COLECCIONANDO DISEÑO
Diego Richardson Nishikuni,
Historiador de Arte UNED, Diseñador EAGC, Orfebre Artesano.
[email protected]
Abstract:
Collecting mass produced objects has a crucial importance in our
contemporary culture as Design is to say, the DNA of the things that
conforms our material knowledge and the way we understand our life with
them.
El cambio del S. XIX al XX, fue un tiempo en el que de alguna manera se
consolidó el avance de la tecnología con el descubrimiento de la
electricidad y la implantación del motor de explosión en todos los campos
de la industria. Por consiguiente, la velocidad con la que se producen los
cambios tecnológicos es vertiginosa y las instituciones públicas no fueron
ajenas a ello, especialmente en EE.UU. Hasta ahora se ha venido
difundiendo la idea de que los primeros museos en coleccionar objetos de
diseño industrial fueron el Modern Art Museum y el Metropolitan Museum de
Nueva York. Sin embargo, los recientes estudios de los historiadores
dedicados al diseño han comprobado que años antes que ellos, otros museos
como el Toledo Museum of Art (Ohio) y el Newark Museum (New Jersey) ya
habían desde 1909 iniciado colecciones de objetos producidos en masa y
dedicaron esfuerzos a la realización de talleres de fabricación de objetos
de vidrio decorativo, peletería, textiles, porcelana, etc., cuyo objetivo
era la mejora técnica de los trabajadores de esas industrias y promocionar
las industrias locales, especialmente las que estaban orientadas al diseño.
Posteriormente, los mencionados MoMA y el MMA, al igual que el Brooklyn
Museum y el Victoria & Albert Museum de Londres, a partir de 1929, hicieron
lo mismo, quizás de una manera más sistemática y más publicitada y
procuraron exhibir aparte de los productos, también una secuencia de los
procesos llevados a cabo en su producción y animaron a los diseñadores a
producir objetos aparte de funcionales. El antecedente directo de estas
exposiciones está en las Exposiciones Universales, cuyo primer ejemplo fue
la de Londres en 1851, que llevó como título "Gran Exposición de los
trabajos de la Industria de todas las Naciones". Le siguieron París 1889,
Chicago 1893, París 1900 y Saint Louis, 1904 para interrumpirse hasta 1933
y continuando hasta la actualidad. Si bien el objeto de estas exposiciones
no eran exclusivamente los objetos de diseño industrial, sí que gran parte
de lo expuesto tenía que ver con el diseño. Las primeras sirvieron para a
su vez mostrar las últimas tendencias en materia artística, aunque lo que
se exponía era de corte más académico que vanguardista. Otro gran
escaparate del producto industrial y/o de diseño, fue la Exposición
Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París en
1925, en la que el gran protagonista fue el Art Déco, junto al conocido
como Movimiento Moderno. Le Corbusier ya expuso en ella un módulo de
vivienda a escala, habiendo diseñado también el mobiliario, aunque lo llamó
"equipamiento". Otro importante antecedente del coleccionismo y la
musealización de objetos de diseño fue la Arts and Crafts Exhibition
Society, que desde 1887 hasta antes de la Primera Guerra Mundial, más o
menos cada tres años, expuso los trabajos de los miembros del conocido como
Arts and Crafts Movement, que abogaba por una
…"recuperación de los valores tradicionales en la artesanía e ignorar la
artificial distinción entre las Artes llamadas Bellas y las Decorativas y
dar la oportunidad al diseñador y al artesano de mostrar su producción al
público por su interés artístico"… (Walter Crane). En la misma línea de
borrar las líneas divisorias entre Arte y Artesanía, se encontró la
conocida Bauhaus, que si bien no puede citarse una exposición inaugural,
los productos en ella diseñados y sus propuestas en todo aquello que tiene
que ver con el diseño, siguen teniendo un gran predicamento hasta la
actualidad. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño,
teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia y vidriería y entre
sus principales objetivos estaba: …" "La recuperación de los métodos
artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al
mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos
que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de
consumo asequibles para el gran público"… (Walter Gropius, fundador).
En 1929 Alfred Barr abrió el Modern Art Museum de Nueva York motivado por
las influyentes ferias recientes sobre Artes Industriales, comenzó a
combinar objetos de diseño con obras de Picasso y Duchamp, lo cual fue
visto como una especie de 'hipervanguardismo'y el Movimiento Moderno era el
arte de la era de las máquinas. El criterio de selección era
exclusivamente el del aspecto visual de las piezas, más que otros aspectos
como los tecnológicos, funcionales o simbólicos. El MoMA, sin embargo ha
seguido siendo visto como un abanderado. El problema es que Arte y Diseño,
siendo en gran medida hermanos de sangre, no son lo mismo como para
presentarlos en la misma forma. El Arte en principio es absolutamente
inútil, no cumple ninguna función técnica ni soluciona ningún problema, sin
embargo, está sacralizado por el toque mágico del artista/genio y es en
general, un objeto único. El diseño sin embargo, es antes que nada,
funcional y después puede parecer más o menos estético según los criterios.
Los objetos de diseño necesitan de poder transmitir otras cosas que los
objetos artísticos no. El público siente la necesidad de conocer lo que
ellos representan en términos de esfuerzo e inteligencia para llegar a ser
lo que son. Por lo tanto, son ineludibles el contexto y el proceso, lo
cual, en el arte es poco relevante si nos atenemos al juicio de quien sólo
ve lo estético. Existen obras de arte moderno cuyo proceso es incluso
parte de la misma obra, pero en general, suele ser una parte irrelevante
del fenómeno. Sin embargo, hay que reconocer que presentado en la misma
forma que el Arte, el diseño adquiere parte del aura mágica que envuelve a
las obras artísticas, llevándolas a la percepción de ser tan inútiles como
las obras de arte, por tanto, igual de importantes.[1]
En fechas posteriores, los museos de Arte Moderno y los de Artes
Decorativas han ido incorporando a sus colecciones objetos de diseño y se
han abierto centros dedicados a ello en prácticamente todo el mundo,
especialmente en los países con tradiciones dilatadas en la disciplina. En
general, la política que siguen estas instituciones culturales es la de
exponer el diseño y mostrar su proceso y sus implicaciones, no
necesariamente para atraer el mayor número posible de visitantes sino para
acercarlo a quienes lo necesiten y estén en capacidad de recibirlo[2]. El
proceso curatorial de las colecciones de diseño es el mismo que el de la
institución que lo alberga. Algunos establecen marcos cronológicos (p.
ejem. Wolfsonian, 1850-1950); otros lo presentan vinculado a un estilo (p.
ejem. MoMA Mov. Moderno); lo presentan como actividad transversal con otras
disciplinas como agricultura, transporte, vida doméstica e industria
(ARTIC, London Science Museum) o lo exhiben, desarrollan y explican en
todas sus facetas (Design Museum of London). Con los anteriores ejemplos,
se evidencia una deriva hacia la especialización y la diferenciación.
PRINCIPALES CENTROS DEDICADOS AL DISEÑO
Los principales centros dedicados al diseño en el mundo son, entre otros
muchos[3]:
ESTADOS UNIDOS Y CANADÁ:
Art Institute of Chicago (ARTIC)
Cooper Hewitt National Design Museum, New York.
Design Museum Boston (DMB)
Harry Ransom Center (HRC)[4], Austin, Texas.
Museum of Modern Art (MoMA), New York.
The Wolfsonian, Miami Beach, Florida.
Design Exchange, Toronto, Canadá.
Museum of Arts and Design, New York.
UCDavis Design Museum, Sacramento, California.
EUROPA:
Museo del Diseño, Barcelona, España.
MAK, Museo de Artes Aplicadas de Viena, Austria
Vitra Design Museum, Weil am Rhein, Alemania.
Centraal Museum, Utrecht, Holanda.
Design Museum of London, RU.
Tate Modern, Londres, RU.
Victoria & Albert Museum, Londres, RU.
Triennale Museum, Milan, Italia.
Museo y Archivo de Bauhaus, Berlín, Alemania.
Design Museum, Copenhagen, Dinamarca.
Nationale Museet, Estocolmo, Suecia.
Moderna Museet, Estocolmo Suecia.
Nordiska Museet, Estocolmo Suecia. (Especializado en decoración de
interiores).
Designmuseo, Helsinki, Finlandia.
Die Neue Sammlung, Munich, Alemania.
AMÉRICA LATINA:
MUMEDI, Ciudad de México.
Sao Paulo Museum of Image and Sound.
Museo de Arquitectura y Diseño de Buenos Aires (MARQ), Argentina.
ORIENTE MEDIO:
Design Museum of Holon, Israel.
ASIA-PACÍFICO:
OCT Design Museum, Shenzhen, China.
21_21 Design Sight, Tokyo, Japón.
Red Dot Design Museum, Singapur. (Fuertemente orientado al consumo de
masas).
COLECCIONISMO DE DISEÑO EN LA ECONOMÍA DEL CONOCIMIENTO
…"Cada objeto del inventario material de una cultura representa una idea o
una secuencia de ideas"…
Hunter y Whitten, 1981
La producción de objetos es a la vez un proceso cultural y cognitivo, es
decir, los objetos pueden ser fabricados como mercancías para 'solucionar
un problema', pero pueden también ser algo artístico o al menos, cuyas
cualidades más relevantes sean la estética y/o el simbolismo. De ello se
extrae que existe una economía moral que subyace en el papel que juegan los
objetos en la sociedad y la cultura. Por ejemplo en el lenguaje en el que
se expresan las cosas, es decir por su forma, su color, textura e
imaginería, deducimos algunas cualidades psicológicas de los mismos; unos
colores se asocian a lo masculino en vez de a lo femenino, algunas
texturas se asocian al lujo, otras a lo meramente industrial, etc. El caso
es intentar entender si cualidades inherentes o son semánticas adquiridas
por la repetición, la familiaridad o la convención. En cualquier caso, su
lenguaje (el de las cosas) se traduce en una forma de conocimiento de la
cultura material que es de alguna manera el ADN de la Era Industrial (ya
más bien postindustrial), un reflejo de nuestro sistema económico, de la
tecnología con la que tenemos que manejarnos y de nuestros valores
emocionales y culturales. El diseño refleja esos valores, pero también sus
propósitos. Define o al menos indica el valor. Visual o táctilmente,
podemos entender si algo es precioso, caro, barato, etc. [5] El diseño
también crea conciencia de clase o sensación de identidad personal o
colectiva, de nacionalidad o de marca. Dadas las posibilidades semánticas
de los objetos, evidentemente a través de ellos se puede conocer a la
sociedad que los usa y entender así esos valores. La cultura material en
la actualidad refiere a disciplinas nuevas como la Antropología de la
Tecnología, Cultura Material e Identidad, etc. En todos los casos, el
diseño es parte fundamental de esa cultura.
La colección de objetos de diseño ayudan a entender todo lo que es conocido
y el cómo es conocido dentro de la cultura material actual, es decir, hacen
parte de su infraestructura epistémica, (la base del conocimiento) que a su
vez, es la base de la Economía del Conocimiento. A ello se llega mediante
el montaje, la custodia, organización, presentación, archivo y
transferencia de todo tipo de objetos, textos y obras de arte. Los objetos
de diseño coleccionados, son sacados de la circulación del mercado y de
ellos se puede extraer por tanto, la suma de la matriz del conocimiento más
los procesos humanos que se han llevado a cabo para conseguirlos.
La estructura económica actual y con ella todo el comercio de bienes,
servicios e ideas está apoyada en términos generales en la globalización y
la tecnología de la información. A diferencia de las anteriores economías
basadas en la producción agraria o industrial, la actual tiene como
fundamentos el conocimiento y la innovación. De esta manera, los productos
o servicios creados y comerciados en la Economía del Conocimiento,
contribuyen a su vez al avance de la ciencia y la técnica, así como también
generan su rápida obsolescencia. Esta pronta caducidad de los objetos de
diseño hace que con facilidad el mercado elimine de circulación unos para
poner en circulación otros (no se puede olvidar que el mercado busca la
rentabilidad al menor plazo posible). En esta dinámica, se hace
imprescindible la musealización de aquello que tenga significación, para
poder seguir el proceso evolutivo y por lo tanto, los objetos con valores
estéticos o simbólicos importantes, suelen tener más cabida en las
colecciones, pues además de la parte tecnológica, apelan de manera singular
a la memoria colectiva. Este coleccionismo el reflejo del proceso de
evolución del mercado y por tanto de la sociedad y un elemento de
diagnóstico en sí mismo[6]. La colección de objetos de diseño permite
también el conocimiento de la evolución de la tecnología, de los estilos,
el uso de materiales, los referentes simbólicos y la relación con el resto
de las áreas del conocimiento. Se puede decir que es la materialización de
los conocimientos teóricos y de todos los procesos que se han seguido para
llegar a la producción de los objetos y entender el porqué se han
fabricado. Si consideramos todas las áreas del diseño, es decir, la
arquitectura, el diseño gráfico, la tipografía, la decoración, la
publicidad y el diseño gráfico, la infografía, los videojuegos, etc.,
entenderemos el alcance de la importancia de las colecciones de todos estos
desarrollos, para rescatarlos del ingrato mercado y poner a salvo lo que
tiene significación. De otro lado, las colecciones de objetos industriales
y de uso, sirven para reflejar las negociaciones que se dan entre ellos y
el arte, captar sus vinculaciones, sus afectos y desavenencias. En términos
generales, son dominios solidarios aunque en general el 'mundo del arte'
suele renegar bastante de su parentesco. Muy probablemente las principales
razones sean simplemente económicas.
BIBLIOGRAFÍA
The Language of Things, Deyan Sudjic. Ed. Penguin, 2008
ISBN 978-0-141-03117-0
Collections of industrial and product design: a pathway for improved
economic development connections among cultural institutions
Kelly L. Kinahan
International Journal of Cultural Policy , Junio 2014
DOI:10.1080/10286632.2015.1056173
Collecting in a Consumer Culture, Rusell W. Belk et alter. Consumer
Behavior Odissey, 1991, Provo, Utah. Association for consumer Research.
Epistemic Infrastructure in the Rise of the Knowledge Economy, Margaret
Hedstrom.
University of Michigan, 2005
El Diseño Industrial en la Historia, Aquiles Gay, Lidia Samar, Ed. TEC,
Córdoba, Argentina, 1994
ISBN 987-21597-0-X
¿Cómo nacen los objetos? Bruno Munari, Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 1981
ISBN 84-252-1154-9
Semántica del Objeto, Roland Barthes, Conferencia en Fundacion Cini,
Venecia, 1964
El diseño industrial reconsiderado. Barcelona, MALDONADO, T. Ed. Gustavo
Gili, 1977
Diseño industrial en la historia.pdf
http://www.faud.unsj.edu.ar/descargas/LECTURAS/Diseno%20Industrial/OBLIGATOR
IA/3.pdf
Cultura y Cultura Material, aproximaciones a los conceptos e inventario
epistemológico. Ismael Sarmiento Ramírez, CRAEC, Univ. de Paris III
Sorbonne Nouvelle. Anales del Museo de América, 13, 2007
http://www.faud.unsj.edu.ar/descargas/LECTURAS/Diseno%20Industrial/OBLIGATOR
IA/3.pdf
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[1] 'The language of things'. Deyan Sudjic.
[2] 'Collections of industrial and product design…', Kelly L. Kinahan.
[3] N. de A: Se asume que pueden cometerse errores e injusticias en la
selección, pero una lista exhaustiva no viene al caso en este estudio.
[4] Este centro es importante por su gran cantidad de archivos gráficos,
textos y películas.
[5] 'The Language of things', Deyan Sudjic.
[6] Clifford, 1988, citado en 'Collecting in a Consumer culture'. Belk et
al.
