La cultura popular desde la perspectiva del Cine y la estética.

La cultura popular Por: Ángela Ramos López Módulo: Teoría Estética Facultad de Cine y Fotografía Noviembre 2011 ¿Cuál es la estética de la cultura popular en el Cine? Voy a explorar en varias películas para demostrar su influencia tanto en la estética como en el Cine. Se ha demostrado que el séptimo arte es de las más influyentes expresiones del ser humano, su papel ha sido contundente en procesos sociales como en la propaganda nazi o la propaganda comunista rusa. La influencia que quiero analizar ahora, es la que ha realizado el Cine en las expresiones de la cultura popular contemporánea, pero más específicamente al nivel de estética. La incógnita surge debido al poder de fascinación del cine comercial en el público; es cierto que la temática y la narrativa son unos factores definitivos pero, la imagen conceptual como tal lleva un trasfondo muy importante debido a su plástica y a su simbología; como en la cultura popular contemporánea, usando dos ejemplos específicos y opiniones de diversos enfoques como gente del espectáculo, de la política y los medios masivos de comunicación. “Las referencias de la cultura pop son tan abrumadoras, que uno se puede pasar un buen rato contándolas”. Comentario acerca de Tomb Raider. En el presente del mundo cinematográfico es muy difícil diferenciar si las historias y los referentes visuales son sacados de la cultura popular., o sí las mismas películas crean nuevos iconos pop. “La cultura popular de los Estados Unidos une sobre todo a las clases urbanas y refinadas de la mayoría de los países, en una sola zona cultural confederada, ya que con ella trata de unificar al mundo. Los íconos de la ideología, para crear una semicultura mundial son los actores recios, como Charlas Bronson, Clint Eastwood y Arnold Schwarzenegger, y con ellos el abigarrado de los anuncios de Coca Cola, llegando a ser la segunda cultura de toda la gente”. Todd Gitlin. Profesor de sociología de la universidad de California, Berkeley.

El cine debido a su amplio poder de difusión, crea prototipos que se amoldan a muchas de las culturas mundiales, creando un referente estético que es caldo de cultivo “cliché”; éste explora temas que la gente no se atreve aceptar pero que son reales en su diario vivir como el sexo, las drogas y la violencia, o también sueños e ideales de la gente como el ascenso al éxito, la lucha contra lo establecido, el pluralismo, el populismo, el patriotismo, la tecnología y el individualismo. Estos valores y defectos de la sociedad son condensados en esos prototipos, haciendo de su expresión visual un referente icónico como el escudo de Batman, Bruce Lee y el boom de las artes marciales, Indiana Jones y la aventura, los extraterrestres y Spielberg, X-Files o Star Wars. Cuando vemos un Astor Martin o vemos un tipo que se crea muy intrépido y conquistador nos acordamos inmediatamente de James Bond pues, encierra una estética y una simbología propias, esto por toda la moda y la cultura creada alrededor de la serie y el personaje. Ed Wood y Tim Burton. Edward D. Wood Jr. Nació en 1925, en un pequeño pueblo cuyo nombre era Poughskeepie (N.Y.). A la edad de los cuatro años Edward ya mostraba interés por las películas, vistiéndose de mujer y tomando fotografías por todo el barrio. Dedicando su tiempo a escribir libretos incluyendo como actores a los muchachos de su barrio. Su género favorito era el Western. En 1946, llegó a Hollywood y en 1948 ya estaba escribiendo, produciendo, dirigiendo y llevando a cabo su primer fracaso. Este fracaso se llamó “The casual company”. En 1954, consiguió suficiente dinero para producir su primer largometraje cuyo nombre “Glen or Glenda” protagonizada por él y Bela Lugosi. La única película en la que Ed consiguió hacer una importante suma de dinero fue “Bride of the Monster”, lamentablemente Ed había vendido el 100% de los derechos a la cinematografía. La falta de trabajo hizo de Ed Wood un alcohólico y ya hacia el final de su carrera, Ed Wood se dedicó de lleno a las películas con desnudos y monstruos. Murió en 1978, a la edad de 53 años y 2 años más tarde se le reconoció como el peor director de cine de todos los tiempos. Un caso específico de los referentes estéticos es la ciencia ficción. Ed Wood es un ejemplo de la oleada de ciencia ficción de la década de los cincuenta, en la que el

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público es inundado del verde baboso, el aluminio brillante, el látex, los colmillos, el rojo sangre, los monstruos y por supuesto, las mujeres semidesnudas. Todo ese universo fue y es aún usado en el cine (Día de la Independencia), siendo tan trillado que se llega al punto de la sobresaturación, pero aún así han influido en el imaginario y en la cultura popular de forma definitiva. A parte de la película homenaje “Ed Wood”, Tim Burton hace también un homenaje a la ciencia ficción de los cincuenta ya todo su universo visual y cultural en la película “Mars Attacks” pero, cabe aclarar que su homenaje es una burla total a todo el cliché generado por el tema. “Ese amor de Burton por lo extraño que anima a cada una de las criaturas surgidas de fértil imaginación se reencuentra con la realidad en la bizarra biografía fílmica del inefable Ed Wood, director de serie Z responsable de algunas de las peores películas de la historia. El universo del extravagante Wood (formidable creación de Johnny Depp), su tenaz travestismo y su emocionante relación con un Bela Lugosi en plena decadencia (gran actuación de Martin Landau) son creados por Burton con una delicada mezcla de reverencia e ironía que convierte a la figura principal en un auténtico símbolo de los sublime, trascendido tras su inagotable vitalidad y entusiasmo creativo. Tras “Ed Wood” (1994), el eterno proyecto de Burton, de crear un híbrido perfecto entre el mundo de los seres reales y el libre trazo de los inexistentes personajes de cómic, encontró su continuidad en la gran farsa “Mars Attacks!” (1996), delirante homenaje a las ciencia ficción de serie B de los años cincuenta, que bajo su brillante envoltorio de divertimento fetichista y fantasioso esconde un envenenadísimo caramelo lleno de ira contra las paranoias de la sociedad estadounidense de los años noventa”. El mundo del Cine. Los grandes mitos del séptimo arte. Editorial Ocena, España 2000.

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David Lynch Nació en el año de 1946. Ya desde muy joven comenzó filmando cortometrajes inverosímiles y extraños nutriéndose de toda la vanguardia europea del comic-art y la ilustración. Su primera película fue “Eraserhead”, del año de 1976 y en ella ya se vislumbran todos los elementos que lo acompañarían en adelante y de los cuales él forjó una estética absolutamente personal. La siguiente película fue “El Hombre Elefante”, en la que vemos a un joven Anthony Hopkins, al excelente actor inglés John Gielgud y al camaleónico John Hurt como el deformado “hombre elefante”, dando una actuación que conmueve y lleva casi hasta las lágrimas. En cuanto a nivel de importancia, le siguió la esplendorosa “Duna”, en la que pudo hacer estallar en gran medida toda esa gran galería de personajes barrocos, siniestros y originales que el libro de Frank Herbert le daba. Cabe destacar que la película es excelente en muchísimos aspectos pero, en referencia al libro de Herbert (que se considera como uno de los mejores libros de ciencia ficción) tiene un montón de cabos sueltos

y

diferencias

conceptuales

que

perdieron

para

hacerla

más

grandilocuentemente visual, pero es imperdonable no citar a “Blu Velvet” (gran policial que anticipó “Twin Peaks”), “Corazón Salvaje” (la primera road-movie de los 90’s) y la ante penúltima y lisérgica “Carretera Perdida”. “Corazón Salvaje” en 1990, es una road-movie que rompió con un montón de elementos a nivel visual, pero que es mucho más llana y convencional en cuanto al relato. En ella, vuelve Laura Dern como la adolescente con problemas, pareja de Nicholas Cage, una especie de clon de James Dean de los 90’s. Los dos intentando escapar de la madre de ella (representada varias veces como una bruja) que quiere matarlo a él a toda costa. Harry Dean Stanton, como el detective enamorado de su empleadora que debe encontrarlos (en un rol muy alejado al de “Paris Texas” de Wenders) William Dafoe en tal vez, el rol más extraño de su vida: un ladrón de bancos nervioso y malhablado (para la composición de este personaje, Dafoe se debió deformar casi el rostro). Por último es necesario mencionar “Carretera Perdida”, una película difícil y prácticamente imposible de explicar, ya que no tiene lógica alguna pero sigue perfectamente la línea de “Eraserhead” o “Blu Velvet”, en cuanto a lo extraño, complicado y retorcido del relato. Lo más original de ésta, sean tal vez esos increíbles

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contraluces que le dan cierto misticismo y fascinación a las imágenes, o la terrible falta de compromiso con el espectador al introducirlo en una historia que cambia radicalmente en el transcurso haciendo “mutar” de forma al protagonista. ¿Dualidad perversa?, un Lynch original. Estética de Lynch La estética en este pintor – director, tiene gran importancia pero, ésta no solo se muestra mediante los colores (lo cual sería un planteamiento bastante simple), sino que se hace patente al crear una atmósfera característica en toda su filmografía mediante la decoración, el vestuario, maquillaje, la fisonomía de los actores e incluso, me atrevo a decir que la música tiene bastante de componente estético. Analizar ésta estética, es hacerlo de un pintor, escultor, director, escritor, actor… Se trata de un artista que necesita ver su obra en movimiento. Todo lo bello y tranquilo son máscaras de la realidad y David Lynch las irás desprendiendo una a una. No se quiere dar a entender con esto una visión pesimista de la realidad, sino verla en su conjunto. De este modo, podremos descubrir los vicios, fobias, misterios y crueldades que contiene la sociedad, en particular la americana. En “Eraserhead”, Lynch sienta las bases de su estética. El contenido temático de éste primer largometraje de Lynch se ve supeditado a la forma de contarlo. En blanco y negro fue una elección tomada por él y su primer director de fotografía en este film fue Herbert Cardwell. Al escoger el blanco y el negro, le sirvió para desarrollar su concepción del mundo a base de contrarios. El contraste es su recurso más utilizado. Este recurso de contraposición luz/oscuridad es empleado en el resto de su filmografía. Interiores irritantes limpios y simétricos, exteriores industriales derruidos. Dichos paisajes industriales son el resultado de la influencia de las fotos realizadas por Lynch durante su estancia en Filadelfia. Pero si queremos descubrir las influencias estéticas de Lynch a la hora de dirigir “Eraserhead” deberíamos citar en la misma frase a Magritte, Duchamp, Francis Bacon, Edward Hooper, Billy Wilder, Karl Freund, Stanley Cortez o Luis Buñuel. “El Hombre Elefante”, aunque en blanco y negro tiene una gran carga visual y un tratamiento expresionista de la imagen. “Terciopelo Azul”, el actor Kyle Maclachlan, es un típico estudiante universitario, guapo, que viste pantalones, chaqueta y corbata oscuras, camisa blanca y con un bonito

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descapotable. Un muchacho intachable pero, conforme avanza la historia, toda su personalidad se va destapando capa a capa. En cada una de las películas, David Lynch expresa una influencia muy importante, la de su niñez ya que con ella ha hecho que sus películas den aires diferentes y complejidades distintas, acompañas también de los anuncios coloridos de los años cincuenta de Murray de la fotografía de Paul Outenbridge. En “Twin Peaks”, el color blanco se refleja como el lado positivo en compañía con los tonos pastel en cambio el negro se refleja en el lado negativo, relacionado con los colores azul (lado oscuro), rojo (advertencia)y amarillo (Disimulo). Por último, en su película “Corazón Salvaje”, presenciamos una estética puramente distinta pero puramente lyncheana. Se trata de una road-movie, cuyos principales protagonistas son Saylor y Lula. Mediante las continuas referencia que realiza Lynch a “El Mago de Oz” en esta película, pulveriza según Charo La calle, una de las piezas claves de la mitología norteamericana. En la estética de esta película observamos semejanzas con el hiperrealismo de Edward Hopper, los contrastes de “Eraserhead” y la iconografía de los años cincuenta presentes en “Terciopelo Azul”. Esta última característica se manifiesta visiblemente en Saylor, el cual lleva una chaqueta de piel de serpiente, clara herencia de Marlon Brando en la película “Piel de Serpiente” (1960) de Sidney Lumet, como símbolo de su fe en la libertad personal. Conclusión En esta sustentación vimos dos ejemplos claros de la cultura popular: En el cine de ciencia ficción de los cincuenta, vimos como se crea una cultura como tal, a partir de la explotación de un género narrativo produciendo una estética unidimensional y recurrente hasta nuestros días, siendo un ejemplo del poder del cine como precursor de nuevos modelos e iconos contemporáneos y por que no decirlo, mundiales. En “Corazón Salvaje” y por que no, con David Lynch, encontramos a la cultura popular ya como un elemento estético para crear una propuesta nueva. Lynch emplea la moda y la cultura de los cincuenta en varias de sus películas. Además de elementos presentes

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en la sociedad, así como influencias personales de varios artistas plásticos y cinematográficos en su concepción de arte y fotografía. En “Corazón Salvaje” se puede decir que hace en alguna medida lo mismo que Tim Burton en “Mars Attacks!”, pues Burton destruye iconos y referentes de la cultura popular como la invasión extraterrestre, la tecnología, la utópica unión de la raza humana contra el enemigo y el patriotismo; mientras Lynch juega con elementos como la leyenda de “El Mago de Oz”, el escape de “Rebelde sin Causa” y la libertad de “Piel de Serpiente”. En conclusión, ¿quién fija los límites?. El único que tiene la última palabra es el público a quien va dirigida la propuesta, pues éste tiene total y comprobada capacidad de análisis en la mayoría de los casos. Porque el Cine evoluciona a medida que la sociedad también, por eso no se puede afirmar en esencia que una película es mala porque tanto el gusto como el público, son infinitamente variados. En último caso debemos recibir una historia en cine con una mente abierta o simplemente no verla.

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