiento de una obra con otra es siempre una violencia de la cual dista la colaboración y la cooperación. De ahí la importancia del coleccionista. Ese “otro” que no siendo el autor de cada una de las obras, puede tener la pretensión de llegar a serlo desde la mirada de su conjunto. De ahí que el “coleccionista-autor”, sea parecido a eso que hoy día ronda en el sentido común de la palabra curador. Como si la disociación propia de los roles y actores del sistema de arte moderno se encuentren hoy día difusamente contaminadas en una sola y gran comedia del arte. Al final las exposiciones colectivas no son más que el exponer los nombres que se hacen responsables de autorías de obras específicas. Donde ni la muerte del arte, ni la muerte de la pintura, ni la muerte del autor –anunciados por varios- puede olvidar la muerte del que profesa cuando su trabajo deviene en enseñanza, más allá de su función como curador. 7 SCHAEFFER, Jean-Marie Arte, objetos, ficción y cuerpo, Editorial Biblios, Buenos Aires, 2012.

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Para que la pintura nos habite, evidenciando esta relación entre cuerpo e imagen que tanto se ha insistido desde la antropología visual, debemos acostumbrarnos a la pintura. De ese modo pareciera que pintar es una conducta, una práctica, una costumbre cultural. De esto último deriva su historia. Si los pintores pintan sobre el rastro de otras pintura no sería solamente un encadenamiento de citas, sino que más bien una estabilidad disciplinar que pese a todas idas y venidas, se ha logrado mantener vigente en un grupo de artistas que hoy día miran desde ellos pese las mediaciones de las imágenes. Decir los objetos, decir los cuerpos, decir lo que los contiene y contextualiza es lo que podría hacer una pintura. De ahí que transmitir al otro sería una posibilidad incierta. Ahí están las pinturas que a través de la historia imponen su propia subjetividad sobre los otros. Persuasivas, seductoras y retóricas parece que nos reclaman desde el “que quiso decir” al “que quiere hacernos”, insistiendo con “lo que yo he pintado es lo que tú debes mirar” o “lo que yo he mirado es lo que tú debes pintar”. De ese modo se ha resuelto históricamente el paradigma académico en una forma de enseñar que tiene sus mejores resultados en la imagen y semejanza de unos sobre otros. En algún momento eso se consideró “hacer escuela”, dando como resultado imágenes reconocibles que se aglutinan en torno a secuencias declinatorias. Producto de lo cual el malestar, la incomodidad, o la insatisfacción pareciera que están en la base de los argumentos de quienes creen que más que enseñar a pintar, se aprende a pintar. Coleccionarlos a todos con la mirada será tarea para la casa, aprender a enseñar es la lección permanente.

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GASTÓN LAVAL Serie Último Trailer (1999-2015) Óleo sobre tela

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CARLOS

AMPUERO

I want to be like you 2015 Óleo sobre tela

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GONZALO CIENFUEGOS

Retrato incongruente 2007 Óleo sobre tela

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Retrato Irreal 2015 Óleo sobre tela Galería Animal

Minotauro 2012 Óleo sobre tela

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RICARDO FUENTEALBA– FABIO

El estreno: Vader 2013-2015 Dibujo/grabado sobre papel y pintura sobre tela

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El estreno: Vader 2013-2015 Dibujo/grabado sobre papel y pintura sobre tela

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VOLUSPA JARPA

El Jardín de las Delicias 1995 Óleo y tinta de impresión sobre tela Colección particular

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GASTÓN LAVAL

Serie Último Trailer (1999-2015) Óleo sobre tela

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Serie Último Trailer (1999-2015) Óleo sobre tela

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HERNÁN MIRANDA

El cuerpo de Chile 2012 Óleo sobre cobre

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La realidad de las imágenes 1992 Óleo sobre tela Colección Museo Nacional de Bellas Artes

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FRANCISCO SCHWEMBER

Trapananda (segunda versión) (detalle) 2012-2015 Pintura sobre acrílico transparente y madera

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Trapananda (segunda versión) 2012-2015 Pintura sobre acrílico transparente y madera

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ALEJANDRA WOLFF

Retorno 2014—2015 Acuarela, tinta, sal y medio acrílico sobre papel

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1, 2 y 4 Retorno 2014—2015 Acuarela, tinta, sal y medio acrílico sobre papel

3 Fortda 2014 Óleo sobre tela

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IVÁN ZAMBRANO

Ofelia 2007-2009 Mixta: Caja de acrílico, plantas acuáticas, resina poliéster, fibra de vidrio, óleo

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Museo Nacional de Bellas Artes Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos Ángel Cabeza Director Museo Nacional de Bellas Artes Roberto Farriol Secretaría dirección Verónica Muñoz Exhibiciones temporales María José Riveros Curadoras Gloria Cortés Aliaga Paula Honorato Comunicaciones, Relaciones Públicas y Marketing Paulina Andrade María Arévalo Cecilia Chellew Diseño Lorena Musa Wladimir Marinkovic Francisca Vera Mediación y Educación Natalia Portugueis Graciela Echiburú Paula Fiamma Yocelyn Valdebenito Gonzalo Bustamante María José Cuello Benjamín Sánchez Raúl Figueroa Valentina Verdugo Daniela Li-jo Departamento de Colecciones y Conservación Marianne Wacquez Nicole González Natalia Keller

María José Escudero Camila Sánchez Eva Cancino Sebastián Vera Gabriela Reveco Asistente de investigación y administración de sitio web Cecilia Polo Administración y finanzas Rodrigo Fuenzalida Mónica Vicencio Marcela Krumm Hugo Sepúlveda Autorización de salida e internación de obras de arte Marta Agusti Arquitectura y mantención Fernando Gutiérrez Museografía Ximena Frías Marcelo Céspedes Gonzalo Espinoza Carlos González José Espinoza Juan Carlos Gutiérrez Mario Silva Luis Carlos Vilches Museo Sin Muros Patricio M. Zárate Biblioteca y Centro de documentación Doralisa Duarte Nelthy Carrión Juan Pablo Muñoz Segundo Coliqueo Soledad Jaime Erika Castillo Audiovisual Francisco Leal

Oficina de archivos y partes Ivonne Ronda Juan Pacheco

Invita:

Custodia Carlos Alarcón Seguridad Gustavo Mena Sergio Muñoz Eduardo Vargas Pablo Véliz José Tralma Alejandro Contreras Guillermo Mendoza Luis Solís Sergio Lagos Pablo Pfeng Maximiliano Villela Warner Morales Luis Serrano EXPOSICIÓN Curador José de Nordenflycht CATÁLOGO Textos Roberto Farriol José de Nordenflycht Registro fotográfico Juan Carlos Gutiérrez Patricia Novoa Diseño Lorena Musa

Colabora:

Media Partner:

Espacio Iván Zambrano y Francisco Schwember

Este catálogo fue impreso por Andros Impresores con motivo de la exposición Co/lección de pintura, prácticas pictóricas desde la Escuela de Arte UC, presentada en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile, entre el 30 de julio y el 27 de septiembre de 2015. Impreso en septiembre de 2015, con un tiraje de 1.000 ejemplares, en papel Couché de 130 grs. Reservados todos los derechos de esta edición © Museo Nacional de Bellas Artes.