Venecia en Xochimilco La muestra Pintura veneciana. De Tiziano a Longhi llega a México producto del intercambio bilateral México-Italia, a raíz de que el Museo Dolores Olmedo Patiño prestó su acervo para la exposición Frida Kahlo y las obras maestras del arte mexicano, que se exhibió el año pasado en Venecia y Roma. Tiziano, Tintoretto, Veronese, Basano, Padovanino, Tiepolo, Longhi y Bella, entre otros maestros de la escuela veneciana, son algunas de las firmas que pueden apreciarse en esta muestra, que reúne pintura sacra, retratos, un espacio designado a los dogos (gobernantes de Venecia de aquella época), así como aspectos de la ciudad reproducidos con precisión. Pintura veneciana. De Tiziano a Longhi, Museo Dolores Olmedo Patiño, av. México 5843, La Noria, Xochimilco. Se inaugura hoy 19:00
RETRATOS DE MUJERES EN LA CINETECA Dentro del ciclo Retratos de mujeres, que ofrece la Cineteca Nacional, esta tarde se proyecta la cinta francesa Le bleu des villes, de Stéphane Brizé. La historia comienza cuando Solange, quien vive en la provincia junto a su esposo, recibe la visita de Mylène, una amiga que ahora es la presentadora del boletín meteorológico y que llega de paso para presentar su autobiografía. Después de salir con Mylène al club nocturno, a comer e intercambiar algunas confidencias, Solange reflexiona sobre su vida y sus anhelos, y descubrirá que algo no le gusta de su situación actual. Le bleu des villes, dir. Stéphane Brizé, Francia 1999, Cineteca Nacional, av. México Coyoacán 389, col. Xoco. Funciones: 16:30, 18:45 y 21:00
Artes escénicas
Cine
Artes plásticas
CONTRASEÑA
A XIOMA EN EL IPN Esta noche se presenta en el auditorio Alejo Peralta, del Instituto Politécnico Nacional, el grupo Axioma. Durante más de una hora presentarán un espectáculo multidisciplinario que fusiona en un solo concepto escénico, música, voz, instalación y performance. El tema que abordarán en su presentación trata acerca de la dignificación y respeto de los pueblos indios de América. Entre los artistas participantes se encuentran Fabián Álvarez, Alfonso Puello, Anick Pérez, Martín Becerra y Pilar Villanueva. IPN, Centro Cultural Jaime Torres Bodet, Zacatenco, hoy 19:30
Video
JUEVES 21 • FEBRERO • 2002
E
n este mundo fóbico y globalizado, las formas y maneras del cine se contaminan con el estilo de realización estadunidense. La hegemonía del cine poco arriesgado, convencional y predecible satura las salas cinematográficas alrededor del planeta; imágenes redundantes cambian sólo de espacio e idioma para seguir invadiendo la conciencia y libertad de los espectadores: el séptimo arte pierde rostro, se homogeniza. El 13 de marzo de 1995, un grupo de directores daneses dio a conocer un documento en el que planteaban la necesidad de modificar la forma de arrostrar el relato cinematográfico. En ese texto, los cineastas se comprometían a enfrentar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban desentrañar la verdad profunda del hecho fílmico. El manifiesto, conocido como el Voto de castidad y firmado primero por Lars von Trier y Thomas Vinterberg, y luego por Soren Kragh-Jacobsen y Kristian Levring, instituyó Dogma95, un movimiento que pretendía resucitar al cine de la esterilidad, superficialidad, ilusionismo e individualismo en que se encontraba desde la década de los sesenta. Los diez mandamientos del Voto de castidad y su aplicación casi fiel en las tres primeras películas del colectivo (Festen: La celebración, de Thomas Vinterberg; Los idiotas, de
Dogma95, ¿resurrección del cine? POR
PAULO CÉSAR CORREA
Lars von Trier; Mifune, de Soren Kragh-Jacobsen), crearon controversia, pues muchos directores aseguraban que las propuestas del manifiesto ya habían sido consideradas. En efecto, así había sucedido: John Casavetes sacó la cámara del trípode y la paseó por las calles de Nueva York; Cesare Zavattini siempre soñó con rodar una película que describiese la vida de un hombre durante veinticuatro horas; los actores improvisaban a sus anchas ya en los filmes de Ken Loach; Jean-Luc Godard, Francois Truffaut y Eric Rohmer renunciaron a la iluminación artificial. Sin embargo, en las décadas anteriores las propuestas nunca fraguaron, sino que fueron asumidas como experimentos propios del cine de autor. Esta controversia se ha convertido en una de las mayores contribuciones que se le han hecho a la discusión sobre el desarrollo del arte cinematográfico durante los últimos treinta años. Dogma95 crea un planteamiento en el que pretende regresar a los orígenes elementales de la cinematografía, averiguando la verdad interna del discurso a través de preguntas con la cámara.
IMÁGENES PURAS La ideología y la estética del colectivo Dogma95 tienen mucho que ver con la búsqueda de “imágenes puras”, concepto que Wim Wenders analiza en el documental Tokyo ga y mucho más claramente en Historia de Lisboa, donde el protagonista, un cineasta, graba en video imágenes que nunca se han visto. Los postulados del manifiesto giran en torno al regreso a las raíces y a depurar la imagen convencional y prostituida por la televisión creando un cine sobrio, pues Hollywood convierte a las películas en esclavas de los efectos especiales, los formulismos narrativos y las escenas de acción y violencia. Aunque en su promesa de castidad los creadores de Dogma95 plantean usar el formato de 35 mm como la norma para sus producciones, dos de las películas de la primera tríada fueron filmadas en video digital, rompiendo inmediatamente con las reglas. En este contexto, Dogma95 puede considerarse como una resurrección de la expresión audiovisual y ha demostrado ser eficiente tanto como cine (o video) de arte como producto de venta, transformándose en un gran
éxito de taquilla en varios países e impulsando una ola de creación (se cuentan 25 películas dogma actualmente) en países como Francia, Estados Unidos, Argentina y España. Queda esperar que la globalización no invada el fenómeno del Cine Digital y lo convierta en un ser amorfo y sin estética propia. A continuación, algunos de los mandamientos que rigen el movimiento Dogma95: Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un set (si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios). El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa. (La música no debe ser usada a menos que ésta suceda en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada.) La cámara debe ser manipulada con las manos. Cualquier movimiento o apoyo logrado con las manos es permitido. La película tiene que ser en colores. La luz artificial no está permitida. (Si la luz no alcanza para la exposición, la escena debe ser eliminada o se le puede enchufar un foco simple a la cámara.) Usar efectos especiales o filtros de cualquier tipo está prohibido. El director no debe aparecer en los créditos. Para más información se puede visitar el sitio oficial www.dogme95.dk ■■
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CONTRASEÑA INFUSIONES EN POLANCO ¿Cuántas historias pueden contarse mientras sorbemos una taza de té? Té de tila, de manzanilla, de jamaica, de frutas de la pasión o simplemente negro. Para Mariana Gullco, cada uno de estos aromas y sabores traen consigo una escena: como una charla con amigos, una tarde tranquila en casa o la cura para un dolor de estómago. En la exposición Té presenta dos instalaciones realizadas con bolsitas de infusión: la primera es una pieza colgante en forma de espiral sujeta al techo por hilos transparentes donde los aromas se fugan hacia la altura, y la segunda es una pequeña pieza redonda en la que también están unidas distintas bolsas de té. Té, Sala de Arte Público Siqueiros, Tres picos 29, col. Polanco, Ma a D 10:00 a 18:00
Televisíon
JACOPO TINTORETTO. EL ORIGEN DEL AMOR, 1562 (FRAGMENTO)
AVENTURAS, EMOCIÓN Y PELIGRO
FANÁTICOS DEL CINE
Contacto animal no sigue el formato de los documentales tradicionales sino que ofrece a sus televidentes una experiencia única y cercana de la gente que trabaja con ellos, desde el buceo con tiburones, el rescate de leones de las manos de cazadores ilegales, hasta salvar de las amenazas de un lagarto a un vecindario de la Florida. Cargado de aventuras, emoción, humor y peligro, este programa muestra la cautivante relación entre los animales y el hombre.
Para los cinéfilos de hueso colorado, Canal 22 y la BBC de Londres presentan BBC hablando de cine, un programa con lo mejor del cine internacional de próximo estreno. Durante media hora, los televidentes verán entrevistas con los actores estelares de cada producción y los directores más exitosos del momento. Este programa es una buena opción para no salir decepcionado de las salas cinematográficas. BBC hablando de cine, Canal 22, hoy 17:30
Contacto animal, Animal Planet, hoy 10:00
U
no de los supuestos más importantes del arte contemporáneo —y en general para buena parte del arte del siglo XX— ha sido la pretendida desacralización del objeto artístico. Una de las formas más comunes para transgredir la institucionalización del arte ha sido sacarlo del contexto legitimatorio que lo contiene. Los espacios en donde comúnmente podemos encontrar “arte” están claramente definidos: museos, galerías, bienales, ferias. El martes pasado, Dulce María Alvarado y Cecilia León realizaron una acción que tiene que ver con dar una circulación diferente al objeto artístico. La idea surgió de una anécdota teatral en Nueva York, en donde se escenificó para una sola persona una obra de teatro. Si las artes escénicas podían proponer un acto íntimo, que en general era público, ¿por qué las artes plásticas no hacían lo mismo? Así que propusieron “un proyecto que consiste en una serie de acciones que buscan reconsiderar la relación obra-espectador y así alterar la forma común de acercamiento entre ambos”. El proyecto, que lleva por título Encuentro citado. La obra te visita, consiste en llevar su obra a los hogares de diversos artistas, curadores, promotores culturales, investigadores etc. La primera vista fue a quien esto
Cita con el arte POR
EDGARDO GANADO KIM
escribe. El proceso comenzó con una llamada telefónica para invitarme a ser cómplice. Días después, un mail me fue enviado por las artistas con un escrito amoroso en donde se solicitaba un encuentro íntimo entre mi persona y la obra de arte que habría de acoger en mi domicilio. El 18 de febrero recibí la misma misiva, esta vez por correo tradicional. La ruta formal estaba hecha y yo estaba de acuerdo. No sabía lo que podía ocurrir: yo era el anfitrión, por un par de horas, de la obra realizada por Alvarado y León. Tenía que invitar a quien yo quisiera y la cita era a las 19:00 horas. La llegada se retrasó veinte minutos. Cuando por fin llegó la carga, todos los presentes se dieron cuenta de que la organización de la acción estaba totalmente controlada. La obra arribó en un transporte de Movart, Servicios integrales para exhibiciones, empresa especializada en movimiento de obra artística. Siete estibadores bajaron al patio de los edificios Vizcaya dos grandes cajas a la vista de los vecinos, que observaban con curiosidad tantas cámaras de video y fotografía que las captaban. Al subir al tercer piso, las cajas fueron debidamente recibidas y abiertas
en el pasillo, primero la de Cecilia y después la de Dulce María. El embalaje era totalmente profesional, como si las obras estuvieran envueltas para ser llevadas a un importante museo, con todos los requerimientos técnicos de una institución especializada en arte. Cuando por fin los delicados objetos estuvieron completamente descubiertos, debí fungir como amable anfitrión y colocarlos, como un museógrafo, en los lugares de mi agrado. Los grabados, pinturas y objetos fueron tomando su lugar poco a poco frente a las miradas atónitas de los invitados. Las camas recibieron los cuadros más grandes, en las mesas de la cocina y del desayunador descansaron las pinturas de Dulce María Alvarado, las cuales representaban objetos como cacharros y botellas inspirados en la obra de Morandi. La estufa sirvió de pedestal para un pequeño cubo en cuyos lados también podíamos observar bodegones. Los visitantes podían abrir el refrigerador y encontrarse con pinturas. Los pasillos se adecuaron perfectamente para recargar otras obras. En la mesa del comedor se colocó una enorme carpeta de cinco
grabados de Cecilia León, que se podía maniobrar con guantes blancos. No es común que se inviertan los papeles en la relación tradicional establecida por la circulación de los objetos artísticos, es decir que la obra se desplace de su lugar de creación a un espacio que no es de exhibición pública. Algo así como “si no voy a la montaña, la montaña viene a mí”. El sentido no institucional en esta acción fue el elemento primordial que pretendía legitimar la obra de estas dos artistas por vías diferentes a las ya establecidas. Aunque no es la primera vez que sucede un acto artístico de esta naturaleza, sí es novedoso el sentido ritual que establecieron las artistas para realizarlo. En otros momentos similares en el arte mexicano, las muestras que se hacen en casas particulares no establecen la idea de visita, pues regularmente las casas se proponen como una galería transitoria. Aquí la idea rectora era que al paso de unas horas la obra se embalara y regresara a su lugar de origen. Así como un visitante fugaz y agradable. A las 22:13 de la noche, las distintas obras distribuidas en la casa se comenzaron a recoger, con guantes blancos, de los lugares en los que se habían colocado. La visita había terminado. ■■
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JUEVES 21 • FEBRERO • 2002
Artés plásticas
M I L E N I O Diario 45
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